Seni Barok

Barok (UK:/bəˈrɒk/,AS:/-ˈroʊk/; Bahasa Prancis: [baʁɔk]) atau Baroquism[1]adalah gaya arsitektur, musik, tari, lukisan, patung, puisi, dan seni lainnya yang berkembang di Eropa dari awal abad ke-17 hingga 1750-an.[2]Itu mengikuti seni Renaisans dan Mannerisme dan mendahului Rococo (di masa lalu sering disebut sebagai "Barok akhir") dan gaya Neoklasik. Itu didorong oleh Gereja Katolik sebagai sarana untuk melawan kesederhanaan dan penghematan arsitektur, seni, dan musik Protestan, meskipun seni Barok Lutheran berkembang di beberapa bagian Eropa juga.[3]

Gaya Barok menggunakan kontras, gerakan, detail yang meriah, warna yang dalam, kemegahan, dan kejutan untuk mencapai rasa kagum. Gaya ini dimulai pada awal abad ke-17 di Roma, kemudian menyebar dengan cepat ke seluruh Italia, Prancis, Spanyol dan Portugal, kemudian ke Austria, Jerman selatan, dan Polandia. Pada 1730-an, itu telah berkembang menjadi gaya yang bahkan lebih flamboyan, yang disebut rocaille atau Rococo, yang muncul di Prancis dan Eropa Tengah hingga pertengahan hingga akhir abad ke-18. Di wilayah Kekaisaran Spanyol dan Portugis termasuk Semenanjung Iberia itu berlanjut, bersama dengan gaya baru, sampai dekade pertama abad ke-19.

Dalam seni dekoratif, gayanya menggunakan ornamen yang berlimpah dan rumit. Keberangkatan dari klasisisme Renaisans memiliki caranya sendiri di setiap negara. Tetapi fitur umum adalah bahwa di mana-mana titik awal adalah elemen hias yang diperkenalkan oleh Renaissance. Repertoar klasik ramai, padat, tumpang tindih, dimuat, untuk memancing efek kejut. Motif baru yang diperkenalkan oleh Baroque adalah: thecartouche, piala dan senjata, keranjang buah atau bunga, dan lainnya, dibuat dalam marquetry, plesteran, atau ukiran.[4]

Asal usul kata

Liontin dalam bentuk sirene, terbuat dari mutiara barok (torso) dengan dudukan emas berenamel yang dipasang dengan rubi, mungkin sekitar tahun 1860, di Museum Seni Metropolitan (Kota New York, New York).

Kata bahasa Inggris baroque berasal langsung dari bahasa Prancis. Beberapa sarjana menyatakan bahwa kata Prancis berasal dari istilah Portugis barroco ("mutiara cacat"), menunjuk ke bahasa Latin verruca,[5]("wart"), atau ke kata dengan akhiran -ǒccu (umum di Iberia pra-Romawi).[6][7][8]Sumber lain menyarankan istilah Latin Abad Pertengahan yang digunakan dalam logika, baroco, sebagai sumber yang paling mungkin.[9]

Pada abad ke-16, kata Latin Abad Pertengahan baroco bergerak melampaui logika skolastik dan mulai digunakan untuk mengkarakterisasi apa pun yang tampak sangat kompleks. Filsuf Prancis Michel de Montaigne (1533–1592) mengaitkan istilah baroco dengan "Aneh dan rumit yang tidak berguna."[10]Sumber awal lainnya mengaitkan barbaro dengan sihir, kompleksitas, kebingungan, dan kelebihan.[9]

Kata barok juga dikaitkan dengan mutiara tidak beraturan sebelum abad ke-18. Barroco barok Prancis dan Portugis adalah istilah yang sering dikaitkan dengan perhiasan. Contoh dari tahun 1531 menggunakan istilah tersebut untuk menggambarkan mutiara dalam inventarisasi harta karun Charles V dari Prancis.[11]Kemudian, kata itu muncul dalam edisi 1694 dari Le Dictionnaire de l'Académie Française, yang menggambarkan barok sebagai "hanya digunakan untuk mutiara yang tidak sempurna bulat."[12]Kamus Portugis 1728 juga menggambarkan barroco yang berkaitan dengan "mutiara kasar dan tidak rata".[13]

Turunan alternatif dari kata barok menunjuk ke nama pelukis Italia Federico Barocci (1528-1612).[14]

Pada abad ke-18, istilah tersebut mulai digunakan untuk menggambarkan musik, dan bukan dengan cara yang menyanjung. Dalam ulasan satir anonim perdana Hippolyte et Aricie karya Jean-Philippe Rameau pada Oktober 1733, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menulis bahwa hal baru dalam opera ini adalah "du barocque", mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, tidak peduli dengan disonansi, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat berlari melalui setiap perangkat komposisi.[15]

Pada tahun 1762, Le Dictionnaire de l'Académie Française mencatat bahwa istilah tersebut dapat secara kiasan menggambarkan sesuatu yang "tidak teratur, aneh, atau tidak setara".[16]

Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer serta filsuf, menulis di Encyclopédie pada tahun 1768: "Musik Barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[10][17]

Pada tahun 1788, Quatremère de Quincy mendefinisikan istilah dalam Encyclopédie Méthodique sebagai "gaya arsitektur yang sangat dihiasi dan tersiksa".[18]

Istilah gaya Prancis barok dan musique barok muncul di Le Dictionnaire de l'Académie Française pada tahun 1835.[19]Pada pertengahan abad ke-19, kritikus seni dan sejarawan telah mengadopsi istilah "barok" sebagai cara untuk mengejek seni pasca-Renaisans. Ini adalah arti kata yang digunakan pada tahun 1855 oleh sejarawan seni terkemuka Jacob Burckhardt, yang menulis bahwa seniman barok "menghina dan menyalahgunakan detail" karena mereka tidak memiliki "menghormati tradisi".[20]

Pada tahun 1888, sejarawan seni Heinrich Wölfflin menerbitkan karya akademis serius pertama tentang gaya, Renaissance und Barock, yang menggambarkan perbedaan antara lukisan, patung, dan arsitektur Renaissance dan Baroque.[21]

Arsitektur: asal usul dan karakteristik

Artikel utama: Arsitektur barok
Quadratura atau langit-langit trompe-l'œil Gereja Gesù, Roma, oleh Giovanni Battista Gaulli, 1673-1678[22]

Gaya arsitektur Barok adalah hasil dari doktrin yang diadopsi oleh Gereja Katolik di Konsili Trente pada tahun 1545–1563, sebagai tanggapan atas Reformasi Protestan. Fase pertama Kontra-Reformasi telah memberlakukan gaya akademis yang keras pada arsitektur keagamaan, yang telah menarik bagi para intelektual tetapi bukan massa pengunjung gereja. Konsili Trente malah memutuskan untuk menarik audiens yang lebih populer, dan menyatakan bahwa seni harus mengkomunikasikan tema-tema keagamaan dengan keterlibatan langsung dan emosional.[23][24]Demikian pula, seni Barok Lutheran berkembang sebagai penanda pengakuan identitas, sebagai tanggapan terhadap Ikonoklasme Besar Calvinis.[25]

Gereja-gereja barok dirancang dengan ruang pusat yang besar, di mana para jamaah bisa dekat dengan altar, dengan kubah atau kubah tinggi di atas kepala, memungkinkan cahaya menerangi gereja di bawah. Kubah adalah salah satu fitur simbolis utama dari arsitektur Barok yang menggambarkan penyatuan antara langit dan bumi. Bagian dalam kubah dihiasi dengan lukisan malaikat dan orang suci, dan dengan patung-patung malaikat plesteran, memberi kesan kepada mereka yang di bawah melihat ke surga.[26]Fitur lain dari gereja Baroque adalah quadratura; lukisan trompe-l'œil di langit-langit dalam bingkai plesteran, baik asli atau dicat, penuh dengan lukisan orang suci dan malaikat dan dihubungkan oleh detail arsitektur dengan langkan dan konsol. Lukisan Quadratura Atlantes di bawah cornice tampaknya menopang langit-langit gereja. Tidak seperti langit-langit Michelangelo yang dicat di Kapel Sistina, yang menggabungkan adegan yang berbeda, masing-masing dengan perspektifnya sendiri, untuk dilihat satu per satu, lukisan langit-langit Barok dibuat dengan hati-hati sehingga penonton di lantai gereja akan melihat seluruh langit-langit dalam perspektif yang benar, seolah-olah gambarnya nyata.

Interior gereja-gereja Barok menjadi semakin berornamen di High Baroque, dan fokus di sekitar altar, biasanya ditempatkan di bawah kubah. Karya dekoratif barok yang paling terkenal dari High Baroque adalah Kursi Santo Petrus (1647–1653) dan Baldachino dari St. Peter (1623-1634), keduanya oleh Gian Lorenzo Bernini, di St. Basilika Petrus di Roma. Baldequin dari St. Peter adalah contoh keseimbangan yang berlawanan dalam seni Barok; proporsi raksasa dari karya itu, dengan cahaya kanopi yang tampak; dan kontras antara kolom bengkok yang kokoh, perunggu, emas, dan marmer dari karya itu dengan tirai malaikat yang mengalir di kanopi.[27]Dresden Frauenkirche berfungsi sebagai contoh menonjol dari seni Barok Lutheran, yang selesai pada tahun 1743 setelah ditugaskan oleh dewan kota Lutheran Dresden dan "dibandingkan oleh pengamat abad kedelapan belas dengan St Peter's di Roma".[3]

Kolom bengkok di bagian dalam gereja adalah salah satu fitur khas Barok. Ini memberikan rasa gerak dan juga cara baru yang dramatis untuk memantulkan cahaya.

Cartouche adalah fitur karakteristik lain dari dekorasi Barok. Ini adalah plakat besar yang diukir dari marmer atau batu, biasanya oval dan dengan permukaan bulat, yang membawa gambar atau teks dalam huruf berlapis emas, dan ditempatkan sebagai dekorasi interior atau di atas pintu bangunan, menyampaikan pesan kepada orang-orang di bawah. Mereka menunjukkan berbagai macam penemuan, dan ditemukan di semua jenis bangunan, dari katedral dan istana hingga kapel kecil.[28]

Arsitek barok terkadang menggunakan perspektif paksa untuk menciptakan ilusi. Untuk Palazzo Spada di Roma, Borromini menggunakan kolom dengan ukuran yang semakin berkurang, lantai yang menyempit dan patung miniatur di taman di luar untuk menciptakan ilusi bahwa lorong itu panjangnya tiga puluh meter, padahal sebenarnya hanya sepanjang tujuh meter. Sebuah patung di ujung lorong tampak seukuran aslinya, meskipun tingginya hanya enam puluh sentimeter. Borromini merancang ilusi dengan bantuan seorang matematikawan.

Barok Italia

Artikel utama: Arsitektur Barok Italia

Bangunan pertama di Roma yang memiliki fasad Barok adalah Gereja Gesù pada tahun 1584; itu polos oleh standar Barok kemudian, tetapi menandai istirahat dengan fasad Renaissance tradisional yang mendahuluinya. Bagian dalam gereja ini tetap sangat keras sampai Barok tinggi, ketika itu dihiasi dengan mewah.

Di Roma pada tahun 1605, Paul V menjadi yang pertama dari serangkaian paus yang menugaskan basilika dan bangunan gereja yang dirancang untuk menginspirasi emosi dan kekaguman melalui proliferasi bentuk, dan kekayaan warna dan efek dramatis.[33]Di antara monumen paling berpengaruh dari Barok Awal adalah fasad St. Basilika Petrus (1606-1619), dan nave dan loggia baru yang menghubungkan fasad ke kubah Michelangelo di gereja sebelumnya. Desain baru menciptakan kontras dramatis antara kubah yang menjulang tinggi dan fasad lebar yang tidak proporsional, dan kontras pada fasad itu sendiri antara kolom Doric dan massa besar serambi.[34]

Pada pertengahan hingga akhir abad ke-17 gaya mencapai puncaknya, kemudian disebut High Baroque. Banyak karya monumental ditugaskan oleh Paus Urbanus VIII dan Alexander VII. Pematung dan arsitek Gian Lorenzo Bernini merancang barisan tiang empat kali lipat baru di sekitar St. Lapangan Petrus (1656 hingga 1667). Tiga galeri kolom dalam elips raksasa menyeimbangkan kubah besar dan memberi Gereja dan alun-alun kesatuan dan perasaan teater raksasa.[35]

Inovator utama lainnya dari Barok Tinggi Italia adalah Francesco Borromini, yang karya utamanya adalah Gereja San Carlo alle Quattro Fontane atau Saint Charles dari Empat Air Mancur (1634-1646). Rasa gerakan diberikan bukan oleh dekorasi, tetapi oleh dinding itu sendiri, yang bergelombang dan oleh elemen cekung dan cembung, termasuk menara oval dan balkon yang dimasukkan ke dalam lintasan cekung. Interiornya sama-sama revolusioner; ruang utama gereja berbentuk oval, di bawah kubah oval.[35]

Langit-langit yang dicat, penuh dengan malaikat dan orang-orang kudus dan efek arsitektur trompe-l'œil, adalah fitur penting dari Barok Tinggi Italia. Karya-karya utama termasuk The Entry of Saint Ignatius into Paradise oleh Andrea Pozzo (1685-1695) di Gereja Saint Ignatius di Roma, dan The triumph of the name of Jesus oleh Giovanni Battista Gaulli di Church of the Gesù di Roma (1669–1683), yang menampilkan tokoh-tokoh yang tumpah keluar dari bingkai foto dan pencahayaan miring yang dramatis dan kontras terang-gelap.[36]

Gaya ini menyebar dengan cepat dari Roma ke wilayah lain di Italia: Itu muncul di Venesia di gereja Santa Maria della Salute (1631-1687) oleh Baldassare Longhena, bentuk segi delapan yang sangat asli yang dimahkotai dengan kubah besar. Itu juga muncul di Turin, terutama di Kapel Kain Kafan Suci (1668-1694) oleh Guarino Guarini. Gaya ini juga mulai digunakan di istana; Guarini merancang Palazzo Carignano di Turin, sementara Longhena merancang Ca' Rezzonico di Grand Canal, (1657), diselesaikan oleh Giorgio Massari dengan dihiasi dengan lukisan oleh Giovanni Battista Tiepolo.[37]Serangkaian gempa bumi besar di Sisilia membutuhkan pembangunan kembali sebagian besar dari mereka dan beberapa dibangun dengan gaya Barok atau Rococo akhir yang meriah.

Barok Spanyol

Artikel utama: Arsitektur Barok Spanyol

Gereja Katolik di Spanyol, dan khususnya Yesuit, adalah kekuatan pendorong arsitektur Barok Spanyol. Karya besar pertama dalam gaya ini adalah Kapel San Isidro di Madrid, dimulai pada tahun 1643 oleh Pedro de la Torre. Ini kontras dengan kekayaan ornamen ekstrim di eksterior dengan kesederhanaan di interior, dibagi menjadi beberapa ruang dan menggunakan efek cahaya untuk menciptakan rasa misteri.[41]Katedral di Santiago de Compostela dimodernisasi dengan serangkaian tambahan Barok yang dimulai pada akhir abad ke-17, dimulai dengan menara lonceng yang sangat berornamen (1680), kemudian diapit oleh dua menara yang lebih tinggi dan lebih berornamen, yang disebut Obradorio, ditambahkan antara 1738 dan 1750 oleh Fernando de Casas Novoa. Tengara lain dari Barok Spanyol adalah menara kapel Istana San Telmo di Seville oleh Leonardo de Figueroa.[42]

Granada baru ditaklukkan dari Moor pada abad ke-15, dan memiliki variasi Barok yang berbeda. Pelukis, pematung, dan arsitek Alonso Cano merancang interior Barok Katedral Granada antara tahun 1652 dan kematiannya pada tahun 1657. Ini menampilkan kontras dramatis dari kolom putih besar dan dekorasi emas.

Arsitektur Barok Spanyol yang paling hias dan didekorasi dengan mewah disebut gaya Churrigueresque, dinamai menurut saudara-saudara Churriguera, yang bekerja terutama di Salamanca dan Madrid. Karya-karya mereka termasuk bangunan di alun-alun utama kota, Plaza Mayor of Salamanca (1729).[42]Gaya Barok yang sangat hias ini berpengaruh di banyak gereja dan katedral yang dibangun oleh Spanyol di Amerika.

Arsitek barok Spanyol terkenal lainnya dari akhir Barok termasuk Pedro de Ribera, murid Churriguera, yang merancang Rumah Sakit Kerajaan San Fernando di Madrid, dan Narciso Tomé, yang merancang altarpiece El Transparente yang terkenal di Katedral Toledo (1729-1732) yang memberikan ilusi, dalam cahaya tertentu, mengambang ke atas.[42]

Arsitek Barok Spanyol memiliki efek jauh melampaui Spanyol; karya mereka sangat berpengaruh di gereja-gereja yang dibangun di koloni Spanyol di Amerika Latin dan Filipina. Gereja yang dibangun oleh Yesuit untuk sebuah perguruan tinggi di Tepotzotlán, dengan fasad dan menara Barok yang berornamen, adalah contoh yang baik.[43]

Eropa Tengah

Dari 1680 hingga 1750, banyak katedral, biara, dan gereja ziarah yang sangat berornamen dibangun di Eropa Tengah, di Bavaria, Austria, Bohemia, dan Polandia barat daya. Beberapa berada dalam gaya Rococo, gaya yang berbeda, lebih flamboyan dan asimetris yang muncul dari Barok, kemudian menggantikannya di Eropa Tengah pada paruh pertama abad ke-18, sampai digantikan secara bergantian oleh klasisisme.[50]

Para pangeran dari banyak negara di wilayah itu juga memilih Baroque atau Rococo untuk istana dan tempat tinggal mereka, dan sering menggunakan arsitek terlatih Italia untuk membangunnya.[51]Arsitek terkenal termasuk Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt dan Dominikus Zimmermann di Bavaria, Balthasar Neumann di Bruhl, dan Matthäus Daniel Pöppelmann di Dresden. Di Prusia, Frederick II dari Prusia terinspirasi oleh Grand Trianon dari Istana Versailles, dan menggunakannya sebagai model untuk kediaman musim panasnya, Sanssouci, di Potsdam, yang dirancang untuknya oleh Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Karya lain dari arsitektur istana Barok adalah Zwinger di Dresden, bekas orangerie dari istana Dukes of Saxony pada abad ke-18.

Salah satu contoh terbaik dari gereja rococo adalah Basilika Vierzehnheiligen, atau Basilika Empat Belas Pembantu Suci, sebuah gereja ziarah yang terletak di dekat kota Bad Staffelstein dekat Bamberg, di Bavaria, Jerman selatan. Basilika ini dirancang oleh Balthasar Neumann dan dibangun antara 1743 dan 1772, rencananya serangkaian lingkaran yang saling terkait di sekitar oval tengah dengan altar ditempatkan di tengah gereja. Bagian dalam gereja ini menggambarkan puncak dekorasi Rococo.[52]Contoh penting lainnya dari gaya ini adalah Gereja Ziarah Wies (Jerman: Wieskirche). Itu dirancang oleh saudara-saudara J. B. dan Dominikus Zimmermann. Itu terletak di kaki bukit Alpen, di kotamadya Steingaden di distrik Weilheim-Schongau, Bavaria, Jerman. Konstruksi berlangsung antara 1745 dan 1754, dan interiornya dihiasi dengan lukisan dinding dan dengan plesteran dalam tradisi Sekolah Wessobrunner. Sekarang menjadi Situs Warisan Dunia UNESCO.

Contoh penting lainnya adalah St. Gereja Nicholas (Malá Strana) di Praha (1704-1755), dibangun oleh Christoph Dientzenhofer dan putranya Kilian Ignaz Dientzenhofer. Dekorasi menutupi semua dinding interior gereja. Altar ditempatkan di bagian tengah di bawah kubah pusat, dan dikelilingi oleh kapel, cahaya turun dari kubah di atas dan dari kapel di sekitarnya. Altar seluruhnya dikelilingi oleh lengkungan, kolom, langkan melengkung dan pilaster dari batu berwarna, yang kaya dihiasi dengan patung, menciptakan kebingungan yang disengaja antara arsitektur asli dan dekorasi. Arsitekturnya diubah menjadi teater cahaya, warna, dan gerakan.[27]

Di Polandia, Barok Polandia yang terinspirasi dari Italia berlangsung dari awal abad ke-17 hingga pertengahan abad ke-18 dan menekankan kekayaan detail dan warna. Bangunan Barok pertama di Polandia saat ini dan mungkin salah satu yang paling dikenal adalah Gereja St. Peter dan Paul di Kraków, dirancang oleh Giovanni Battista Trevano. Kolom Sigismund di Warsawa, didirikan pada tahun 1644, adalah monumen Barok sekuler pertama di dunia yang dibangun dalam bentuk kolom.[53]Gaya tempat tinggal megah dicontohkan oleh Istana Wilanów, yang dibangun antara tahun 1677 dan 1696.[54]Arsitek Barok paling terkenal yang aktif di Polandia adalah orang Belanda Tylman van Gameren dan karya-karyanya yang terkenal termasuk Warsaw's St. Gereja Kazimierz dan Istana Krasiński, St. Anne di Kraków dan Istana Branicki di Bialystok.[55]Namun, karya Barok Polandia yang paling terkenal adalah Gereja Fara di Poznań, dengan detail oleh Pompeo Ferrari. Setelah Perang Tiga Puluh Tahun di bawah perjanjian Perdamaian Westphalia, dua struktur pial barok dan memulaskan yang unik dibangun: Gereja Perdamaian di Jawor, Gereja Perdamaian Tritunggal Mahakudus di Świdnica, kuil Barok kayu terbesar di Eropa.

Barok Prancis

Barok di Prancis berkembang sangat berbeda dari versi lokal Barok yang berornamen dan dramatis dari Italia, Spanyol, dan seluruh Eropa. Itu tampak parah, lebih terpisah dan terkendali dengan perbandingan, mendahului Neoklasikisme dan arsitektur Pencerahan. Tidak seperti bangunan Italia, bangunan Barok Prancis tidak memiliki pedimen yang rusak atau fasad lengkung. Bahkan bangunan religius menghindari drama spasial intens yang ditemukan dalam karya Borromini. Gaya ini terkait erat dengan karya-karya yang dibangun untuk Louis XIV (memerintah 1633-1715), dan karena ini, ia juga dikenal sebagai gaya Louis XIV. Louis XIV mengundang master Baroque, Bernini, untuk menyerahkan desain untuk sayap baru Louvre, tetapi menolaknya demi desain yang lebih klasik oleh Claude Perrault dan Louis Le Vau.[67][68]

Arsitek utama gaya tersebut termasuk François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (Gereja Val-de-Grace, 1645–1665) dan Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart adalah arsitek pertama yang memperkenalkan gaya Barok, terutama penggunaan tatanan terapan dan rusticasi berat, ke dalam kosakata arsitektur Prancis. Atap mansard tidak ditemukan oleh Mansart, tetapi telah dikaitkan dengannya, karena dia sering menggunakannya.[69]

Proyek kerajaan utama pada periode itu adalah perluasan Istana Versailles, dimulai pada tahun 1661 oleh Le Vau dengan dekorasi oleh pelukis Charles Le Brun. Taman dirancang oleh André Le Nôtre secara khusus untuk melengkapi dan memperkuat arsitektur. Galerie des Glaces (Hall of Mirrors), pusat château, dengan lukisan karya Le Brun, dibangun antara 1678 dan 1686. Mansart menyelesaikan Grand Trianon pada tahun 1687. Kapel, yang dirancang oleh de Cotte, selesai pada tahun 1710. Setelah kematian Louis XIV, Louis XV menambahkan Petit Trianon yang lebih intim dan teater yang sangat berornamen. Air mancur di taman dirancang untuk dilihat dari interior, dan untuk menambah efek dramatis. Istana itu dikagumi dan disalin oleh raja-raja Eropa lainnya, khususnya Peter the Great dari Rusia, yang mengunjungi Versailles pada awal masa pemerintahan Louis XV, dan membangun versinya sendiri di Istana Peterhof dekat Saint Petersburg, antara 1705 dan 1725.[70]

Barok Portugis

Arsitektur barok di Portugal berlangsung sekitar dua abad (akhir abad ketujuh belas dan abad kedelapan belas). Pemerintahan John V dan Joseph I telah meningkatkan impor emas dan berlian, dalam periode yang disebut Royal Absolutism, yang memungkinkan Barok Portugis berkembang.

Arsitektur barok di Portugal menikmati situasi khusus dan garis waktu yang berbeda dari seluruh Eropa.

Itu dikondisikan oleh beberapa faktor politik, artistik, dan ekonomi, yang berasal dari beberapa fase, dan berbagai jenis pengaruh luar, menghasilkan perpaduan yang unik,[75]sering disalahpahami oleh mereka yang mencari seni Italia, sebaliknya menemukan bentuk dan karakter tertentu yang memberikan variasi unik Portugis. Faktor kunci lainnya adalah keberadaan arsitektur Jesuit, juga disebut "gaya polos" (Estilo Chão atau Estilo Plano)[76]yang seperti namanya membangkitkan, lebih sederhana dan tampak agak keras.

Bangunannya adalah basilika single-room, kapel utama yang dalam, kapel lateral (dengan pintu kecil untuk komunikasi), tanpa dekorasi interior dan eksterior, portal dan jendela sederhana. Ini adalah bangunan praktis, memungkinkannya untuk dibangun di seluruh kekaisaran dengan penyesuaian kecil, dan disiapkan untuk didekorasi nanti atau ketika sumber daya ekonomi tersedia.

Faktanya, Barok Portugis pertama tidak kekurangan dalam membangun karena "gaya polos" mudah diubah, dengan cara dekorasi (lukisan, ubin, dll.), mengubah area kosong menjadi skenario barok yang sombong dan rumit. Hal yang sama bisa diterapkan pada eksterior. Selanjutnya, mudah untuk menyesuaikan bangunan dengan selera waktu dan tempat, dan menambahkan fitur dan detail baru. Praktis dan ekonomis.

Dengan lebih banyak penduduk dan sumber daya ekonomi yang lebih baik, utara, khususnya daerah Porto dan Braga,[77][78][79]menyaksikan pembaruan arsitektur, terlihat dalam daftar besar gereja, biara, dan istana yang dibangun oleh aristokrasi.

Porto adalah kota Barok di Portugal. Pusat sejarahnya adalah bagian dari Daftar Warisan Dunia UNESCO.[80]

Banyak karya Barok di area bersejarah kota dan sekitarnya, milik Nicolau Nasoni seorang arsitek Italia yang tinggal di Portugal, menggambar bangunan asli dengan emplasemen skenografi seperti gereja dan menara Clérigos,[81]logia Katedral Porto, gereja Misericórdia, Istana São João Novo,[82]Istana Freixo,[83]Istana Episkopal (Portugis: Paço Episcopal do Porto)[84]bersama dengan banyak lainnya.

Barok Rusia

Debut Baroque Rusia, atau Petrine Baroque, mengikuti kunjungan panjang Peter the Great ke Eropa barat pada tahun 1697–1698, di mana ia mengunjungi Chateaux of Fontainebleau dan Versailles serta monumen arsitektur lainnya. Dia memutuskan, sekembalinya ke Rusia, untuk membangun monumen serupa di St. Petersburg, yang menjadi ibu kota baru Rusia pada tahun 1712. Monumen utama awal di Petrine Baroque termasuk Katedral Peter dan Paul dan Istana Menshikov.

Selama masa pemerintahan Permaisuri Anna dan Elizaveta Petrovna, arsitektur Rusia didominasi oleh gaya Barok mewah Bartolomeo Rastrelli kelahiran Italia, yang berkembang menjadi Barok Elizabethan. Bangunan khas Rastrelli termasuk Istana Musim Dingin, Istana Catherine, dan Katedral Smolny. Monumen khas lainnya dari Elizabethan Baroque adalah menara lonceng Troitse-Sergiy Lavevara dan Gerbang Merah.[88]

Di Moskow, Naryshkin Baroque menjadi tersebar luas, terutama dalam arsitektur gereja-gereja Ortodoks Timur pada akhir abad ke-17. Itu adalah kombinasi dari Barok Eropa barat dengan gaya rakyat tradisional Rusia.

Barok di Amerika Kolonial Spanyol dan Portugis

Façade Gereja Jesuit Arequipa, Peru, oleh Diego de Adrián dan lainnya, 1595–1698[94]
Lukisan dinding kolonial yang diawetkan tahun 1802 menggambarkan Neraka,[95][96][97]oleh Tadeo Escalante, di dalam Gereja San Juan Bautista diHuaro, Peru

Karena penjajahan Amerika oleh negara-negara Eropa, Barok secara alami pindah ke Dunia Baru, menemukan tanah yang sangat menguntungkan di wilayah yang didominasi oleh Spanyol dan Portugal, kedua negara menjadi monarki Katolik yang terpusat dan tidak dapat direduksi, dengan perluasan tunduk pada Roma dan penganut Barok Kontra-reformis yang paling khas. Seniman Eropa bermigrasi ke Amerika dan bersekolah, dan seiring dengan penetrasi misionaris Katolik yang meluas, banyak di antaranya adalah seniman yang terampil, menciptakan Barok multiform yang sering dipengaruhi oleh selera populer. TheCriollo dan perajin pribumi berbuat banyak untuk memberikan fitur unik Baroque ini. Pusat utama budidaya Barok Amerika, yang masih berdiri, adalah (dalam urutan ini) Meksiko, Peru, Brasil, Ekuador, Kuba, Kolombia, Bolivia, Guatemala, Nikaragua, Panama, dan Puerto Riko.

Catatan khusus adalah apa yang disebut "Barok Misi", dikembangkan dalam kerangka pengurangan Spanyol di daerah yang membentang dari Meksiko dan bagian barat daya Amerika Serikat saat ini hingga sejauh selatan Argentina dan Chili, pemukiman pribumi yang diselenggarakan oleh misionaris Katolik Spanyol untuk mengubah mereka menjadi iman Kristen dan mengakulturasi mereka dalam kehidupan Barat, membentuk Barok hibrida yang dipengaruhi oleh budaya Pribumi, di mana Criollos berkembang dan banyak pengrajin dan musisi pribumi, bahkan melek huruf, beberapa kemampuan dan bakat hebat mereka sendiri. Kisah para misionaris sering mengulangi bahwa seni Barat, terutama musik, memiliki dampak hipnotis pada rimb, dan gambar orang-orang kudus dipandang memiliki kekuatan besar. Banyak penduduk asli bertobat, dan bentuk pengabdian baru diciptakan, dengan intensitas yang penuh gairah, sarat dengan mistisisme, takhayul, dan sandiwara, yang senang dengan massa meriah, konser suci, dan misteri.[98][99]

Arsitektur Barok Kolonial di Amerika Spanyol dicirikan oleh dekorasi yang berlimpah (portal Gereja La Profesa, Mexico City; fasad ditutupi dengan azulejos gaya Puebla, seperti di Gereja San Francisco Acatepec di San Andrés Cholula dan Gereja Biara San Francisco Puebla), yang akan diperburuk dalam apa yang disebut gaya Churrigueresque (Fasad Tabernakel Katedral Kota Meksiko, oleh Lorenzo Rodríguez; Gereja San Francisco Javier, Tepotzotlán; Gereja Santa Prisca dari Taxco). Di Peru, konstruksi sebagian besar dikembangkan di kota Lima, Cusco, Arequipa dan Trujillo, sejak 1650 menunjukkan karakteristik asli yang maju bahkan ke Barok Eropa, seperti dalam penggunaan dinding empuk dan kolom solomon (Gereja la Compañía de Jesús, Cusco; Basilika dan Biara San Francisco, Lima).[100]Negara-negara lain termasuk: Katedral Metropolitan Sucre di Bolivia; Basilika Katedral Esquipulas di Guatemala; Katedral Tegucigalpa di Honduras; Katedral León di Nikaragua; Gereja la Compañía de Jesús di Quito, Ekuador; Gereja San Ignacio di Bogotá, Kolombia; Katedral Caracas di Venezuela; Cabildo Buenos Aires di Argentina; Gereja Santo Domingo di Santiago, Chili; dan Katedral Havana di Kuba. Perlu juga diingat kualitas gereja-gereja Misi Yesuit Spanyol di Bolivia, misi Yesuit Spanyol di Paraguay, misi Spanyol di Meksiko dan misi Fransiskan Spanyol di California.[101]

Di Brasil, seperti di kota metropolitan, Portugal, arsitekturnya memiliki pengaruh Italia tertentu, biasanya dari tipe Borrominesque, seperti yang dapat dilihat di Co-Cathedral of Recife (1784) dan Gereja Nossa Senhora da Glória do Outeiro di Rio de Janeiro (1739). Di wilayah Minas Gerais, menyoroti karya Aleijadinho, penulis sekelompok gereja yang menonjol karena planimetri melengkungnya, fasad dengan efek dinamis cekung-cembung dan perawatan plastik dari semua elemen arsitektur (Gereja São Francisco de Assis di Ouro Preto, 1765–1788).

Barok di Asia Kolonial Spanyol dan Portugis

Lihat juga: Gempa Bumi Barok

Di koloni Portugis di India (Goa, Daman dan Diu) gaya arsitektur bentuk Barok dicampur dengan elemen Hindu berkembang, seperti Katedral Goa dan Basilika Bom Jesus dari Goa, yang menampung makam St. Francis Xavier. Kumpulan gereja dan biara Goa dinyatakan sebagai Situs Warisan Dunia pada tahun 1986.

Di Filipina, yang merupakan koloni Spanyol selama lebih dari tiga abad, sejumlah besar konstruksi Barok dilestarikan. Empat di antaranya serta kota Baroque dan Neoklasik Vigan keduanya adalah Situs Warisan Dunia UNESCO; dan meskipun mereka tidak memiliki klasifikasi formal, Kota Berdinding Manila bersama dengan kota Tayabas keduanya mengandung tingkat arsitektur era Barok yang signifikan.

Gema di Wallachia dan Moldavia

Artikel utama: Gaya Brâncovenesc

Seperti yang kita lihat, Baroque adalah gaya Barat, lahir di Italia. Melalui hubungan komersial dan budaya Italia dengan negara-negara di Semenanjung Balkan, termasuk Moldavia dan Wallachia, pengaruh Barok tiba di Eropa Timur. Pengaruh ini tidak terlalu kuat, karena biasanya terjadi dalam arsitektur dan ornamen pahatan batu, dan juga dicampur secara intens dengan detail yang diambil dari seni Bizantium dan Islam.

Sebelum dan sesudah jatuhnya Kekaisaran Bizantium, semua seni Wallachia dan Moldavia terutama dipengaruhi oleh seni Konstantinopel. Sampai akhir abad ke-16, dengan sedikit modifikasi, rencana gereja dan biara, mural, dan ornamen yang diukir di batu tetap sama seperti sebelumnya. Dari periode yang dimulai dengan pemerintahan Matei Basarab (1632-1654) dan Vasile Lupu (1634-1653), yang bertepatan dengan mempopulerkan Barok Italia, ornamen baru ditambahkan, dan gaya furnitur religius berubah. Ini sama sekali tidak acak. Elemen dan prinsip dekoratif dibawa dari Italia, melalui Venesia, atau melalui wilayah Dalmatian, dan mereka diadopsi oleh arsitek dan pengrajin dari timur. Kusen jendela dan pintu, pisanie dengan dedikasi, batu nisan, kolom dan pagar, dan bagian dari furnitur perunggu, perak atau kayu, menerima peran yang lebih penting daripada yang mereka miliki sebelumnya. Mereka juga ada sebelumnya, terinspirasi oleh tradisi Bizantium, tetapi mereka memiliki tampilan yang lebih realis, menunjukkan motif bunga yang halus.Kelegaan yang ada sebelumnya juga, menjadi lebih menonjol, memiliki volume dan konsistensi sekarang. Sebelum periode ini, relief dari Wallachia dan Moldavia, seperti yang dari Timur, hanya memiliki dua tingkat, pada jarak yang kecil satu dari yang lain, satu di permukaan dan yang lainnya secara mendalam. Bunga besar, mungkin mawar, peony atau thistles, daun tebal, acanthus atau tanaman serupa lainnya, memutar pada kolom, atau mengelilingi pintu dan jendela. Tempat di mana Barok memiliki pengaruh yang kuat adalah kolom dan pagar. Ibu kota lebih dihiasi dari sebelumnya dengan dedaunan. Kolom sering memiliki poros yang memutar, interpretasi ulang lokal dari kolom Solomonic. Pagar maksimal ditempatkan di antara kolom-kolom ini, dihiasi dengan rinceaux. Beberapa yang dari Istana Mogoșoaia juga dihiasi dengan lumba-lumba. Cartouches juga kadang-kadang digunakan, sebagian besar pada batu nisan, seperti pada salah satu Konstantin Brâncoveanu. Gerakan ini, dikenal sebagai gaya Brâncovenesc, setelah Constantin Brâncoveanu, penguasa Wallachia yang pemerintahannya (1654-1714) sangat terkait dengan arsitektur dan desain semacam ini. Gaya ini juga hadir selama abad ke-18, dan di bagian abad ke-19. Banyak gereja dan tempat tinggal yang didirikan oleh boyard dan voivodes pada periode ini adalah Brâncovenesc. Meskipun pengaruh Baroque dapat dilihat dengan jelas, gaya Brâncovenesc mengambil lebih banyak inspirasi dari tradisi lokal.

Saat abad ke-18 berlalu, dengan Phanariot (anggota keluarga Yunani terkemuka di Phanar, Istanbul) memerintah di Wallachia dan Moldavia, pengaruh Barok juga datang dari Istanbul. Mereka juga datang sebelumnya, selama abad ke-17, tetapi dengan Phanariots, lebih banyak motif Barok Barat yang tiba di Kekaisaran Ottoman memiliki tujuan akhir mereka di Rumania saat ini. Di Moldavia, elemen Barok juga berasal dari Rusia, di mana pengaruh seni Italia sangat kuat.[108]

Lukisan

Artikel utama: Lukisan barok

Pelukis barok bekerja dengan sengaja untuk membedakan diri mereka dari pelukis Renaisans dan periode Mannerisme setelahnya. Dalam palet mereka, mereka menggunakan warna yang intens dan hangat, dan secara khusus menggunakan warna primer merah, biru dan kuning, sering menempatkan ketiganya dalam jarak dekat.[118]Mereka menghindari pencahayaan yang merata dari lukisan Renaissance dan menggunakan kontras yang kuat antara cahaya dan kegelapan pada bagian-bagian tertentu dari gambar untuk mengarahkan perhatian pada tindakan atau tokoh sentral. Dalam komposisi mereka, mereka menghindari adegan tenang dari lukisan Renaissance, dan memilih momen dari gerakan dan drama terbesar. Berbeda dengan wajah-wajah tenang lukisan Renaisans, wajah-wajah dalam lukisan-lukisan Barok dengan jelas mengekspresikan emosi mereka. Mereka sering menggunakan asimetri, dengan aksi yang terjadi jauh dari pusat gambar, dan menciptakan sumbu yang tidak vertikal atau horizontal, tetapi miring ke kiri atau kanan, memberikan rasa ketidakstabilan dan gerakan. Mereka meningkatkan kesan gerakan ini dengan membuat kostum tokoh-tokoh tertiup angin, atau digerakkan oleh gerakan mereka sendiri. Kesan keseluruhannya adalah gerakan, emosi dan drama.[119]Elemen penting lain dari lukisan barok adalah alegori; setiap lukisan menceritakan sebuah cerita dan memiliki pesan, sering dienkripsi dalam simbol dan karakter alegoris, yang diharapkan untuk diketahui dan dibaca oleh pemirsa yang berpendidikan.[120]

Bukti awal ide-ide Barok Italia dalam lukisan terjadi di Bologna, di mana Annibale Carracci, Agostino Carracci dan Ludovico Carracci berusaha mengembalikan seni visual ke Klasisisme Renaisans yang teratur. Seni mereka, bagaimanapun, juga memasukkan ide-ide yang menjadi pusat Counter-Reformasi; ini termasuk emosi yang intens dan citra agama yang lebih menarik hati daripada kecerdasan.[121]

Pelukis berpengaruh lain dari era Baroque adalah Michelangelo Merisi da Caravaggio. Pendekatan realistisnya terhadap sosok manusia, dilukis langsung dari kehidupan dan secara dramatis mencolok dengan latar belakang gelap, mengejutkan orang-orang sezamannya dan membuka babak baru dalam sejarah lukisan. Pelukis besar lainnya yang terkait erat dengan gaya Barok termasuk Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo, dan Paolo de Matteis di Italia; Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo dan Diego Velázquez di Spanyol; Adam Elsheimer di Jerman; dan Nicolas Poussin dan Georges de La Tour di Prancis (meskipun Poussin menghabiskan sebagian besar kehidupan kerjanya di Italia). Poussin dan La Tour mengadopsi gaya Barok "klasik" dengan lebih sedikit fokus pada emosi dan perhatian yang lebih besar pada garis tokoh dalam lukisan daripada warna.

Peter Paul Rubens adalah pelukis paling penting dari gaya Baroque Flemish. Komposisi Rubens yang sangat bermuatan referensi aspek terpelajar dari sejarah klasik dan Kristen. Gaya Baroknya yang unik dan sangat populer menekankan gerakan, warna, dan sensualitas, yang mengikuti gaya artistik langsung dan dramatis yang dipromosikan dalam Kontra-Reformasi. Rubens mengkhususkan diri dalam membuat altarpieces, potret, lanskap, dan lukisan sejarah subjek mitologis dan alegoris.

Salah satu domain penting dari lukisan Barok adalah Quadratura, atau lukisan di trompe-l'œil, yang secara harfiah "menipu mata". Ini biasanya dilukis di plesteran langit-langit atau dinding atas dan langkan, dan memberi kesan kepada mereka yang melihat ke atas adalah bahwa mereka melihat langit dipenuhi dengan kerumunan malaikat, orang suci dan tokoh surgawi lainnya, diatur melawan langit yang dicat dan arsitektur imajiner.[50]

Di Italia, seniman sering berkolaborasi dengan arsitek dalam dekorasi interior; Pietro da Cortona adalah salah satu pelukis abad ke-17 yang menggunakan cara melukis ilusionis ini. Di antara komisi terpentingnya adalah lukisan dinding yang dia lukis untuk Istana keluarga Barberini (1633-39), untuk memuliakan masa pemerintahan Paus Urbanus VIII. Komposisi Pietro da Cortona adalah lukisan dinding dekoratif terbesar yang dieksekusi di Roma sejak karya Michelangelo di Kapel Sistina.[122]

François Boucher adalah tokoh penting dalam gaya Rococo Prancis yang lebih halus, yang muncul selama periode Barok akhir. Dia merancang permadani, karpet dan dekorasi teater serta lukisan. Karyanya sangat populer dengan Madame Pompadour, Nyonya Raja Louis XV. Lukisan-lukisannya menampilkan tema mitologis romantis, dan agak erotis.[123]

Amerika Hispanik

Contoh lukisan Bolivia (bagian dari Sekolah Cusco): Malaikat Arquebusier; oleh Master of Calamarca; abad ke-17

Di Amerika Hispanik, pengaruh pertama berasal dari Sevillan Tenebrism, terutama dari Zurbarán —beberapa karyanya masih dilestarikan di Meksiko dan Peru—seperti yang dapat dilihat pada karya orang Meksiko José Juárez dan Sebastián López de Arteaga, dan Bolivia Melchor Pérez de Holguín. Sekolah lukisan Cusco muncul setelah kedatangan pelukis Italia Bernardo Bitti pada tahun 1583, yang memperkenalkan Mannerisme di Amerika. Ini menyoroti karya Luis de Riaño, murid Angelino Medoro Italia, penulis mural Gereja San Pedro dari Andahuaylillas. Itu juga menyoroti pelukis India (Quechua) Diego Quispe Tito dan Basilio Santa Cruz Pumacallao, serta Marcos Zapata, penulis lima puluh kanvas besar yang menutupi lengkungan tinggi Katedral Cusco. Di Ekuador, Sekolah Quito dibentuk, terutama diwakili oleh mestizo Miguel de Santiago dan criollo Nicolás Javier de Goríbar.

Pada abad ke-18 altar pahatan mulai digantikan oleh lukisan, berkembang terutama lukisan Barok di Amerika. Demikian pula, permintaan untuk pekerjaan sipil, terutama potret kelas aristokrat dan hierarki gerejawi, tumbuh. Pengaruh utamanya adalah Murillesque, dan dalam beberapa kasus – seperti dalam criollo Cristóbal de Villalpando – pengaruh Valdés Leal. Lukisan era ini memiliki nada yang lebih sentimental, dengan bentuk yang manis dan lembut. Ini menyoroti Gregorio Vásquez de Arce di Kolombia, dan Juan Rodríguez Juárez dan Miguel Cabrera di Meksiko.

Patung

Artikel utama: Patung barok

Tokoh dominan dalam patung barok adalah Gian Lorenzo Bernini. Di bawah perlindungan Paus Urbanus VIII, dia membuat serangkaian patung monumental yang luar biasa dari orang-orang kudus dan tokoh-tokoh yang wajah dan gerak tubuhnya mengekspresikan emosi mereka dengan jelas, serta potret patung realisme yang luar biasa, dan karya-karya yang sangat dekoratif untuk Vatikan seperti Kursi St. yang mengesankan. Peter di bawah kubah di St. Basilika Petrus. Selain itu, ia merancang air mancur dengan kelompok patung monumental untuk menghias alun-alun utama Roma.[126]

Patung barok terinspirasi oleh patung Romawi kuno, terutama oleh patung Laocoön abad pertama Masehi yang terkenal, yang digali pada tahun 1506 dan dipajang di galeri Vatikan. Ketika dia mengunjungi Paris pada tahun 1665, Bernini berbicara kepada para siswa di akademi lukisan dan patung. Dia menyarankan para siswa untuk bekerja dari model klasik, bukan dari alam. Dia memberi tahu para siswa, "Ketika saya memiliki masalah dengan patung pertama saya, saya berkonsultasi dengan Antinous seperti oracle."[127]Patung Antinous itu sekarang dikenal sebagai Hermes dari Museo Pio-Clementino.

Pematung barok Prancis yang terkenal termasuk Étienne Maurice Falconet dan Jean Baptiste Pigalle. Pigalle ditugaskan oleh Frederick the Great untuk membuat patung untuk Versailles versi Frederick sendiri di Sanssouci di Potsdam, Jerman. Falconet juga menerima komisi asing yang penting, menciptakan patung Peter the Great yang terkenal dengan menunggang kuda yang ditemukan di St. Petersburg.

Di Spanyol, pematung Francisco Salzillo bekerja secara eksklusif pada tema agama, menggunakan kayu polikrom. Beberapa kerajinan pahatan barok terbaik ditemukan di altar plesteran berlapis emas gereja-gereja koloni Spanyol di Dunia Baru, dibuat oleh pengrajin lokal; contohnya termasuk Kapel Rosario Gereja Santo Domingo di Oaxaca (Meksiko), 1724-1731.

Furnitur

Artikel utama: Furnitur Louis XIV
  • Tempat tidur bertiang empat dari Château d'Effiat; c.1650; kenari alami, beludru sutra Genoa yang dipahat dan sutra bersulam; 295 cm; Louvre[128]

    Tempat tidur empat tiang dari Château d'Effiat;c.1650; kenari alami, beludru sutra Genoa yang dipahat dan sutra bersulam; 295 cm;Louvre[128]

    •  
  • Baroque caryatids dari sebuah kabinet; c.1675; ebony, kingwood, marquetry dari batu keras, perunggu emas, timah, kaca, cermin berwarna dan tanduk; dimensi yang tidak diketahui; Museum Seni Dekoratif, Strasbourg, Prancis[129]

    Caryatids Baroque dari sebuah kabinet; c.1675; kayu hitam, kingwood, marquetry dari batu keras, perunggu emas, timah, kaca, cermin berwarna dan tanduk; dimensi yang tidak diketahui; Museum Seni Dekoratif, Strasbourg, Prancis[129]

    •  
  • Meja dermaga; 1685–1690; diukir, gessoed, dan kayu berlapis emas, dengan bagian atas marmer; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Institut Seni Chicago, AS[130]

    Meja dermaga; 1685–1690; diukir, gessoed, dan kayu berlapis emas, dengan bagian atas marmer; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Institut Seni Chicago, AS[130]

    •  
  • Lemari; oleh André Charles Boulle; c.1700; veneer kayu hitam dan bayam, kayu polikrom, kuningan, timah, cangkang, dan marquetry tanduk pada bingkai kayu ek, perunggu gilt; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[131]

    Lemari; oleh André Charles Boulle;c.1700; kayu hitam dan veneer bayam, kayu polikrom, kuningan, timah, cangkang, dan marquetry tanduk pada bingkai kayu ek, perunggu emas; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[131]

    •  
  • Commode; oleh André Charles Boulle; c.1710–1732; veneer kenari dengan kayu hitam dan marquetry dari kuningan berukir dan kulit kura-kura, dudukan perunggu emas, bagian atas marmer antik; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)[132]

    Commode; oleh André Charles Boulle;c.1710–1732; veneer kenari dengan kayu hitam dan marquetry dari kuningan terukir dan kulit kura-kura, dudukan perunggu gilt, bagian atas marmer antik; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)[132]

  • Meja depan miring Jerman; oleh Heinrich Ludwig Rohde atau Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry dengan maple, bayam, mahoni, dan kenari pada pohon cemara dan ek; 90 × 84 × 44,5 cm; Institut Seni Chicago[133]

    Meja depan miring Jerman; oleh Heinrich Ludwig Rohde atau Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry dengan maple, bayam, mahoni, dan kenari pada pohon cemara dan ek; 90 × 84 × 44,5 cm; Institut Seni Chicago[133]

Motif utama yang digunakan adalah: tanduk berlimpah, hiasan, bayi malaikat, kepala singa memegang cincin logam di mulut mereka, wajah wanita dikelilingi oleh karangan bunga, cartouches oval, daun acanthus, kolom klasik, caryatids, pedimen, dan elemen lain dari arsitektur Klasik yang dipahat pada beberapa bagian furnitur,[134]keranjang dengan buah-buahan atau bunga-bunga, kerang, baju besi dan piala, kepala Apollo atau Bacchus, dan volute berbentuk C.[135]

Selama periode pertama pemerintahan Louis XIV, furnitur mengikuti gaya Louis XIII sebelumnya, dan sangat besar, dan didekorasi dengan patung dan penyepuhan. Setelah 1680, sebagian besar berkat desainer furnitur André Charles Boulle, gaya yang lebih orisinal dan halus muncul, kadang-kadang dikenal sebagai karya Boulle. Itu didasarkan pada tatahan kayu hitam dan kayu langka lainnya, teknik yang pertama kali digunakan di Florence pada abad ke-15, yang disempurnakan dan dikembangkan oleh Boulle dan lainnya yang bekerja untuk Louis XIV. Furnitur bertatahkan plakat kayu hitam, tembaga, dan kayu eksotis dengan warna berbeda.[136]

Jenis furnitur baru dan sering bertahan lama muncul; toilet, dengan dua hingga empat laci, menggantikan coffre lama, atau peti. Canape, atau sofa, muncul, dalam bentuk kombinasi dua atau tiga kursi. Jenis kursi berlengan baru muncul, termasuk fauteuil en confessionale atau "Kursi berlengan pengakuan", yang memiliki bantalan empuk di kedua sisi belakang kursi. Meja konsol juga membuat penampilan pertamanya; itu dirancang untuk ditempatkan di dinding. Jenis furnitur baru lainnya adalah table à gibier, meja dengan marmer untuk menampung piring. Varietas awal meja muncul; meja Mazarin memiliki bagian tengah yang diatur kembali, ditempatkan di antara dua kolom laci, dengan empat kaki di setiap kolom.[136]

Musik

Artikel utama: Musik barok
Antonio Vivaldi, (1678–1741)

Istilah Baroque juga digunakan untuk menunjuk gaya musik yang disusun selama periode yang tumpang tindih dengan seni Barok. Penggunaan pertama dari istilah 'barok' untuk musik adalah kritik. Dalam ulasan anonim dan satir tentang pemutaran perdana pada Oktober 1733 dari Hippolyte et Aricie karya Rameau, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menyiratkan bahwa kebaruan opera ini adalah "du barocque," mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, dipenuhi dengan disonansi yang tak henti-hentinya, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat dengan penuh dendam melalui setiap perangkat komposisi.[137] Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer terkenal serta filsuf, membuat pengamatan yang sangat mirip pada tahun 1768 dalam Encyclopédie yang terkenal dari Denis Diderot: "Musik barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[17]

Penggunaan umum istilah untuk musik pada periode tersebut baru dimulai pada tahun 1919, oleh Curt Sachs,[138]dan baru pada tahun 1940 pertama kali digunakan dalam bahasa Inggris dalam sebuah artikel yang diterbitkan oleh Manfred Bukofzer.[137]

Barok adalah periode eksperimen dan inovasi musik yang menjelaskan jumlah ornamen dan improvisasi yang dilakukan oleh para musisi. Bentuk baru ditemukan, termasuk konser dan sinfonia. Opera lahir di Italia pada akhir abad ke-16 (dengan Dafne Jacopo Peri yang sebagian besar hilang, diproduksi di Florence pada tahun 1598) dan segera menyebar ke seluruh Eropa: Louis XIV menciptakan Akademi Musik Kerajaan pertama, Pada tahun 1669, penyair Pierre Perrin membuka akademi opera di Paris, teater opera pertama di Prancis yang terbuka untuk umum, dan menayangkan perdana Pomone, opera besar pertama dalam bahasa Prancis, dengan musik oleh Robert Cambert, dengan lima babak, mesin panggung yang rumit, dan balet.[139] Heinrich Schütz di Jerman, Jean-Baptiste Lully di Prancis, dan Henry Purcell di Inggris semuanya membantu membangun tradisi nasional mereka di abad ke-17.

Beberapa instrumen baru, termasuk piano, diperkenalkan selama periode ini. Penemuan piano dikreditkan ke Bartolomeo Cristofori (1655-1731) dari Padua, Italia, yang dipekerjakan oleh Ferdinando de' Medici, Pangeran Agung Tuscany, sebagai Penjaga Instrumen.[140][141]Cristofori menamai instrumen itu un cimbalo di cipresso di piano e forte ("keyboard cemara dengan lembut dan keras"), disingkat dari waktu ke waktu sebagai pianoforte, fortepiano, dan kemudian, secara sederhana, piano.[142]

Komposer dan contoh

Menari

Artikel utama: Tarian barok

Balet klasik juga berasal dari era Barok. Gaya tarian istana dibawa ke Prancis oleh Marie de Medici, dan pada awalnya anggota istana itu sendiri adalah para penarinya. Louis XIV sendiri tampil di depan umum di beberapa balet. Pada bulan Maret 1662, Académie Royale de Danse, didirikan oleh Raja. Itu adalah sekolah dansa dan perusahaan profesional pertama, dan menetapkan standar dan kosakata untuk balet di seluruh Eropa selama periode tersebut.[139]

Teori sastra

Heinrich Wölfflin adalah orang pertama yang mentransfer istilah Baroque ke sastra.[143]Konsep kunci teori sastra Barok, seperti "solusif" (concetto), "wit" (acutezza, ingegno), dan "keajaiban" (meraviglia), tidak sepenuhnya dikembangkan dalam teori sastra sampai publikasi Il Cannocchiale aristotelico (The Aristotelian Telescope) karya Emanuele Tesauro pada tahun 1654. Risalah mani ini - terinspirasi oleh epik Giambattista Marino Adone dan karya filsuf Yesuit Spanyol Baltasar Gracián - mengembangkan teori metafora sebagai bahasa gambar universal dan sebagai tindakan intelektual tertinggi, sekaligus sebuah kecerdasan dan mode akses istimewa epistemologis ke kebenaran.[144]

Teater

Desain set untuk Andromedé oleh Pierre Corneille, (1650)
Desain untuk set teater yang dibuat oleh Giacomo Torelli untuk balet Les Noces de Thétis, dari Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

Periode Barok adalah zaman keemasan untuk teater di Prancis dan Spanyol; penulis drama termasuk Corneille, Racine dan Molière di Prancis; dan Lope de Vega dan Pedro Calderón de la Barca di Spanyol.

Selama periode Baroque, seni dan gaya teater berkembang pesat, di samping perkembangan opera dan balet. Desain teater yang lebih baru dan lebih besar, penemuan penggunaan mesin yang lebih rumit, penggunaan lengkungan proscenium yang lebih luas, yang membingkai panggung dan menyembunyikan mesin dari penonton, mendorong efek dan tontonan yang lebih indah.[145]

Barok memiliki karakter Katolik dan konservatif di Spanyol, mengikuti model sastra Italia selama Renaisans.[146]Teater Hispanik Barok bertujuan untuk konten publik dengan realitas ideal yang memanifestasikan tiga sentimen mendasar: agama Katolik, monarkis dan kebanggaan serta kehormatan nasional yang berasal dari dunia ksatria ksatria.[147]

Dua periode diketahui di teater Spanyol Barok, dengan pembagian terjadi pada tahun 1630. Periode pertama diwakili terutama oleh Lope de Vega, tetapi juga oleh Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente atau Juan Pérez de Montalbán. Periode kedua diwakili oleh Pedro Calderón de la Barca dan sesama dramawan Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, dan Francisco Bances Candamo.[148]Klasifikasi ini longgar karena setiap penulis memiliki caranya sendiri dan kadang-kadang dapat mematuhi formula yang ditetapkan oleh Lope. Bahkan mungkin "cara" Lope lebih liberal dan terstruktur daripada Calderón.[149]

Lope de Vega memperkenalkan melalui Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) komedi baru. Dia menetapkan formula dramatis baru yang mematahkan tiga kesatuan Aristoteles dari sekolah puisi Italia (aksi, waktu, dan tempat) dan kesatuan keempat Aristoteles yang tentang gaya, pencampuran elemen tragis dan komik yang menunjukkan berbagai jenis ayat dan bait atas apa yang diwakili.[150]Meskipun Lope memiliki pengetahuan yang besar tentang seni plastik, dia tidak menggunakannya selama sebagian besar karirnya atau di teater atau skenografi. Komedi Lope memberikan peran kedua pada aspek visual dari representasi teater.[151]

Tirso de Molina, Lope de Vega, dan Calderón adalah penulis drama terpenting di Spanyol Era Emas. Karya-karya mereka, yang dikenal karena kecerdasan halus dan pemahaman mendalam tentang kemanusiaan seseorang, dapat dianggap sebagai jembatan antara komedi primitif Lope dan komedi Calderón yang lebih rumit. Tirso de Molina terkenal karena dua karya, The Convicted Suspicions dan The Trickster of Seville, salah satu versi pertama dari mitos Don Juan.[152]

Setibanya di Madrid, Cosimo Lotti membawa ke pengadilan Spanyol teknik teater paling canggih di Eropa. Teknik dan pengetahuan mekaniknya diterapkan dalam pameran istana yang disebut "Fiestas" dan dalam pameran mewah sungai atau air mancur buatan yang disebut "Naumaquias". Dia bertanggung jawab untuk menata Taman Buen Retiro, Zarzuela, dan Aranjuez dan pembangunan gedung teater Coliseo del Buen Retiro.[153]Formula Lope dimulai dengan sebuah syair yang tidak sesuai dengan fondasi teater istana dan kelahiran konsep baru yang memulai karir beberapa penulis drama seperti Calderón de la Barca. Menandai inovasi utama dari Komedi Lopesian Baru, gaya Calderón menandai banyak perbedaan, dengan banyak perhatian konstruktif dan perhatian pada struktur internalnya. Karya Calderón dalam kesempurnaan formal dan bahasa yang sangat lirik dan simbolis. Kebebasan, vitalitas, dan keterbukaan Lope memberikan langkah bagi refleksi intelektual dan ketepatan formal Calderón. Dalam komedinya itu mencerminkan niat ideologis dan doktrinnya di atas gairah dan tindakan, karya Autos sacramentales mencapai peringkat tinggi.[154]Genre Comedia adalah politik, multi-artistik dan dalam arti hibrida. Teks puitis yang terjalin dengan Media dan sumber daya yang berasal dari arsitektur, musik, dan lukisan yang membebaskan penipuan yang ada dalam komedi Lopesian dibuat dari kurangnya pemandangan dan melibatkan dialog aksi.[155]

Penulis drama Jerman yang paling terkenal adalah Andreas Gryphius, yang menggunakan model Yesuit dari Joost van den Vondel Belanda dan Pierre Corneille. Ada juga Johannes Velten yang menggabungkan tradisi komedian Inggris dan commedia dell'arte dengan teater klasik Corneille dan Molière. Perusahaan turnya mungkin yang paling signifikan dan penting di abad ke-17.

Tragedi barok Italia terkemuka adalah Federico Della Valle. Aktivitas sastranya diringkas oleh empat drama yang dia tulis untuk teater istana: tragicomedy Adelonda di Frigia (1595) dan terutama tiga tragedinya, Judith (1627), Esther (1627) dan La reina di Scotia (1628). Della Valle memiliki banyak peniru dan pengikut yang menggabungkan dalam karya mereka rasa Barok dan tujuan didak dari Yesuit (Pallavicino, Graziani, dll.)

Amerika kolonial Spanyol

Mengikuti evolusi yang ditandai dari Spanyol, pada akhir abad ke-16, perusahaan komedian, pada dasarnya transhumant, mulai memprofesionalkan. Dengan profesionalisasi datang regulasi dan sensor: seperti di Eropa, teater berosilasi antara toleransi dan bahkan perlindungan dan penolakan pemerintah (dengan pengecualian) atau penganiayaan oleh Gereja. Teater itu berguna bagi pihak berwenang sebagai instrumen untuk menyebarkan perilaku dan model yang diinginkan, menghormati tatanan sosial dan monarki, sekolah dogma agama.[156]

Kandang diberikan untuk kepentingan rumah sakit yang berbagi manfaat dari representasi. Perusahaan keliling (atau "liga"), yang membawa teater dalam panggung terbuka improvisasi oleh daerah yang tidak memiliki penduduk setempat yang tetap, membutuhkan lisensi wakil raja untuk bekerja, yang harga orpinciónnya ditakdirkan untuk sedekah dan bekerja saleh.[156]Untuk perusahaan yang bekerja secara stabil di ibu kota dan kota-kota besar, salah satu sumber pendapatan utama mereka adalah partisipasi dalam perayaan Corpus Christi, yang memberi mereka tidak hanya manfaat ekonomi, tetapi juga pengakuan dan prestise sosial. Representasi di istana wakil raja dan rumah-rumah besar aristokrasi, di mana mereka mewakili komedi repertoar mereka dan produksi khusus dengan efek pencahayaan, pemandangan, dan panggung yang hebat, juga merupakan sumber penting dari karya yang dibayar dengan baik dan bergengsi.[156]

Lahir di Viceroyalty of New Spain[157]tetapi kemudian menetap di Spanyol, Juan Ruiz de Alarcón adalah tokoh paling menonjol di teater Barok Spanyol Baru. Terlepas dari akomodasinya untuk komedi baru Lope de Vega, "sekularisme yang ditandai", kebijaksanaan dan pengekangannya, dan kapasitas yang tajam untuk "penetrasi psikologis" sebagai fitur khas Alarcón melawan orang sezamannya di Spanyol telah dicatat. Patut dicatat di antara karya-karyanya La verdad sospechosa, sebuah komedi karakter yang mencerminkan tujuan moralisasinya yang konstan.[156]Produksi dramatis Sor Juana Inés de la Cruz menempatkannya sebagai tokoh kedua teater Barok Spanyol-Amerika. Perlu disebutkan di antara karya-karyanya auto sacramental El divino Narciso dan komedi Los empeños de una casa.

Kebun

Artikel utama: Taman barok

Taman Baroque, juga dikenal sebagai jardin à la française atau taman formal Prancis, pertama kali muncul di Roma pada abad ke-16, dan kemudian paling terkenal di Prancis pada abad ke-17 di taman Vaux le Vicomte dan Istana Versailles. Taman barok dibangun oleh Raja dan pangeran di Jerman, Belanda, Austria, Spanyol, Polandia, Italia, dan Rusia hingga pertengahan abad ke-18, ketika mereka mulai dibuat ulang oleh taman lanskap Inggris yang lebih alami.

Tujuan dari taman barok adalah untuk menggambarkan kekuatan manusia atas alam, dan kemuliaan pembangunnya, taman Barok ditata dalam pola geometris, seperti kamar rumah. Mereka biasanya paling baik dilihat dari luar dan melihat ke bawah, baik dari chateau atau teras. Unsur-unsur taman barok termasuk bagian dari hamparan bunga atau pagar rendah yang dipangkas menjadi desain Barok yang berornamen, dan jalur lurus dan gang-gang kerikil yang membagi dan melintasi taman. Teras, landai, tangga, dan kaskade ditempatkan di tempat yang memiliki perbedaan ketinggian, dan menyediakan titik pandang. Kolam bundar atau persegi panjang atau cekungan air adalah pengaturan untuk air mancur dan patung. Bosquets atau rumpun yang dipangkas dengan hati-hati atau garis-garis pohon yang identik, memberikan tampilan dinding tanaman hijau dan merupakan latar belakang untuk patung. Di tepinya, taman biasanya memiliki paviliun, jeruk, dan struktur lain di mana pengunjung dapat berlindung dari matahari atau hujan.[162]

Taman barok membutuhkan sejumlah besar tukang kebun, pemangkasan terus-menerus, dan air yang berlimpah. Pada bagian akhir periode Baroque, elemen formal mulai diganti dengan fitur yang lebih alami, termasuk jalur berliku, rumpun pohon yang bervariasi dibiarkan tumbuh tanpa dipangkas; arsitektur pedesaan dan struktur yang indah, seperti kuil Romawi atau pagoda Cina, serta "taman rahasia" di tepi taman utama, penuh dengan tanaman hijau, di mana pengunjung dapat membaca atau melakukan percakapan yang tenang. Pada pertengahan abad ke-18 sebagian besar taman Barok sebagian atau seluruhnya diubah menjadi variasi taman lanskap Inggris.[162]

Selain Versailles dan Vaux-le-Vicomte, taman barok yang terkenal masih mempertahankan banyak penampilan aslinya termasuk Istana Kerajaan Caserta dekat Naples; Istana Nymphenburg dan Istana Augustusburg dan Falkenlust, Brühl di Jerman; Istana Het Loo, Belanda; Istana Belvedere di Wina; Istana Kerajaan La Granja de San Ildefonso, Spanyol; dan Istana Peterhof di St. Petersburg, Rusia.

Sumber: https://en.wikipedia.org/wiki/Baroque