Prasejarah atau sering juga disebut nirleka (nir: tidak ada, leka: tulisan) adalah istilah yang digunakan untuk merujuk ke masa saat catatan sejarah yang tertulis belum ada, atau belum tersedia. Batas antara zaman prasejarah dengan sejarah dibedakan dengan adanya tulisan. Hal ini memberikan pengertian bahwa prasejarah adalah zaman sebelum ada tulisan, dan sejarah adalah zaman setelah ditemukannya tulisan. Berakhirnya masa prasejarah atau dimulainya zaman sejarah untuk setiap bangsa di dunia tidaklah sama, tergantung dari peradaban bangsa tersebut. Sebagai contoh, zaman sejarah bangsa Mesopotamia dimulai sekitar tahun 4500 SM, dimana masa tersebut bangsa atau peradaban ini sudah mulai mengenal tulisan. Sedangkan bangsa Indonesia, awal sejarah sekitar abad ke 5 M, saat Kerajaan Kutai mulai berdiri di Kalimantan Timur.
Sejak masa prasejarah, nenek moyang manusia telah mulai membuat lukisan di dinding-dinding gua untuk menggambarkan bagian-bagian penting dari kehidupan mereka, atau sebagai sarana ritual mereka. Semua kebudayaan dunia mengenal seni lukis. Hal ini disebabkan karena lukisan atau gambar sangat mudah dibuat. Sebuah gambar atau lukisan yang dibuat di dinding-dinding gua bisa dibuat hanya dengan menggunakan materi-materi sederhana seperti arang, kapur, tanah, batuan mineral berwarna, dan lain-lain. Lukisan-lukisan ini dibuat dengan gaya yang naturalistik dan biasanya menggambarkan adegan-adegan perburuan.
Dalam sejarah seni, seni prasejarah adalah semua seni yang diproduksi dalam budaya pra-melek, prasejarahyang dimulai di suatu tempat dalam sejarah geologi yang sangat akhir, dan umumnya berlanjut sampai budaya itu mengembangkan tulisan atau metode pencatatan lainnya, atau membuat kontak yang signifikan dengan budaya lain yang memiliki, dan itu membuat beberapa catatan peristiwa sejarah besar. Pada titik ini seni kuno dimulai, untuk budaya terpelajar yang lebih tua. Tanggal akhir untuk apa yang dicakup oleh istilah tersebut sangat bervariasi antara berbagai bagian dunia.[a]
Artefak manusia paling awal yang menunjukkan bukti pengerjaan dengan tujuan artistik menjadi bahan perdebatan. Jelas bahwa pengerjaan seperti itu ada 40.000 tahun yang lalu di era Paleolitik Atas, meskipun sangat mungkin bahwa itu dimulai lebih awal. Pada September 2018, para ilmuwan melaporkan penemuan gambar paling awal yang diketahui oleh Homo sapiens, yang diperkirakan berusia 73.000 tahun, jauh lebih awal dari artefak berusia 43.000 tahun yang dipahami sebagai gambar manusia modern paling awal yang diketahui yang ditemukan sebelumnya.[ 2]
Kerang berukir yang dibuat oleh Homo erectus yang berasal dari 500.000 tahun yang lalu[3] telah ditemukan, meskipun para ahli tidak setuju apakah ukiran ini dapat diklasifikasikan dengan benar sebagai 'seni'.[ 4] Dari Paleolitik Atas hingga Mesolitik, lukisan gua dan seni portabel seperti patung-patung dan manik-manik mendominasi, dengan karya berpola dekoratif juga terlihat pada beberapa benda utilitarian. Dalam bukti Neolitik dari tembikar awal muncul, seperti halnya patung dan konstruksi megalit. Seni cadas awal juga pertama kali muncul selama periode ini. Munculnya pengerjaan logam di Zaman Perunggumembawa media tambahan yang tersedia untuk digunakan dalam pembuatan seni, peningkatan keragaman gaya, dan penciptaan objek yang tidak memiliki fungsi yang jelas selain seni. Itu juga melihat perkembangan di beberapa bidang pengrajin, kelas orang yang mengkhususkan diri dalam produksi seni, serta sistem penulisan awal. Pada Zaman Besi, peradaban dengan tulisan telah muncul dari Mesir Kuno ke Cina Kuno.
Banyak masyarakat adat dari seluruh dunia terus menghasilkan karya seni yang khas dengan wilayah geografis dan budaya mereka, sampai eksplorasi dan perdagangan membawa metode pencatatan kepada mereka. Beberapa budaya, terutama peradaban Maya, secara independen mengembangkan tulisan selama mereka berkembang, yang kemudian hilang. Budaya-budaya ini dapat diklasifikasikan sebagai prasejarah, terutama jika sistem penulisan mereka belum diuraikan.
Seni tak terbantahkan paling awal berasal dari budaya arkeologi Homo sapiens Aurignacian di Paleolitik Atas. Namun, ada beberapa bukti bahwa preferensi untuk estetika muncul di Paleolitik Tengah, dari 100.000 hingga 50.000 tahun yang lalu. Beberapa arkeolog telah menafsirkan artefak Paleolitik Tengah tertentu sebagai contoh awal ekspresi artistik.[ 6][7] Simetri artefak, bukti perhatian terhadap detail bentuk alat, telah membuat beberapa peneliti memahami kapak Acheuleanhanddan terutama titik laurel yang telah diproduksi dengan tingkat ekspresi artistik.
Demikian pula, ukiran zigzag yang diduga dibuat dengan gigi hiu pada cangkang Pseudodon air tawar DUB1006-fL sekitar 500.000 tahun yang lalu (yaitu jauh ke Paleolitikum Bawah), terkait dengan Homo erectus, bisa menjadi bukti paling awal dari aktivitas artistik, tetapi maksud sebenarnya di balik ornamen geometris ini tidak diketahui.[ 5]
Mengklaim "Gambar tertua yang diketahui oleh tangan manusia", ditemukan di Gua Blombos di Afrika Selatan. Diperkirakan berusia 73.000 tahun.[ 2]
Ada klaim lain dari patung Paleolitik Tengah, dijuluki "Venus Tan-Tan" (sebelum 300 kya)[8] dan "Venus Berekhat Ram" (250 kya). Pada tahun 2002 di gua Blombos, yang terletak di Afrika Selatan, batu-batu ditemukan terukir dengan pola kisi atau cross-hatch, yang berasal dari sekitar 70.000 tahun yang lalu. Ini menyarankan kepada beberapa peneliti bahwa Homo sapiens awal mampu melakukan abstraksi dan produksi seni abstrak atau seni simbolis. Beberapa arkeolog termasuk Richard Klein ragu-ragu untuk menerima gua Blombos sebagai contoh pertama dari seni yang sebenarnya.
Pada September 2018 penemuan di Afrika Selatan dari gambar paling awal yang diketahui oleh Homo sapiens diumumkan, yang diperkirakan berusia 73.000 tahun, jauh lebih awal dari artefak berusia 43.000 tahun yang dipahami sebagai gambar manusia modern paling awal yang diketahui yang ditemukan sebelumnya.[ 2] Gambar menunjukkan pola silang yang terdiri dari sembilan garis halus. Pengakhiran tiba-tiba dari semua garis di tepi fragmen menunjukkan bahwa pola awalnya diperpanjang di atas permukaan yang lebih besar.[ 9] Juga diperkirakan bahwa pola itu kemungkinan besar lebih kompleks dan terstruktur secara keseluruhan daripada yang ditunjukkan pada area yang ditemukan. Awalnya, ketika gambar ini ditemukan, ada banyak perdebatan. Untuk membuktikan bahwa gambar ini dibuat oleh Homo Sapiens, anggota tim Prancis yang berspesialisasi dalam analisis kimia pigmen, mereproduksi garis yang sama menggunakan berbagai teknik.[ 10] Mereka menyimpulkan bahwa garis yang membentuk gambar itu disengaja dan kemungkinan besar dibuat dengan oker. Penemuan ini menambahkan dimensi lebih lanjut untuk memahami perilaku dan kognisi homo sapiens awal.
Lukisan di gua Pettakere di pulau Sulawesi Indonesia berusia hingga 40.000 tahun, tanggal yang mirip dengan seni gua Eropa tertua, yang mungkin menunjukkan asal usul umum yang lebih tua untuk jenis seni ini, mungkin di Afrika.[ 19]
Sebuah gua di Turobong di Korea Selatan yang berisi sisa-sisa manusia telah ditemukan mengandung tulang rusa berukir dan penggambaran rusa yang mungkin berusia 40.000 tahun.[ 20] Petroglif rusa atau rusa yang ditemukan di Sokchang-ri mungkin juga berasal dari Paleolitikum Atas. Potsherds dengan gaya yang mengingatkan pada karya Jepang awal telah ditemukan di Kosan-ri di pulau Jeju, yang, karena permukaan laut yang lebih rendah pada saat itu, akan dapat diakses dari Jepang.[ 21]
Petroglif tertua berasal dari sekitar batas Mesolitikum dan Paleolitik Atas akhir, sekitar 10.000 hingga 12.000 tahun yang lalu. Seni batu Afrika paling awal yang tak terbantahkan berasal dari sekitar 10.000 tahun yang lalu. Lukisan naturalistik manusia pertama yang ditemukan di Afrika berasal dari sekitar 8.000 tahun yang tampaknya berasal dari lembah Sungai Nil, menyebar sejauh barat Mali sekitar 10.000 tahun yang lalu. Situs terkenal yang berisi seni awal termasuk Tassili n'Ajjer di Aljazair selatan, Tadrart Acacus di Libya (situs Warisan Dunia Unesco), dan Pegunungan Tibesti di Chad utara.[ 22] Ukiran batu di Gua Wonderwerk di Afrika Selatan telah diberi tarikan hingga zaman ini.[ 23] Tanggal kontroversial sejauh 29.000 tahun telah diperoleh di sebuah situs di Tanzania. Sebuah situs di kompleks Gua Apollo 11 di Namibia telah berumur 27.000 tahun.
Göbekli Tepe di Turki memiliki lingkaran pilar batu berbentuk T- besar yang berasal dari milenium ke-10–8 SM; megalit tertua yang diketahui di dunia. Banyak pilar dihiasi dengan piktogram abstrak, penuh teka-teki, dan relief hewan berukir.
Asia adalah tempat lahir bagi beberapa peradaban penting, terutama di Cina dan Asia Selatan. Prasejarah Asia timur sangat menarik, karena pengenalan penulisan dan pencatatan sejarah yang relatif awal di Cina memiliki dampak penting pada budaya dan wilayah geografis di sekitarnya. Sedikit dari tradisi yang sangat kaya dari seni Mesopotamia dianggap sebagai prasejarah, karena tulisan diperkenalkan begitu awal di sana, tetapi budaya tetangga seperti Uratu, Luristan dan Persia memiliki tradisi artistik yang signifikan dan kompleks.
Anak benua India
Lukisan India paling awal adalah lukisan batu zaman prasejarah, petroglif seperti yang ditemukan di tempat-tempat seperti Rock Shelters of Bhimbetka, dan beberapa di antaranya berasal dari c. 8.000 SM.[ 24][25][26][27][28] Peradaban Lembah Indus menghasilkan segel dan patung perangko kecil yang bagus, dan mungkin sudah terpelajar, tetapi setelah keruntuhannya ada relatif sedikit sisa-sisa artistik sampai periode terpelajar, mungkin karena bahan yang mudah rusak digunakan.
Azerbaijan
Cagar Taman Nasional Gobustan yang terletak di tenggara Pegunungan Kaukasus Besar di Azerbaijan, 60 km jauhnya dari Baku lebih dari 12 ribu tahun yang lalu. Cagar alam ini memiliki lebih dari 6.000 ukiran batu yang sebagian besar menggambarkan adegan berburu, figur manusia dan hewan. Ada juga ilustrasi kapal panjang yang mirip dengan kapal Viking. Gobustan juga dicirikan oleh batu musik alami yang disebut Gavaldash (batu rebana).[ 29][30][31][32]
Karya seni prasejarah seperti tembikar yang dilukis di Cina Neolitik dapat ditelusuri kembali ke budaya Yangshao dan budaya Longshan di lembah Sungai Kuning. Selama Zaman Perunggu Tiongkok, Tiongkok dari Dinasti Shang kuno dan Dinasti Zhou menghasilkan banyak perunggu ritual Tiongkok, yang merupakan versi rumit dari bejana biasa dan benda-benda lain yang digunakan dalam ritual pemujaan leluhur, dihiasi dengan motif taotie dan oleh prasasti perunggu Tiongkok Shang akhir. Penemuan pada tahun 1987 di Sanxingdui di Cina tengah mengungkapkan budaya Zaman Perunggu pra-melek yang sebelumnya tidak diketahui yang artefaknya termasuk figur perunggu yang sangat besar yang spektakuler (contoh kiri), dan yang muncul secara budaya sangat berbeda dari Shang akhir kontemporer, yang selalu membentuk bagian dari akun tradisi budaya Cina yang berkelanjutan.
Menurut bukti arkeologi, orang Jōmon di Jepang kuno termasuk yang pertama mengembangkan tembikar, berasal dari milenium ke-11 SM. Dengan meningkatnya kecanggihan, Jōmon menciptakan pola dengan mengesankan tanah liat basah dengan tali dan tongkat yang dikepang atau tidak dikepang.
Sebuah pot Neolitik Korea ditemukan di Busan, 3500 SM
Contoh paling awal dari seni Korea terdiri dari karya Zaman Batu yang berasal dari 3000 SM. Ini terutama terdiri dari patung nazar, meskipun petroglif juga baru-baru ini ditemukan kembali. Seni batu, alat-alat batu yang rumit, dan tembikar juga lazim.
Periode awal ini diikuti oleh gaya seni berbagai kerajaan dan dinasti Korea. Pada periode ini, seniman sering mengadopsi gaya Cina dalam karya seni mereka. Namun, orang Korea tidak hanya mengadopsi tetapi juga memodifikasi budaya Cina dengan preferensi asli untuk keanggunan sederhana, kemurnian alam dan spontanitas. Penyaringan gaya Cina ini kemudian mempengaruhi tradisi artistik Jepang, karena keadaan budaya dan geografis.
Prasejarah Korea berakhir dengan berdirinya Tiga Kerajaan Korea, yang didokumentasikan dalam Samguk Sagi, teks abad ke-12 Masehi yang ditulis dalam bahasa Cina Klasik (bahasa tertulis para sastrawan di Korea tradisional), yang dimulai pada abad ke-1 SM; beberapa penyebutan sejarah sebelumnya juga dibuat dalam teks-teks Tiongkok, seperti Sanguo Zhi abad ke-3 Masehi.
Bukti budaya yang lebih jelas muncul pada akhir Neolitik, yang dikenal di Korea sebagai periode tembikar Jeulmun, dengan tembikar yang mirip dengan yang ditemukan di daerah yang berdekatan di Cina, dihiasi dengan pola berbentuk Z. Situs Neolitik paling awal dengan sisa-sisa tembikar, misalnya Osan-ri, berasal dari 6000–4500 SM.[ 21] Tembikar ini ditandai dengan pola sisir, dengan pot sering memiliki dasar runcing. Ornamen dari waktu ini termasuk topeng yang terbuat dari cangkang, dengan temuan terkenal di Tongsam-dong, Osan-ri, dan Sinam-ri. Patung-patung tanah liat berbentuk tangan telah ditemukan di Nongpo-dong.[ 33]
Mumun Tengah Besar (c. 800 SM) kapal penyimpanan digali dari rumah pit di atau dekat Daepyeong
Selama periode tembikar Mumun, kira-kira antara 1500 SM dan 300 SM, pertanian berkembang, dan bukti struktur politik skala besar menjadi jelas, ketika desa tumbuh dan beberapa penguburan menjadi lebih rumit. Makam dan dolmen megalitik di seluruh Korea berasal dari saat ini. Tembikar saat itu dalam gaya khas yang tidak didekorasi. Banyak dari perubahan gaya ini mungkin terjadi karena imigrasi orang-orang baru dari utara, meskipun ini adalah subjek perdebatan.[ 34] Di sejumlah situs di Korea selatan ada panel seni cadas yang diperkirakan berasal dari periode ini, terutama karena alasan gaya.[ 35]
Sementara tanggal pasti pengenalan perunggu ke Korea juga menjadi bahan perdebatan, jelas bahwa perunggu sedang dikerjakan sekitar 700 SM. Temuan termasuk belati, cermin, dan gesper sabuk yang khas secara gaya, dengan bukti pada abad ke-1 SM dari budaya perunggu yang tersebar luas, khas lokal,.[ 36]
Waktu antara 300 SM dan pendirian dan stabilisasi Tiga Kerajaan sekitar 300 M dicirikan secara artistik dan arkeologis dengan meningkatkan perdagangan dengan Cina dan Jepang, sesuatu yang dikuhkan oleh sejarah Cina pada saat itu. Cina ekspansionis menginvasi dan mendirikan komanderi di Korea utara pada awal abad ke-1 SM; mereka diusir pada abad ke-4 Masehi.[ 37] Sisa-sisa beberapa di antaranya, terutama Lelang, dekat Pyongyang modern, telah menghasilkan banyak artefak dalam gaya Han yang khas.[ 38]
Sejarah Tiongkok juga mencatat awal mula karya besi di Korea pada abad ke-1 SM. Periuk batu dan tembikar yang dibakar dengan kiln juga muncul hingga saat ini, meskipun ada kontroversi mengenai tanggalnya.[ 39] Tembikar yang jelas berasal dari Jepang ditemukan di Korea, dan logam yang berasal dari Korea ditemukan di timur laut Cina.[ 40]
Sampel seni Steppes yang luar biasa – sebagian besar perhiasan emas dan ornamen untuk kuda – ditemukan di hamparan luas tanah yang membentang dari Hongaria hingga Mongolia. Berasal dari periode antara abad ke-7 dan ke-3 SM, benda-benda biasanya kecil, seperti yang diharapkan dari orang-orang nomaden yang selalu bergerak. Seni stepa terutama adalah seni hewan, yaitu, adegan pertempuran yang melibatkan beberapa hewan (nyata atau imajiner) atau figur hewan tunggal (seperti rusa emas) mendominasi. Yang paling terkenal dari berbagai orang yang terlibat adalah orang Skithia, di ujung stepa Eropa, yang sangat mungkin mengubur barang-barang emas.
Di antara penemuan paling terkenal dibuat pada tahun 1947, ketika arkeolog Soviet Sergei Rudenko menemukan pemakaman kerajaan di Pazyryk, Pegunungan Altay, yang menampilkan – di antara banyak benda penting lainnya – permadani tumpukan paling kuno yang masih ada, mungkin dibuat di Persia. Tidak biasa untuk penguburan prasejarah, yang berada di bagian utara daerah tersebut dapat melestarikan bahan organik seperti kayu dan tekstil yang biasanya akan membusuk. Orang-orang stepa memberi dan mengambil pengaruh dari budaya tetangga dari Eropa ke Cina, dan kemudian potongan-potongan Skithia sangat dipengaruhi oleh gaya Yunani kuno, dan mungkin sering dibuat oleh orang Yunani di Scythia.
The Ain Sakhri Lovers dari Israel modern, adalah ukiran Natufian kecil dalam kalsit, dari sekitar 9.000 SM. Sekitar waktu yang sama, situs luar biasa Göbekli Tepe di Turki timur dimulai. Selama fase pertama, milik Pra-Pottery Neolithic A (PPNA), lingkaran pilar batu berbentuk T yang besar namun berbentuk rapi didirikan - megalit tertua di dunia yang diketahui.[ 41] Lebih dari 200 pilar di sekitar 20 lingkaran saat ini diketahui melalui survei geofisika. Setiap pilar memiliki ketinggian hingga 6 m (20 kaki) dan berat hingga 10 ton. Mereka dipasang ke soket yang dipahat dari batuan dasar.[ 42] Pada fase kedua, milik Pre-Pottery Neolithic B (PPNB), pilar-pilar yang didirikan lebih kecil dan berdiri di ruang persegi panjang dengan lantai kapur yang dipoles. Pada permukaan pilar yang dihaluskan ada relief hewan, pola abstrak, dan beberapa sosok manusia.
Dengan konvensi, prasejarah di Timur Dekat diambil untuk melanjutkan sampai munculnya Kekaisaran Akhemeniyah pada abad ke-6 SM, meskipun tulisan ada di wilayah tersebut dari hampir 2.000 tahun sebelumnya. Atas dasar itu, tradisi seni Mesopotamia yang sangat kaya dan panjang, serta patung Asyur, seni Het, dan banyak tradisi lain seperti perunggu Luristan semuanya termasuk dalam seni prasejarah, bahkan jika ditutupi dengan teks-teks yang memuji penguasa, seperti banyak relief istana Asyur.
Seni Paleolitik Atas mencakup ukiran pada tanduk dan tulang, terutama hewan, serta patung-patung Venus dan lukisan gua, yang dibahas di atas. Meskipun iklimnya lebih hangat, periode Mesolitikum tidak diragukan lagi menunjukkan penurunan dari ketinggian periode sebelumnya. Seni batu ditemukan di Skandinavia dan Rusia utara, dan di sekitar Mediterania di Spanyol timur dan Gambar Batu paling awal di Valcamonica di Italia utara, tetapi tidak di antara daerah-daerah ini.[ 43][44] Contoh seni portabel termasuk kerikil yang dilukis dari budaya Azilian yang menggantikan Magdalena, dan pola pada benda utilitarian, seperti dayung dari Tybrind Vig, Denmark. Patung Mesolitik Lepenski Vir di Gerbang Besi, Serbia berasal dari milenium ke-7 SM dan mewakili manusia atau campuran manusia dan ikan. Tembikar sederhana mulai berkembang di berbagai tempat, bahkan tanpa adanya pertanian.
Mesolitik
Dibandingkan dengan Paleolitik Atas sebelumnya dan Neolitikum berikutnya, ada seni yang agak kurang bertahan dari Mesolitik. Seni batu dari Cekungan Mediterania Iberia, yang mungkin menyebar dari Paleolitik Atas, adalah fenomena yang tersebar luas, jauh lebih tidak dikenal daripada lukisan gua dari Paleolitik Atas, yang dengannya membuat kontras yang menarik. Situs-situs tersebut sekarang sebagian besar adalah wajah tebing di udara terbuka, dan subjeknya sekarang sebagian besar manusia daripada hewan, dengan kelompok besar tokoh-tokoh kecil; ada 45 tokoh di Roca dels Moros. Pakaian ditampilkan, dan adegan menari, berkelahi, berburu dan mengumpulkan makanan. Angka-angka itu jauh lebih kecil daripada hewan seni Paleolitik, dan digambarkan jauh lebih skematis, meskipun sering dalam pose energik.[ 45] Beberapa liontin berukir kecil dengan lubang suspensi dan desain berukir sederhana diketahui, beberapa dari Eropa utara berwarna kuning, dan satu dari Starr Carr di Inggris dalam bentuk serpih.[ 46]
Seni batu di Ural tampaknya menunjukkan perubahan serupa setelah Paleolitikum, dan Shigir Idol kayu adalah kelangsungan hidup langka dari apa yang mungkin telah menjadi bahan yang sangat umum untuk patung. Ini adalah papan larch yang diukir dengan motif geometris, tetapi atasnya dengan kepala manusia. Sekarang dalam fragmen, itu tampaknya akan memiliki tinggi lebih dari 5 meter ketika dibuat.[ 47]
Di Eropa Tengah, banyak budaya Neolitik, seperti Linearbandkeramic, Lengyel dan Vinča,[48] menghasilkan patung perempuan (jarang laki-laki) dan hewan yang dapat disebut seni, dan dekorasi tembikar yang rumit, misalnya, theŽeliesovcedan gaya Lengyel yang dilukis.
Monumen megalitik (yaitu, batu besar) ditemukan di Era Neolitik dari Malta ke Portugal, melalui Prancis, dan melintasi Inggris selatan ke sebagian besar Wales dan Irlandia. Mereka juga ditemukan di Jerman utara dan Polandia, serta di Mesir di gurun Sahara (di Nabta Playa dan situs lainnya). Yang paling terpelihara dari semua kuil dan struktur berdiri bebas tertua adalah Kuil Megalitik Malta. Mereka dimulai pada milenium ke-5 SM, meskipun beberapa penulis berspekulasi tentang akar Mesolitik. Salah satu situs prasejarah paling terkenal adalah Stonehenge, bagian dari Situs Warisan Dunia Stonehenge yang berisi ratusan monumen dan situs arkeologi. Monumen telah ditemukan di sebagian besar Eropa Barat dan Utara, terutama di Carnac, Prancis.
Batu masuk dengan seni megalitik di Newgrange
Makam gundukan besar di Newgrange, Irlandia, yang berasal dari sekitar 3200 SM, memiliki pintu masuknya yang ditandai dengan batu besar yang diukir dengan desain spiral yang kompleks. Gundukan di dekat Knowth memiliki batu datar besar dengan ukiran batu di wajah vertikalnya di sekelilingnya, yang berbagai maknanya telah disarankan, termasuk penggambaran lembah lokal, dan gambar Bulan tertua yang diketahui. Banyak dari monumen ini adalah makam megalitik, dan para arkeolog berspekulasi bahwa sebagian besar memiliki makna religius. Knowth terkenal memiliki sekitar sepertiga dari semua seni megalitik di Eropa Barat.
Selama milenium ke-3 SM, Zaman Perunggudimulai di Eropa, membawa serta media baru untuk seni. Peningkatan efisiensi alat perunggu juga berarti peningkatan produktivitas, yang mengarah pada surplus — langkah pertama dalam penciptaan kelas pengrajin. Karena meningkatnya kekayaan masyarakat, barang-barang mewah mulai tercipta, terutama senjata yang dihias.
Contohnya termasuk helm perunggu seremonial, kepala kapak dan pedang hias, instrumen rumit seperti aslurer, dan benda-benda seremonial lainnya tanpa tujuan praktis, seperti Oxborough Dirk yang terlalu besar. Benda-benda khusus dibuat dari emas; lebih banyak benda emas yang selamat dari Eropa Barat dan Tengah daripada dari Zaman Besi, banyak benda misterius dan aneh mulai dari lunulas, tampaknya spesialisasi Irlandia, Mold Cape dan topi Emas. Tembikar dari Eropa Tengah dapat dibentuk dan didekorasi dengan rumit. Seni batu, yang menampilkan adegan dari ritual keagamaan telah ditemukan di banyak daerah, misalnya di Bohuslän, Swedia dan Val Camonica di Italia utara.
Di Mediterania, peradaban Minoa sangat berkembang, dengan kompleks istana dari mana bagian-bagian lukisan dinding telah digali. Seni Mesir Kuno Kontemporer dan budaya Timur Dekat lainnya yang maju tidak dapat lagi diperlakukan sebagai "prasejarah".
Zaman Besi melihat perkembangan patung antropomorfik, seperti prajurit Hirschlanden, dan patung dari Glauberg, Jerman. Seniman Hallstatt di awal Zaman Besi menyukai desain geometris dan abstrak yang mungkin dipengaruhi oleh hubungan perdagangan dengan dunia Klasik.
Gaya La Tène yang lebih rumit dan lengkung dikembangkan di Eropa pada Zaman Besi kemudian dari pusat di lembah Rhine tetapi segera menyebar ke seluruh benua. Kelas kepala suku yang kaya tampaknya telah mendorong ostentasi dan pengaruh Klasik seperti bejana minum perunggu membuktikan mode baru untuk minum anggur. Makan dan minum komunal adalah bagian penting dari masyarakat dan budaya Celtic dan banyak seni mereka sering diekspresikan melalui piring, pisau, kuali, dan cangkir. Taktik kuda dan persenjataan juga didekorasi. Hewan mitos adalah motif umum bersama dengan subjek agama dan alam dan penggambaran mereka adalah campuran antara naturalistik dan bergaya. Seni megalitik terkadang masih dipraktikkan, contohnya termasuk pilar batu kapur berukir dari tempat perlindungan di Entremont di Prancis modern-day. Perhiasan pribadi termasuk kalung torc sementara pengenalan koin memberikan kesempatan lebih lanjut untuk ekspresi artistik. Koin pada periode ini adalah turunan dari jenis Yunani dan Romawi, tetapi menunjukkan gaya artistik Celtic yang lebih bersemangat.
Cermin abad ke-1 SM ditemukan di Desborough, Inggris, menunjukkan motif spiral dan terompet
Pemakaman kereta Waldalgesheim akhir abad ke-4 SM yang terkenal di Rhineland menghasilkan banyak contoh seni La Tène yang bagus termasuk flagon perunggu dan plakat perunggu dengan figur manusia repoussé. Banyak potongan memiliki gaya organik yang melengkung meskipun berasal dari pola sulur Klasik.
Di sebagian besar Eropa barat, elemen gaya artistik ini dapat dilihat bertahan dalam seni dan arsitektur koloni Romawi. Khususnya di Inggris dan Irlandia ada kesinambungan yang lemah melalui periode Romawi, memungkinkan motif Celtic untuk muncul kembali dengan kekuatan baru dalam seni Insular Kristen dari abad ke-6 dan seterusnya.
Budaya Etruscan yang canggih berkembang dari abad ke-9 hingga ke-2, dengan pengaruh yang cukup besar dari orang Yunani, sebelum akhirnya diserap oleh orang Romawi. Pada akhir periode mereka telah mengembangkan tulisan, tetapi seni Etruscan awal dapat disebut prasejarah.
Afrika
Mesir Kuno berada di luar cakupan artikel ini; itu memiliki hubungan dekat dengan Sudan khususnya, yang dikenal pada periode ini sebagai Nubia, di mana ada budaya maju dari milenium ke-4 SM, seperti "A-Group", "C-Group", dan Kerajaan Kush.
Pada September 2018, para ilmuwan dari Universitas Bergen, Universitas Bordeaux dan Universitas Witwatersrand bersama-sama melaporkan penemuan gambar paling awal yang diketahui oleh Homo sapiens di Gua Blombos, Afrika Selatan yang diperkirakan berusia 73.000 tahun, jauh lebih awal dari artefak berusia 43.000 tahun yang dipahami sebagai gambar manusia modern paling awal yang diketahui yang ditemukan sebelumnya.[ 2]
Ada tubuh lukisan batu yang signifikan di wilayah sekitar Taman Nasional Matobo Zimbabwe yang berasal dari awal 6000 SM hingga 500 M.[ 49]
Lukisan batu San yang signifikan ada di daerah Waterberg di atas Sungai Palala dan di sekitar Drakensberg di Afrika Selatan, beberapa di antaranya dianggap berasal dari periode 8000 SM. Gambar-gambar ini sangat jelas dan menggambarkan berbagai motif manusia dan satwa liar, terutama kijang. Tampaknya ada sejarah lukisan batu yang cukup berkelanjutan di daerah ini; beberapa seni jelas berasal dari abad ke-19. Mereka termasuk penggambaran kuda dengan penunggang, yang tidak diperkenalkan ke daerah itu sampai tahun 1820-an.[ 50]
Namibia, selain kompleks Gua Apollo 11, memiliki beragam seni cadas San yang signifikan di dekat Twyfelfontein. Karya ini berusia beberapa ribu tahun, dan tampaknya berakhir dengan kedatangan suku-suku pastoral di daerah tersebut.[ 51]
Laas Geel adalah kompleks gua dan tempat perlindungan batu di Somalia barat laut. Terkenal dengan seni cadas mereka, gua-gua tersebut terletak di daerah pedesaan di pinggiran Hargeisa. Mereka berisi beberapa lukisan gua paling awal yang diketahui di Tanduk Afrika, banyak di antaranya menggambarkan adegan pastoral. Seni cadas Laas Geel diperkirakan berasal dari sekitar 9.000–8.000 SM.
Pada tahun 2008, para arkeolog juga mengumumkan penemuan lukisan gua di wilayah Dhambalin utara Somalia, yang menurut para peneliti termasuk salah satu penggambaran pemburu yang paling awal diketahui tentang seorang pemburu dengan menunggang kuda. Seni cadas dalam gaya Ethiopia-Arabian, bertanggal 1000 hingga 3000 SM.[ 52][53]
Seni prasejarah lainnya di wilayah Tanduk termasuk megalit batu dan ukiran, beberapa di antaranya berusia 3.500 tahun. Kota Dillo di Ethiopia memiliki puncak bukit yang ditutupi dengan prasasti batu. Ini adalah salah satu dari beberapa situs seperti itu di Ethiopia selatan yang berasal dari periode bersejarah[perlu klarifikasi] (abad ke-10-14).[ 54]
Karya-karya periode Bubalus membentang di Sahara, dengan karya terbaik, ukiran megafauna yang digambarkan secara naturalistik, terkonsentrasi di dataran tinggi tengah. Periode Kepala Bulat didominasi oleh lukisan bentuk manusia yang berbentuk aneh, dan beberapa hewan, menunjukkan bahwa para seniman adalah pengumpul. Para seniman ini mungkin telah menghasilkan seni cadas 2.000 tahun sebelum domestikasi.[ 55] Karya-karya ini sebagian besar terbatas pada Tassili n'Ajjer dan Tadrart Acacus. Beberapa karya menunjukkan tokoh-tokoh dengan busur di dekat kawanan ternak dan reuni anggota di dekat ternak.[ 56] Kepala bulat ditemukan di Tassili, Jebel Uweinat dan Ennedi, yang mungkin menunjukkan budaya yang sama antara populasi ini.[ 55] Hewan lain yang diwakili dalam seni kepala Bulat adalah kuda nil, gajah, dan bovid. Hewan seperti kijang dan mouflon juga terwakili; sisa-sisa fauna telah ditemukan di situs arkeologi selama penggalian.[ 55] Sekitar 90% dari seni Kepala Bulat adalah representasi hewan.[ 55] Menjelang akhir periode, gambar hewan peliharaan, serta pakaian dekoratif dan hiasan kepala muncul. Beberapa hewan peliharaan adalah sapi dari keluarga Bovidae.[ 55]
Seni Periode Pastoral lebih fokus pada adegan rumah tangga, termasuk penggembalaan dan menari. Serta adegan berburu mouflon.[ 55] Tidak seperti dalam seni Kepala Bulat, busur relevan dengan seni Pastoral karena adegan berburu digambarkan selama waktu ini.[ 57] Figur pastoral terlihat di dinding Round Heads yang sama kecuali mereka berada di sepanjang perbatasan. Para pengumpul mungkin telah menghormati karya seni sebelumnya dan tidak melukis di atas angka-angka itu.[ 55] Kualitas karya seni menurun, karena angka menjadi lebih sederhana.[ 58]
Periode Kuda dimulai di Sahara timur dan menyebar ke barat. Penggambaran dari periode ini termasuk ukiran dan lukisan kuda, kereta, dan prajurit dengan senjata logam, meskipun ada juga penggambaran satwa liar seperti jerapah yang sering. Manusia umumnya digambarkan dengan cara yang bergaya. Beberapa seni kereta memiliki kemiripan dengan ukiran kuil dari Mesir kuno. Kadang-kadang, panel seni disertai dengan naskah Tifinagh, masih digunakan oleh orang-orang Berber dan Tuareg saat ini; namun, Tuareg modern umumnya tidak dapat membaca prasasti ini. Periode Unta terakhir menampilkan ukiran dan lukisan di mana unta mendominasi, tetapi juga termasuk manusia dengan pedang, dan kemudian, senjata; seni saat ini relatif kasar.
Mesopotamia (dari bahasa Yunani Μεσοποταμία "[tanah] di antara sungai", dalam bahasa Suryani disebut ܒܝܬ ܢܗܪܝܢ diucapkan "Beth Nahrain", "Tanah sungai", diterjemahkan dalam bahasa Arab sebagai بلاد الرافدين bilād al-rāfidayn) adalah toponim untuk wilayah sistem sungai Tigris-Euphrates, sebagian besar sesuai dengan Irak modern, serta beberapa bagian timur laut Suriah, Turki tenggara, dan barat daya Iran. Dalam batas-batasnya, beberapa peradaban paling kuno yang dikenal pertama kali mengembangkan tulisan dan pertanian. Banyak peradaban berkembang di sana, meninggalkan warisan seni kuno yang kaya. [kutipan diperlukan]
Peradaban Mesopotamia Zaman Perunggu termasuk kerajaan Akkadia, Babilonia, dan Asyur, dan Sumeria. Pada Zaman Besi, Mesopotamia diperintah oleh kekaisaran Neo-Assyrian dan Neo-Babylonian. Penduduk asli Sumeria dan Akkadia (termasuk Asyur & Babilonia) mendominasi Mesopotamia sejak awal sejarah tertulis (c. 3100 SM) hingga jatuhnya Babel pada 539 SM, ketika ditaklukkan oleh Kekaisaran Akhemeniyah. Itu jatuh ke Alexander Agung pada 332 SM dan setelah kematiannya, itu menjadi bagian dari Kekaisaran Seleukia Yunani.
Sekitar 150 SM, Mesopotamia berada di bawah kendali Parthia. Mesopotamia menjadi medan pertempuran antara Romawi dan Parthia, dengan sebagian Mesopotamia (terutama Asyur) berada di bawah kendali Romawi secara berkala. Pada 226 M, itu jatuh ke Persia Sassanid dan tetap di bawah kekuasaan Persia sampai penaklukan Islam Arab abad ke-7 atas Kekaisaran Sassanid. Sejumlah negara Mesopotamia asli Kristen ada antara abad ke-1 SM dan abad ke-3 Masehi, termasuk Adiabene, Oshroene, dan Hatra.
Contoh penting dari seni Sumeria yang masih ada adalah Standar Ur, yang berasal dari sekitar 2500 SM. Standar adalah kotak kayu bertatahkan kerang danlapis lazuli yang menggambarkan tentara mempersembahkan raja mereka dengan tahanan di satu sisi dan petani memberinya hadiah di sisi lain.
Penjata laki-laki berdiri, salah satu dari dua belas patung di Tell Asmar Hoard; 2900-2600 SM; pualam gipsum, cangkang, batu kapur hitam dan aspal; 29,5 x 12,9 x 10 cm; Museum Seni Metropolitan
Hiasan kepala; 2600-2500 SM; emas (daun), lapis lazuli (manik-manik biru) dan carnelian (manik-manik oranye); panjang: 38,5 cm; Museum Seni Metropolitan
Standar Ur; 2600-2400 SM; cangkang, batu kapur merah dan lapis lazuli di atas kayu; panjang: 49,5 cm; dari Pemakaman Kerajaan di Ur; Museum Inggris
Ornamen kepala banteng dari kecapi; 2600-2350 SM; perunggu bertatahkan cangkang dan lapis lazuli; tinggi: 13,3 cm, lebar: 10,5 cm; Museum Seni Metropolitan
Figur nazar; 2600-2350 SM; batu; tinggi: 41,3 cm, lebar: 14,5 cm, kedalaman: 13,5 cm; Museum Seni Metropolitan
Vas dengan pola tumpang tindih dan tiga pita pohon palem; pertengahan hingga akhir milenium ke-3 SM; klorit; tinggi: 23,5 cm; Museum Seni Metropolitan
Patung Ebih-Il; sekitar 2400 SM; gypsum, sekis, kerang dan lapis lazuli; tinggi: 52,5 cm, lebar: 20,6 cm; ditemukan oleh André Parrot di Kuil Ishtar (Mari, Suriah); Louvre
Fragmen relief dengan dewi Ninsun; 2255-2040 SM; steatite; tinggi: 14 cm; Louvre
Penaklukan Sumeria dan Akkad oleh Babel menandai titik balik dalam sejarah artistik dan politik wilayah tersebut.
Bangsa Babilonia memanfaatkan kelimpahan tanah liat di Mesopotamia untuk membuat batu bata. Penggunaan batu bata menyebabkan perkembangan awal pilaster dan kolom, serta lukisan dinding dan ubin berenamel. Dindingnya berwarna cemerlang, dan terkadang dilapisi dengan perunggu atau emas serta ubin. Kerucut terra-cotta yang dicat juga tertanam di plester.
Orang Babilonia sering bekerja dengan logam. Mereka menciptakan alat fungsional dengan tembaga. Ada kemungkinan bahwa Babilonia adalah rumah asli pengerjaan tembaga, yang kemudian menyebar ke barat. Selain itu, keinginan batu di Babilonia membuat setiap kerikil berharga dan mengarah pada kesempurnaan tinggi dari seni memotong permata. Seni Babel juga termasuk permadani, dan peradaban Babilonia terkenal dengan permadani dan permadaninya.
Kepala perempuan; sekitar 2000-1600 SM; keramik; 18 x 12,7 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
Plakat dengan wanita telanjang di antara dua pria berjanggut yang mengenakan kilt; sekitar 2000-1600 SM; perunggu; 9,7 x 9,7 cm; Museum Seni Metropolitan
Segel silinder dengan kesan; sekitar abad ke-18-17 SM;hematit; 2,39 cm; Museum Seni Metropolitan
Kepala laki-laki; sekitar akhir abad ke-8–awal abad ke-7; keramik; 12,5 cm; Museum Seni Metropolitan
Fasad Ruang Tahta. Babylon, berwarna, batu bata berlapis kaca. 604-562 SM. Throne-Room terletak di kompleks halaman ketiga istana kerajaan.
Karya seni kontemporer yang menggambarkan Babel pada puncak perawakannya.
Gerbang Ishtar adalah gerbang kedelapan ke dalam kota Babel. Itu dibangun sekitar 575 SM atas perintah Raja Nebukadnezar II di sisi utara kota.
Hammurabi (kiri), digambarkan menerima lencana kerajaannya dari Shammash (atau mungkin Marduk). Hammurabi memegang tangannya di atas mulutnya sebagai tanda doa (bantuan di bagian atas prasasti kode hukum Hammurabi).
Ketika Babel mulai menurun, itu ditaklukkan oleh Asyur, salah satu bekas koloninya. Asyur mewarisi seninya serta kerajaannya.
Pada awalnya, arsitek dan seniman Asyur menyalin gaya dan bahan Babilonia. Belakangan, orang Asyur mulai melepaskan diri dari pengaruh Babilonia. Dinding istana Asyur dilapisi dengan lempengan batu, bukan batu bata dan diwarnai alih-alih dicat seperti di Kasdim. Di tempat relief, kami memiliki figur pahatan, contoh paling awal adalah patung-patung dari Girsu.
Tidak ada spesimen seni metalurgi yang luar biasa dari awal Asyur yang ditemukan, tetapi pada zaman kemudian, keunggulan besar dicapai dalam pembuatan perhiasan seperti anting-anting dan gelang emas. Mereka juga memiliki pekerjaan terampil menggunakan tembaga.
Tembikar dan porselen Asyur anggun. Kaca transparan tampaknya pertama kali diperkenalkan pada masa pemerintahan Sargon II, seperti kaca yang ditemukan di istana Niniwe- yang berasal dari aslinya Mesir. Batu, serta tanah liat dan kaca, digunakan dalam pembuatan vas. Vas batu keras telah ditinter di Tello, mirip dengan periode dinasti awal Mesir.
Ashurbanipal mempromosikan seni dan budaya dan memiliki perpustakaan besar tablet paku di Niniwe.
Obelisk Hitam Shalmaneser III. Raja, dikelilingi oleh pelayan kerajaannya dan seorang pejabat tinggi, menerima upeti dari Sua, raja Gilzanu (Iran barat laut), yang membungkuk dan bersujud di hadapan raja. Dari Nimrud, Mesopotamia utara (Irak).Periode Neo-Assyrian, 825 SM. Museum Inggris, London.
Relief abad ke-7 SM yang menggambarkan Ashurbanipal (r. 669–631 SM) dan tiga pelayan kerajaan di kereta. Dari Istana Utara di Niniwe
Ubin terakota mengkilap dari Nimrud, dengan pemandangan pengadilan; 875-850 SM; tanah liat yang dipecat dan mengkilap; tinggi (tanpa alas): 30,6 cm, tinggi (dengan alas): 38,3 cm; British Museum
Lammasu, dewa pelindung Asyur. Awalnya digambarkan sebagai dewi di zaman Sumeria, ketika itu disebut Lamma, itu kemudian digambarkan di zaman Asyur sebagai hibrida dari manusia, burung, dan baik banteng atau singa—khususnya memiliki kepala manusia, tubuh banteng atau singa, dan sayap burung, dengan nama Lamassu. Museum Irak
Seni Het diproduksi oleh peradaban Het di Anatolia kuno, di Turki modern, dan juga membentang ke Suriah selama milenium kedua SM dari abad kesembilan belas hingga abad kedua belas SM. Periode ini jatuh di bawah Zaman PerungguAnatolia. Hal ini ditandai dengan tradisi panjang gambar dan motif yang dikanonisasi yang diatur ulang, sementara masih dapat dikenali, oleh seniman untuk menyampaikan makna kepada populasi yang sebagian besar buta huruf.
"Kalkumen kosa kata yang terbatas dari tipe figural [dan motif], penemuan untuk seniman Het biasanya adalah masalah menggabungkan dan memanipulasi unit untuk membentuk komposisi yang lebih kompleks"[1]
Banyak dari gambar berulang ini berputar di sekitar penggambaran dewa Het dan praktik ritual. Ada juga prevalensi adegan berburu dalam relief Het dan bentuk hewan representasional. Sebagian besar seni berasal dari pemukiman seperti Alaca Höyük, atau ibu kota Het Hattusa di dekat Boğazkale modern. Para sarjana memang mengalami kesulitan berkencan dengan sebagian besar seni Het, mengutip fakta bahwa ada kekurangan prasasti dan banyak bahan yang ditemukan, terutama dari situs pemakaman, dipindahkan dari lokasi aslinya dan didistribusikan di antara museum selama abad kesembilan belas.
Cangkir minum berbentuk kepalan tangan; 1400-1380 SM; perak; dari Turki Tengah; Museum Seni Rupa (Boston, AS)
Kapal berakhir di bagian depan rusa jantan; c. abad ke-14-13 SM; perak dengan tatahan emas; tinggi: 18 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
Bahan BMAC telah ditemukan di peradaban Lembah Indus, di Dataran Tinggi Iran, dan di Teluk Persia.[ 2] Temuan di dalam situs BMAC memberikan bukti lebih lanjut tentang kontak perdagangan dan budaya. Mereka termasuk segel silinder tipe Elamite- dan segel Harappa yang dicap dengan gajah dan tulisan Indus yang ditemukan di Gonur-depe.[ 3] Hubungan antara Altyn-Depe dan Lembah Indus tampaknya sangat kuat. Di antara temuan, ada dua anjing laut Harappan dan benda gading. Pemukiman Harappa di Shortugai di Afghanistan Utara di tepi Amu Darya mungkin berfungsi sebagai stasiun perdagangan.[ 4]
Jenis karya seni Baktria yang terkenal adalah "putri-putri Baktria" (alias "Wanita Oxus"). Mengenakan gaun bergaya besar dengan lengan kembung, serta hiasan kepala yang menyatu dengan rambut, mereka mewujudkan dewi peringkat, karakter mitologi Asia tengah yang memainkan peran pengaturan, menenangkan kekuatan liar. Patung-patung ini dibuat dengan menggabungkan dan merakit bahan dengan warna yang kontras. Bahan yang disukai adalah klorit (atau batu hijau tua yang serupa), batu kapur keputihan atau pualam belang-belang, atau kerang laut dari Samudra Hindia.[ 5] Elemen tubuh dan kostum yang berbeda diukir secara terpisah dan bergabung, seperti dalam teka-teki, dengan lem dupa dan tapak.
Kapak dengan iblis & hewan berkepala elang; akhir milenium ke-3-awal milenium ke-2 SM; perak emas; panjang: 15 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
Patung unta; akhir 3–awal milenium ke-2 SM; paduan tembaga; 8,89 cm; Museum Seni Metropolitan
Sosok laki-laki yang mengerikan; akhir 3–awal 2 milenium SM; klorit, kalsit, emas, dan besi; tinggi: 10,1 cm; Museum Seni Metropolitan
Patung wanita dari tipe "putri daktria"; 2500–1500; klorit (gaun dan hiasan kepala) dan batu kapur (kepala, tangan dan kaki); tinggi: 13,33 cm; Museum Seni Wilayah Los Angeles (AS)
Seni Akhemenid termasuk relief dekorasi, pengerjaan logam, dekorasi istana, batu bata berlapis kaca, pengerjaan halus (masonry, pertukangan, dll.), dan berkebun. Sebagian besar kelangsungan hidup seni istana adalah patung monumental, di atas semua relief, ibu kota kolom Persia berkepala binatang ganda dan patung Persepolis lainnya.[ 6]
Meskipun Persia mengambil seniman, dengan gaya dan teknik mereka, dari seluruh penjuru kerajaan mereka, mereka tidak hanya menghasilkan kombinasi gaya, tetapi sintesis dari gaya Persia baru yang unik.[ 7] Cyrus the Great sebenarnya memiliki warisan Iran kuno yang luas di belakangnya; karya emas Akhemeniyah yang kaya, yang menurut prasasti mungkin merupakan spesialisasi Media, misalnya dalam tradisi situs-situs sebelumnya.
Ada sejumlah perhiasan atau tatahan yang sangat bagus dalam logam mulia, juga sebagian besar menampilkan hewan, dan Harta Karun Oxus memiliki berbagai pilihan jenis. Potongan-potongan kecil, biasanya dari emas, dijahit ke pakaian oleh elit, dan sejumlah torc emas telah bertahan.[ 6]
Bantuan dari Persepolis (Iran) yang mewakili orang-orang yang membawa mangkuk dan amphora
Seni Fenisia tidak memiliki karakteristik unik yang mungkin membedakannya dari yang sezamannya. Hal ini disebabkan oleh pengaruhnya yang sangat besar oleh budaya artistik asing: terutama Mesir, Yunani, dan Asyur. Orang Fenisia yang diajarkan di tepi Sungai Nil dan Efrat memperoleh pengalaman artistik yang luas dan akhirnya datang untuk menciptakan seni mereka sendiri, yang merupakan campuran dari model dan perspektif asing.[ 8] Dalam sebuah artikel dari The New York Times yang diterbitkan pada 5 Januari 1879, seni Fenisia digambarkan sebagai berikut:
Dia masuk ke dalam pekerjaan pria lain dan membuat sebagian besar warisannya. Sphinx Mesir menjadi Asiatik, dan bentuk barunya dipindahkan ke Nineveh di satu sisi dan ke Yunani di sisi lain. Roset dan pola lain dari silinder Babiloniadiperkenalkan ke dalam karya Phoenicia, dan diteruskan ke Barat, sementara pahlawan epik Kasdim kuno pertama-tama menjadi Tyrian Melkarth, dan kemudian Herakles of Hellas.
Seni Arab Pra-Islam terkait dengan budaya tetangga. Yaman pra-Islam menghasilkan kepala pualam bergaya dengan pesona estetika dan sejarah yang luar biasa. Sebagian besar patung pra-Islam terbuat dari pualam.
Arkeologi telah mengungkapkan beberapa peradaban awal yang menetap di Arab Saudi: peradaban Dilmun di timur Semenanjung Arab, Thamud di utara Hejaz, dan peradaban Kinda dan Al-Magar di tengah Semenanjung Arab. Peristiwa paling awal yang diketahui dalam sejarah Arab adalah migrasi dari semenanjung ke daerah tetangga.[ 9] Pada zaman kuno, peran masyarakat Arab Selatan seperti Saba (Sheba) dalam produksi dan perdagangan aromatik tidak hanya membawa kekayaan kerajaan seperti itu tetapi juga mengikat semenanjung Arab ke dalam jaringan perdagangan, menghasilkan pengaruh artistik yang luas.
Tampaknya mungkin bahwa sebelum sekitar 4000 SM iklim Arab agak lebih basah daripada hari ini, diuntungkan dari sistem monsun yang telah pindah ke selatan.[kutipan diperlukan] Selama akhir milenium keempat SM pemukiman permanen mulai muncul, dan penduduk menyesuaikan diri dengan kondisi pengering yang muncul. Di Arab barat daya (Yemen modern) iklim yang lebih lembab mendukung beberapa kerajaan selama milenium kedua dan pertama SM. Yang paling terkenal adalah Sheba, kerajaan Ratu Sheba yang alkitabiah. Masyarakat ini menggunakan kombinasi perdagangan rempah-rempah dan sumber daya alam daerah, termasuk aromatik seperti kemenyan dan mur, untuk membangun kerajaan kaya. Mārib, ibu kota Sabaean, memiliki posisi yang baik untuk memasuki Mediterania serta perdagangan Timur Dekat, dan di kerajaan-kerajaan di timur, di tempat yang sekarang disebut Oman, hubungan perdagangan dengan Mesopotamia, Persia, dan bahkan India dimungkinkan. Daerah itu tidak pernah menjadi bagian dari kekaisaran Asyuratau Persia, dan bahkan kendali Babilonia atas Arab barat laut tampaknya relatif berumur pendek. Kemudian upaya Romawi untuk mengendalikan perdagangan yang menguntungkan di wilayah itu gagal. Ketidaktembusan terhadap tentara asing ini tidak diragukan lagi meningkatkan daya tawar penguasa kuno dalam perdagangan rempah-rempah dan dupa.
Meskipun tunduk pada pengaruh eksternal, Arab Selatan mempertahankan karakteristik khusus untuk dirinya sendiri. Sosok manusia biasanya didasarkan pada bentuk persegi yang kuat, pemodelan detail yang halus kontras dengan kesederhanaan bentuk yang bergaya.
Prasasti laki-laki yang mengenakan baldric; milenium ke-4 SM; batu pasir; tinggi: 92 cm; dari Al-'Ula (Arab Saudi); dalam pameran sementara di Museum Nasional Korea (Seoul), bernama Roads of Arabia: Harta Karun Arkeologi Arab Saudi
Pembakar dupa; pertengahan milenium ke-1 SM; perunggu; tinggi: 27,6 cm, lebar: 23,7 cm; kedalaman: 23,3 cm; dari Arab Barat Daya; Museum Seni Metropolitan
Kepala Arab Selatan; 300-1 SM; pualam; tinggi: 20,5 cm, panjang: 11 cm, kedalaman: 8,5 cm; Louvre
Ibukota pilar yang didekorasi dari istana kerajaan Shabwa; konteks stratigrafi: paruh pertama abad ke-3 SM; Museum Nasional Yaman (Aden)
Prasasti pemakaman; abad ke 1-3 Masehi; pualam; tinggi: 55 cm, lebar: 29 cm, kedalaman: 8 cm; Louvre
Pembakar parfum dengan ibex; abad ke-1–3 M; batu kapur; dari Yaman; tinggi: 30 cm, lebar: 24 cm, kedalaman: 24 cm; Louvre
Prasasti pemakaman figuratif Bahrain; sekitar abad ke 2-3; paviliun Bahrain Expo 2015 (Milan, Italia)
Karena sifat peradaban Mesir Kuno yang sangat religius, banyak karya besar Mesir kuno menggambarkan dewa, dewi, dan Firaun, yang juga dianggap ilahi. Ide ketertiban mencirikan seni Mesir kuno. Garis yang jelas dan sederhana dikombinasikan dengan bentuk sederhana dan area warna yang rata membantu menciptakan rasa ketertiban dan keseimbangan dalam seni Mesir kuno. Seniman Mesir Kuno menggunakan garis referensi vertikal dan horizontal untuk mempertahankan proporsi yang benar dalam karya mereka. Tatanan politik dan agama, serta artistik, juga dipertahankan dalam seni Mesir. Untuk mendefinisikan hierarki sosial suatu situasi dengan jelas, tokoh-tokoh ditarik ke ukuran yang tidak didasarkan pada jarak mereka dari perspektif pelukis tetapi pada kepentingan relatif. Misalnya, Firaun akan digambar sebagai sosok terbesar dalam sebuah lukisan di mana pun dia berada, dan Tuhan yang lebih besar akan digambar lebih besar daripada dewa yang lebih rendah.
Simbolisme juga memainkan peran penting dalam membangun rasa ketertiban. Simbolisme, mulai dari regalia Firaun (melambangkan kekuatannya untuk menjaga ketertiban) hingga simbol individu dewa dan dewi Mesir, ada di mana-mana dalam seni Mesir. Hewan biasanya juga merupakan tokoh yang sangat simbolis dalam seni Mesir. Warna, juga, memiliki makna yang diperluas—biru dan hijau mewakili Sungai Nil dan kehidupan; kuning mewakili dewa matahari; dan merah mewakili kekuatan dan vitalitas. Warna-warna dalam artefak Mesir telah bertahan dengan sangat baik selama berabad-abad karena iklim kering Mesir.
Meskipun bentuk kaku disebabkan oleh kurangnya perspektif, seni Mesir kuno seringkali sangat realistis. Seniman Mesir kuno sering menunjukkan pengetahuan anatomi yang canggih dan perhatian terhadap detail, terutama dalam rendering hewan mereka. Selama Dinasti ke-18 Mesir, seorang Firaun dengan nama Akhenaton naik takhta dan menghapuskan politeisme tradisional. Dia membentuk agama monoteistik berdasarkan pemujaan Aten, dewa matahari. Perubahan artistik mengikuti pergolakan politik. Gaya seni baru diperkenalkan yang lebih naturalistik daripada dekorasi bergaya yang disukai dalam seni Mesir selama 1700 tahun sebelumnya. Namun, setelah kematian Akhenaton, seniman Mesir kembali ke gaya lama mereka.
Faience yang diproduksi pada zaman kuno Mesir sedini 3500 SM sebenarnya lebih unggul dari gerabahberlapis timah dari abad ke-15 Eropa.[ 10] Fiksi Mesir Kuno tidak terbuat dari tanah liat melainkan sebenarnya dari keramik yang terutama terdiri dari kuarsa.
Prasasti Putri Nefertiabet makan; 2589-2566 SM; batu kapur & cat; tinggi: 37,7 cm, panjang: 52,5 cm, kedalaman: 8,3 cm; dari Giza; Louvre (Paris)
Peradaban terbesar Zaman Perungguadalah peradaban Minoa, orang-orang merkantilis yang membangun kerajaan perdagangan dari tanah air mereka di Kreta dan dari pulau-pulau Aegea lainnya. Peradaban Minoan dikenal dengan keramiknya yang indah, tetapi juga dengan lukisan dinding, lanskap, dan ukiran batunya. Pada periode Minoan awal, keramik dicirikan oleh spiral, segitiga, garis lengkung, salib, dan motif tulang ikan. Pada periode Minoan tengah, desain naturalistik seperti ikan, cumi-cumi, burung, dan bunga lili adalah hal yang umum. Pada akhir periode Minoan, bunga dan hewan masih menjadi yang paling khas, tetapi variabilitas telah meningkat. 'Gaya istana' wilayah di sekitar Knossos ditandai dengan penyederhanaan geometris yang kuat dari bentuk naturalistik dan dengan lukisan monokromatik. Istana di Knossos dihiasi dengan lukisan dinding yang menunjukkan aspek kehidupan sehari-hari, termasuk ritual istana dan hiburan seperti bull-leaping dan tinju. Orang Minoa adalah tukang emas terampil yang menciptakan liontin dan topeng yang indah. "Liontinalia" yang terkenal dari zaman Minoan, ditemukan di Chryssolakkos dan sekarang dipajang di Museum Arkeologi Heraklion, adalah contoh dari bengkel emas berkualitas tinggi.[ 11]
Liontin Malia, permata Minoan yang ikonik; 1700-1600 SM; emas; lebar: 4,6 cm; dari kompleks Chrysolakkos (lubang emas) di Malia; Museum Arkeologi Heraklion[12]
Fresko bernama Bull-Leaping Fresco; 1675-1460 SM; plester kapur; tinggi: 0,8 m, lebar: 1 m; dari istana di Knossos (Crete); Museum Arkeologi Heraklion
Fresco Tribun; 1675-1460 SM; plester kapur; tinggi (tanpa batas): 26 cm; dari Istana Knossos; Museum Arkeologi Heraklion
Dewi ular; 1460-1410 SM (dari Periode Neo-palatial Minoa); faience; tinggi: 29,5 cm; dari Repositori Kuil di Knossos; Museum Arkeologi Heraklion[14]
Sarkofagus Hagia Triada; 1370-1315 SM; batu kapur; panjang: 1,4 m, tinggi: 0,9 m; dari Kamar Makam 4 di Hagia Triada, dekat Phaistos (Crete); Museum Arkeologi Heraklion[15]
Seni Mycenaean dekat dengan Minoan dan mencakup banyak temuan indah dari kuburan kerajaan, yang paling terkenal adalah Topeng Agamemnon, topeng pemakaman emas. Seperti yang dapat dilihat dari item ini, Mycenaeans mengkhususkan diri dalam pengerjaan emas. Karya seni mereka dikenal dengan sejumlah besar motif dekoratif yang digunakan. Pada titik tertentu dalam sejarah budaya mereka, orang-orang Mycenaean mengadopsi dewi Minoan dan mengaitkan dewi-dewi ini dengan dewa langit mereka; para sarjana percaya bahwa jajaran dewa Yunani tidak mencerminkan agama Mycenaean kecuali para dewi dan Zeus. Dewi-dewi ini, bagaimanapun, berasal dari Minoan.
Seni Yunani kuno mencakup banyak tembikar dan patung, serta arsitektur. Patung Yunani dikenal dengan contrapposto berdiri dari tokoh-tokoh. Seni Yunani Kuno biasanya dibagi secara gaya menjadi tiga periode: Archaic, Classical, dan Hellenistic. Sejarah tembikar Yunani Kuno dibagi secara gaya menjadi beberapa periode: Protogeometric, Geometric, Late Geometric atau Archaic, Black Figure, dan Red Figure. Seni Yunani kuno telah bertahan paling berhasil dalam bentuk patung dan arsitektur, serta dalam seni kecil seperti desain koin, tembikar, dan ukiran permata.
Bentuk lukisan Yunani Kuno yang paling bergengsi adalah lukisan panel, sekarang hanya dikenal dari deskripsi sastra; mereka binasa dengan cepat setelah abad ke-4 Masehi ketika mereka tidak lagi dilindungi secara aktif. Hari ini tidak banyak yang bertahan dari lukisan Yunani, kecuali lukisan mumi akhir dan beberapa lukisan di dinding makam, sebagian besar di Makedonia dan Italia. Lukisan di atas tembikar, yang banyak bertahan, memberikan beberapa rasa estetika lukisan Yunani. Teknik yang terlibat, bagaimanapun, sangat berbeda dari yang digunakan dalam lukisan format besar-. Itu terutama dalam warna hitam dan emas dan dicat menggunakan cat yang berbeda dari yang digunakan pada dinding atau kayu, karena itu adalah permukaan yang berbeda.
Parthenon di Akropolis Athena, kuil Yunani Doric paling ikonik yang dibangun dari marmer dan batu kapur di antara c. 460-406 SM, didedikasikan untuk dewi Athena[17]
Cermin dengan penyangga dalam bentuk wanita terbungkus; pertengahan abad ke-5 SM; perunggu; tinggi: 40,41 cm; Museum Seni Metropolitan
Calyx-krater; 400-375 SM; keramik; tinggi: 27,9 cm, diameter: 28,6 cm; dari Thebes (Yunani); Louvre
Seni Etruscan diproduksi oleh peradaban Etruscan di Italia tengah antara abad ke-9 dan ke-2 SM. Dari sekitar 600 SM itu sangat dipengaruhi oleh seni Yunani, yang diimpor oleh Etruscans, tetapi selalu mempertahankan karakteristik yang berbeda. Yang sangat kuat dalam tradisi ini adalah patung figuratif di terakota (terutama seukuran aslinya pada sarkofagus atau kuil), lukisan dinding, dan pengerjaan logam, terutama perunggu. Perhiasan dan permata berukir berkualitas tinggi diproduksi.[ 21]
Patung Etruscan dalam perunggu cor terkenal dan diekspor secara luas, tetapi relatif sedikit contoh besar yang bertahan (bahannya terlalu berharga, dan didaur ulang kemudian). Berbeda dengan terakota dan perunggu, ada relatif sedikit patung Etruscan di batu, meskipun Etruscan mengendalikan sumber marmer halus, termasuk marmer Carrara, yang tampaknya tidak dieksploitasi sampai Romawi.
Sebagian besar kelangsungan hidup berasal dari makam, yang biasanya penuh dengan sarkofagus dan barang-barang kuburan, dan fragmen terakota dari patung arsitektur, sebagian besar di sekitar kuil. Makam telah menghasilkan semua lukisan dinding fresco, yang menunjukkan adegan pesta dan beberapa subjek mitologis naratif.
Maison Carrée di Nîmes (Prancis), salah satu kuil Romawi Kuno yang paling terlestarikan, difoto dari dua sudut
Secara umum dikatakan bahwa seni Romawi adalah turunan dari seni Yunani dan Etruska. Memang, vila-vila orang Romawi kaya yang digali di Pompeii dan Herculaneum menunjukkan kecenderungan yang kuat untuk semua hal tentang bahasa Yunani. Banyak karya seni Yunani yang paling signifikan bertahan berdasarkan interpretasi dan imitasi Romawi mereka. Seniman Romawi berusaha untuk memperingati peristiwa besar dalam kehidupan negara mereka dan untuk memuliakan kaisar mereka serta mencatat kehidupan batin orang-orang, dan mengekspresikan ide-ide keindahan dan kemuliaan. Patung mereka, dan terutama gambar individu di batu nisan, sangat ekspresif dan hidup, selesai dengan keterampilan dan panache.
Di Yunani dan Roma, lukisan dinding tidak dianggap seni tinggi. Bentuk seni paling bergengsi selain patung adalah lukisan panel, yaitu lukisan tempera orencausticpada panel kayu. Sayangnya, karena kayu adalah bahan yang mudah rusak, hanya sedikit contoh lukisan seperti itu yang bertahan, yaitu Tondo Severan dari sekitar tahun 200 M, potret resmi yang sangat rutin dari beberapa kantor pemerintah provinsi, dan potret mumi Fayum yang terkenal, semuanya dari Mesir Romawi, dan hampir pasti bukan kualitas kontemporer tertinggi. Potret-potret itu melekat pada mumi pemakaman di wajah, dari mana hampir semuanya sekarang telah terlepas. Mereka biasanya menggambarkan satu orang, menunjukkan kepala, atau kepala dan dada bagian atas dilihat dari depan. Latar belakangnya selalu monokrom, terkadang dengan elemen dekoratif. Dalam hal tradisi artistik, gambar-gambar itu jelas lebih berasal dari tradisi Yunani-Romawi daripada yang Mesir. Mereka sangat realistis, meskipun bervariasi dalam kualitas artistik, dan mungkin menunjukkan seni serupa yang tersebar luas di tempat lain tetapi tidak bertahan. Beberapa potret yang dilukis di atas kaca dan medali dari kekaisaran kemudian telah bertahan, seperti halnya potret koin, beberapa di antaranya dianggap sangat realistis juga. Pliny the Younger mengeluhkan keadaan seni potret Romawi yang menurun, "Lukisan potret yang digunakan untuk mentransmisikan selama berabad-abad kemiripan orang yang akurat, telah sepenuhnya keluar [...] Indolence telah menghancurkan seni."
Patung perunggu seorang filsuf di atas dudukan lampu; akhir abad ke-1 SM; perunggu; keseluruhan: 27,3 cm; berat: 2,9 kg; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
Patung pertama di India berasal dari peradaban Lembah Indus sekitar 5.000 tahun yang lalu ketika ukiran batu kecil dan coran perunggu telah ditemukan. Kemudian, ketika Hindu, Buddhisme, dan Jainisme berkembang lebih jauh, India menghasilkan beberapa perunggu paling rumit di dunia, serta ukiran kuil yang tak tertandingi, beberapa di kuil-kuil besar, seperti yang ada di Ellora.
Gua Ajanta di Maharashtra, India adalah monumen gua rock-cut yang berasal dari abad kedua SM dan berisi lukisan dan patung yang dianggap sebagai mahakarya seni keagamaan Buddha dan seni bergambar universal.[ 22]
Segel perangko dan kesan modern: unicorn dan pembakar dupa (?) ; 2600-1900 SM; burntsteatite; 3,8 × 3,8 × 1 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
Salah satu peninggalan artistik Tiongkok kuno yang paling terkenal tetap menjadi prajurit Terakota, kumpulan 8.099 individu dan figur terakota seukuran aslinya (seperti infanteri, kuda dengan kereta dan kavaleri, pemanah, dan perwira militer), dimakamkan di makam Qin Shi Huang, Kaisar Qin Pertama, pada 210 SM. Tradisi ini dibawa ke Dinasti Han berikutnya, meskipun makam mereka berisi versi miniatur tentara selain pembantu rumah tangga untuk melayani penguasa dan bangsawan di akhirat. Seni Tiongkok bisa dibilang menunjukkan lebih banyak kesinambungan antara periode kuno dan modern daripada peradaban lainnya, karena bahkan ketika dinasti asing mengambil tahta Kekaisaran, mereka tidak memaksakan kebiasaan budaya atau agama baru dan relatif cepat berasimilasi.
Patung berdiri seorang raja dan pemimpin dukun; c. 1200–1000 SM; mungkin perunggu; tinggi total: 2,62 m; Museum Sanxingdui (Guanghan, provinsi Sichuan, Cina)
Set altar; akhir abad ke-11 SM; perunggu; keseluruhan (meja): tinggi: 18,1 cm, lebar: 46,4 cm, kedalaman: 89,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
Era seni Jepang sesuai dengan lokasi berbagai pemerintah. Artefak Jepang paling awal yang diketahui disebabkan oleh suku Aniu, yang mempengaruhi orang-orang Jōmon, dan era ini kemudian dikenal sebagai periode waktu Jōmon dan Yayoi. Sebelum Yayoi menginvasi Jepang, Jimmu pada 660 SM adalah kaisar yang dimahkotai. Kemudian datanglah Haniwa dari era Kofun, kemudian Asuka ketika agama Buddha mencapai Jepang dari Tiongkok. Agama mempengaruhi seni Jepang secara signifikan selama berabad-abad setelahnya.[ 23]
Dogū; 1000–300 SM; gerabah dengan hiasan bertanda tali dan iris; tinggi: 16,5 cm, lebar: 16,2 cm, kedalaman: 7,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
"Kapal Burung" Olmec kuno dan mangkuk, keduanya keramik dan berasal dari sekitar 1000 SM serta keramik lainnya diproduksi dalam kiln yang mampu melebihi sekitar 900 °C. Satu-satunya budaya prasejarah lainnya yang diketahui telah mencapai suhu setinggi itu adalah Mesir Kuno.[ 10]
Banyak seni Olmec sangat bergaya dan menggunakan ikonografi yang mencerminkan makna religius dari karya seni. Beberapa seni Olmec, bagaimanapun, secara mengejutkan naturalistik, menampilkan akurasi penggambaran anatomi manusia yang mungkin disamai di Dunia Baru pra-Columbus hanya oleh seni era Klasik Maya terbaik. Bentuk seni Olmec menekankan patung monumental dan ukiran batu giok kecil. Tema umum dapat ditemukan dalam representasi jaguar ilahi. Patung-patung Olmek juga ditemukan secara melimpah selama periode mereka.
Kepala Kolosal N° 1 dari San Lorenzo. Seorang tokoh sejarah, kemungkinan seorang pemimpin Olmec, digambarkan dalam patung monumental ini yang ditemukan di San Lorenzo (di Tabasco, Meksiko), pusat utama Olmec
Patung duduk; abad ke-12–9 SM; keramik yang dicat; tinggi: 34 cm, lebar: 31,8 cm, kedalaman: 14,6 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)
Kapal berbentuk burung; abad ke-12–9 SM; keramik dengan redochre; tinggi: 16,5 cm; Museum Seni Metropolitan
V. M. Masson, "Zaman Perunggu di Khorasan dan Transoxiana", bab 10 di A.H. Dani dan Vadim Mikhaĭlovich Masson (eds.), Sejarah peradaban Asia Tengah, volume 1: Fajar peradaban: paling awal hingga 700 SM (1992).
Caubet, Annie (2019). Idols Kekuatan Gambar. Publikasi Internasional Rizzoli. hal. 221. ISBN 978-88-572-3885-2.
Periode Kuno dimulai sekitar 750 SM—mengikuti so- yang disebut Zaman Kegelapan Yunani, yang telah ditandai oleh runtuhnya sistem sosial ekonomi dan penghancuran situs-situs Mycenaean. Selama periode Archaic populasi Yunani meningkat, dan poleis (negara kota) didirikan, termasuk Athena, di mana Solon meletakkan dasar demokrasi dengan memperkenalkan reformasi untuk memerangi penurunan moral dan utang ekonomi. Periode tersebut mendorong perkembangan alfabetYunani serta pembungaan sastra di tangan penyair seperti Homer, penulis Iliad dan Odyssey, dan Archilochus, yang memperkenalkan puisi lirik dan lirik pribadi.
Gaya Geometris (c. 900-700BCE) memberi jalan kepada gaya "Orientalisasi" (c. 700–625), yang sangat dipengaruhi oleh dunia budaya Mediterania timur (terutama Mesir), menggarisbawahi interaksi antarbudaya pada periode tersebut. Baik tembikar figur hitam dan rekan figur merah berikutnya memainkan peran penting dalam pembentukan tembikar Kuno. Pemuda berdiri kouros dan kore mencontohkan perkembangan dalam patung, sedangkan ordo Doric dan Ionic tersebar luas dalam arsitektur. Peristiwa besar termasuk Olimpiade Kuno pertama pada tahun 776, dan pendirian Roma pada tahun 753.
Periode Klasik dimulai pada 510 SM dengan penggulingan tiran Athena Hippias.Cleisthenes, pendiri demokrasi Athena, memperkenalkan institusi isonomi—berdasarkan hak yang sama, meskipun hanya untuk warga negara laki-laki—dan pengucilan, di mana warga negara dapat diusir dari kota selama 10 tahun. Pembagian negara-kotanya menjadi 30 trittyes (tiga suku) dan 10 suku dikatakan telah menumbuhkan kesetaraan yang lebih besar. Perang Yunani-Persia (492–449) menyatukan banyak negara-kota Yunani dalam mengejar tujuan bersama dan diakhiri dengan kekalahan Kekaisaran Akhemenian dan mendorong pembentukan Liga Dekan di bawah kepemimpinan Athena. Supremasi negara kota itu menyebabkan Perang Peloponnesia (431–404), berperang melawan Sparta, yang dominasi militernya di Mediterania kontras dengan keunggulan budaya Athena. Perang berakhir dengan kemenangan Sparta dan pemaksaan Tiga Puluh Tiran (404–403) di Athena. Namun, masa Sparta sebagai polis Yunani paling kuat berumur pendek. Abad ke-4 menyaksikan kebangkitan Thebes dan, pada tahun 337, penciptaan Liga Korintus, yang dipimpin oleh Filipus II dari Makedonia.
Sementara itu, Roma, yang menjadi republik setelah berakhirnya monarki pada 509 SM, mengumpulkan serangkaian kemenangan yang menegaskan statusnya sebagai kekuatan regional yang berkembang. Diantaranya adalah kekalahan Kartago dalam Perang Punisia (264-1646) dan kekalahan Makedonia dalam Perang Makedonia (abad ke-3 dan ke-2). Bangsa Romawi membangun insulae, saluran air, jembatan, pemandian umum, kuil, forum, dan pasar. Di bawah Augustus (memerintah 27 SM-14 M) republik menjadi sebuah kerajaan yang kemakmuran ekonominya didorong oleh apa yang disebut Pax Romana, yang mendorong perdagangan yang lebih besar. Roma mencapai tingkat terbesarnya di bawah kaisar Trajan (memerintah 98-17). Kontrolnya atas Mediterania dan statusnya sebagai sebuah kerajaan dikonfirmasi oleh banyaknya prestasi arsitektur yang spektakuler, termasuk saluran air di Segovia, Spanyol, dan Hadrian's Arch di Yordania. Krisis abad ke-3 menandakan kejatuhan Kekaisaran Romawi Barat di tangan suku barbar Jerman, namun ini tidak akan terjadi sampai tahun 476, mengakhiri periode zaman kuno Klasik.
SENI YUNANI
Dengan kedatangan bangsa Doria di jazirah Yunani, kepulauan Aegea dan daerah pantai Asia minor, muncullah suatu kebudayaan yang kelak akan menjadi inti dari kebudayaan barat. Seperti halnya bangsa Creta, bangsa yang masyarakatnya juga bertumpu pada sektor perniagaan laut. Hal ini menyebabkan masyarakatnya tumbuh menjadi masyarakat yang individualistis. Namun demikian, dalam perkembangan selanjutnya, terjadilah perubahan yaitu keluarga-keluarga kuat menjadikan diri mereka sendiri kelas yang lebih atas (aristokrat), dan para pemimpin militer menjadi penguasa tanah. Untuk merekalah cerita-cerita kepahlawanan seperti “Lliad dan Odyssey”, karangan Homer tercipta, sebagai kristalisasi lagu-lagu kepahlawanan yang dinyanyikan bangsa Ionia secara turun temurun. Bangsa Ionia ini adalah bangsa lain yang menduduki wilayah Aegea dan Asia Minor, yang merupakan percampuran antara Mycenae dan Achae.
Bangsa Doria dan Ionia merupakan dua suku asli yang besar, yang membentuk bangsa Yunani. Suku Doria memiliki sifat kasar, kaku dan kebanggaan yang besar terhadap diri sendiri, sedangkan suku Ionia dikenal memiliki sifat lembut, sederhana dan terbuka.Dengan perbedaan yang menyolok tersebut, bangsa Yunani justru dapat menciptakan keseimbangan pada kemasyarakatan dan ketatanegaraannya.
Walaupun Yunani terkenal dengan kebudayaan yang tinggi (terutama dalam hal politik, seni dan filsafat), bangsa Yunani sedikit tertutup terhadap masuknya unsur kebudayaan dari luar. Tahap awal pembentukkan seni Yunani terjadi sekitar 1000 – 600 SM, dimana terdapat momen yang paling terkenal, yaitu pertama kalinya di dunia diselenggarakannya pesta olah raga Olympiade pada tahun 776 SM. Dalam pembentukkannya, Yunani dapat diklasifikasikan dalam empat masa, yaitu:
Masa Geometrik
Masa ini dinamakan demikian karena karya-karya yang dibuat pada masa ini, baik bangunan maupun patung, dibuat dengan perhitungan-perhitungan matematis, dengan bentukan-bentukan geometris. Contohnya adalah bentuk lingkaran, garis-garis sejajar, segitiga dan lain- lain. Pada masa ini, dewa-dewa mereka sangat diagungkan dan dihormati. Penghormatan tersebut dilakukan dengan cara membuat patung-patung dengan ukuran besar, dan ditempatkan pada suatu kuil yang besar dan megah. Dalam hal arsitekturnya, Yunani pada masa ini memiliki ciri khas, yaitu dengan adanya tiga jenis kolom yang muncul yaitu:
Kolom Doric
Kolom Doric mempunyai ciri desain bentukkan pada kepala colom (Capital) yang masih sederhana, dengan sedikit sekali hiasan, atau bahkan polos tanpa hiasan.
Kolom Ionic
Kolom Ionic mempunyai ciri pada desain bagian kepalanya mulai menampilkan hiasan dan penambahan bentuk lingkaran yang memusat pada setiap sisinya (scroll).
Kolom Corinthian
Kolom ini memiliki hiasan yang lebih banyak. Kolom Corinthian adalah pengembangan dari kolom Ionic, tetapi ditambahkan hiasan daun-daunan yang diambil dari bentuk daun Achantus (sejenis tanaman air).
Masa Archais
Pada awal abad 700 SM terjadilah pembentukkan seni Yunani yang utuh. Pola ini bisa terbentuk karena terdorong oleh kebiasaan agama yang sama, adanya seni sastra nasional pertama dan penyelenggaraan pesta olah raga Olympiade yang pertama. Di masa ini masyarakat juga mulai mengenal sistim keuangan yang menggunakan mata uang (coin), serta berkembangnya huruf Yunani yang diambil dari alfabet Phoenicia.
Dalam hal arsitektur, terjadi perkembangan dalam karya- karya kuilnya. Kuil-kuil pada masa ini tampil monumental dengan ciri geometris yang masih kuat, baik bentukan maupun ukurannya. Contohnya adalah kuil Zeus di Olympia. Masa Archais ditandai dengan pemunculan seni patung. Hal ini muncul dari kebutuhan pemujaan, pada awalnya dewa- dewa Yunani berasal dari kekuatan alam, kemudian menjadi antropomorphis (mengambil bentuk manusia sebagai perwujudannya).Patung-patung Archais ini mirip dengan patung di Mesir. Dalam kekakuan bentuk dan sikap, tetapi ada beberapa perubahan prinsip.
Patung Archais bukanlah patung peringatan, melainkan patung Dewa yang dihidupkan. Ciri-cirinya patung Archais adalah sudah berdiri sendiri dan diberikan senyuman untuk memberikan kesan hidup (Archais Smile).
Patung-patung ini terdiri dari patung dewa laki-laki (Kouros), dan patung dewa wanita (Kourai). Selain membuat patung, mereka juga membuat relief sebagai hiasan kuil, dalam teknik relief tinggi.
Dalam masa Archais, mulai muncul gaya Doric. Beberapa bangunan yang didirikan pada masa Archais bergaya Doric adalah: Bangunan Basilica di Paestum (550 SM0, Kuil Poseidon di Paestum(460 SM), Kuil Parthenon di Acropolis, Athena (448-432 SM), dan Propylae (437 M), pintu gerbang dari Kuil Parthenon. Kuil-kuil ini adalah bagian dari satu komplek keagamaan yang dibangun oleh Pericles, seorang pemimpin besar Athena. Dirancang olek arsitek Ichtinus dan Callicrates. Seluruhnya terbuat dari marmer.
Masa Classic
Gaya yang berkembang dalam masa Classic Yunani adalah gaya Ionia. Gaya ini berasal dari Asia Minor. Beberapa bangunan yang didirikan dengan gaya Ionia adalah: Kuil Nike dari Acropolis, sebuah bangunan Ionic pertama yang masih bercampur dengan gaya Doric, serta bangunan Kuil Erechteum dari Acropolis (421-405 SM). Kuil ini kemungkinan dibuat oleh Mnesicles juga. Bangunan ini memiliki teras di sebelah kanan-kiri ruang utamanya, selain itu, tiang-tiangnya dibuat menyerupai patung wanita yang sebenarnya.
Masa Classic ini juga ditandai dengan pemunculan beberapa pemikir, seperti Socrates, Plato dan Aristoteles yang banyak berperan dalam pembentukan seni Classic Yunani.
Jika Seni Archaic lebih banyak didominasi oleh bangunan arsitektur, maka seni Classic Yunani ditandai oleh seni patung. Pemunculan para filsuf pada masa ini banyak mempengaruhi perkembangan seni patung tersebut. Filsuf- filsuf yang berpengaruh tersebut diantaranya adalah:
A. Socrates (470-399 SM)
Tidak banyak meninggalkan tulisan-tulisan. Semua pemikirannya diteruskan oleh muridnya yang bernama Plato
B. Plato (427-347)
Pemikiran Plato mengenai seni memiliki tiga faktor utama, yaitu: 1. Hal Techne (teknik) Prinsip utama dalam membuat karya seni adalah ukuran dan proporsi. Seorang seniman yang baik harus mengetahui betul ukuran yang dan proporsi yang betul, dalam hal ini karya seni patung.
2. Mimesis (tiruan)
Benda atau bentuk yang paling ideal hanya bisa diciptakan oleh dewa yang tertinggi (Demiuorgus), manusia hanya mampu membuat tiruannya belaka. 3. Konsep Kerasukan
Bahwa jika seorang seniman mampu menciptakan tiruan yang sangat baik, pasti seniman tersebut kerasukan semangat para dewa. Ilham inilah yang membuatnya bisa menciptakan karya seni yang sangat baik.
C. Aristoteles (384-322 SM)
Aristoteles adalah murid dari Plato yang banyak mengembangkan pikiran gurunya. Tetapi tidak semua pemikiran Plato ia setujui, terutama yang berhubungan dengan konsep seni. Dalam membahas masalah “Techne”, ia mengatakan bahwa seni adalah suatu kemampuan untuk mencipta. Tujuanlah yang akan menentukan cara yang paling baik untuk mencipta seni dengan standar tertinggi dari keterampilan. Unsur-unsur yang menentukan standar ini adalah simetri, harmoni dan keteraturan. Mengenai konsep “Mimesis”, menurut Plato bisa meracuni pikiran manusia dalam mencari kebenaran, sedangkan menurut Aristoteles, seni pada umumnya adalah baik, karena bisa memperbaiki kekurangan yang ada di alam, serta dapat memperbaiki moral.
Konsep “Techne dan Mimesis” inilah yang mendorong seni Yunani kepada bentuk yang paling ideal. Hal ini tampak pada penciptaan karya-karya patung dan lainnya. Perkembangan dalam seni patung Classic terjadi dengan munculnya konsep Contrapposto, dimana patung tidak lagi berdiri tegak seperti patung Kouros atau Kourai. Posisi patung menjadi lebih santai dengan berdiri pada satu kaki, lutut kanan lebih rendah dari lutut kiri, sikap pinggul agak miring, dan posisi tulanpunggung tidak lagi tegak lurus, melainkan berbentuk “S” terbalik.
Masa Hellenis
Masa ini merupakan masa pasca Pericles, dalam berkembangnya merupakan kerajaan yang dipimpin oleh Alexander Agung. Sistem pemerintahan “City State” mulai ditinggalkan, dan sistem tatanegara berganti menjadi kerajaan. Alexander Agung terkenal sebagai raja yang rajin berperang, sehingga kurang memperhatikan perkembangan karya seni di Yunani. Memang ada beberapa bidang seni seperti arsitektur dengan gaya Ionicnya mencapai puncak keemasannya. Beberapa karya arsitektur pada masa Hellenis ini adalah Kuil Apollo dan Puri Basilika di Delos. Pada karya seni patung, patung dibuat dengan wujud tiga dimensional yang lebih utuh. Pada masa Hellenis, telah mulai dikenal konsep perencanaan kota (city planning) yang didasari atas perhitungan matematik, sistem grid dan garis-garis geometris.
KEBUDAYAAN ROMAWI
Awal Peradaban
Wilayah kawasan Romawi adalah daerah berupa semenanjung (sekarang Semenanjung Italia), yang menjorok ke Laut Mediterania. Di bagian barat, merupakan daerah pantai yang berkontur landai dengan sungai Tiber bermuara di sisinya, menjadikan daerah ini sebagai daerah pelabuhan dan pelayaran yang cukup baik dan strategis. Berbeda halnya dengan sisi bagian timur yang tanahnya sedikit berpegunungan dengan kontur pantai yang curam.
Nenek moyang bangsa Romawi adalah bangsa Latium, disamping ada juga percampuran dengan bangsa Atrusia dan bangsa Yunani yang umumnya pendatang dari sisi utara pegunungan Alpen. Kedatangan bangsa-bangsa lain ke Romawi mempengaruhi perkembangan kebudayaan Romawi. Hal ini disebabkan karena para bangsa pendatang ini membawa serta kebudayaan asal daerah dan bangsa mereka. Bangsa Yunani membawa budaya gaya Doric dan Ionic. Bangsa dari kawasan Mesopotamia, membawa bentukan- bentukan model struktur busur lengkung dan kubah.
Seni Etrusca
Bangsa lain yang turut mempengaruhi perkembangan awal kebudayaan Romawi adalah bangsa Etruskan, yaitu bangsa pelaut dari Mesopotamia. Bangsa Etruskan banyak memberikan sumbangan kepada Romawi bagaimana membuat batu cetak dan struktur Arch (busur atau lengkungan) untuk bangunan-bangunan dengan bentangan lebar.
Bangsa atau kebudayaan Etruskan sangat sering dibicarakan, karena walaupun berusia pendek dan tidak terlalu menonjol, bangsa ini selain megajarkan hal-hal praktis dan arsitektur, juga mewarisi kecurigaan mereka terhadap sistem kerajaan. Beberapa peninggalan seni Etrusca masih dapat dilihat hingga kini, diantaranya adalah:
Kuburan dan Perangkatnya
Karena konsep kematian yang mereka anut tidak begitu jelas, maka tidak terlalu banyak yang dapat diketahui dari kuburan ini, kecuali segi fisiknya saja. Perkembangan seni Etrusca kira-kira bersamaan dengan seni Archais Yunani. Pengaruh dari seni Archais banyak mempengaruhi seni Etrusca. Dari peninggalan kubur yang paling penting adalah ditemukannya peti jenazah (sarcophagus) yang terbuat dari keramik (terracotta). Peti jenazah ini dihiasi patung dua orang suami istri dalam sikap yang santai. Kedua patung tersebut jelas mirip dengan seni Archais, karena memiliki senyum.
Bangunan Kuil
Bangunan Kuil di Etrusca mirip dengan kuil Yunani, namun terbuat dari kayu, dan yang tersisa hanya tinggal pondasinya saja. Berbeda dengan kuil Yunani, kuil Etrusca (Cella Etrusca), selalu terbagi menjadi tiga bagian sesuai dengan jumlah Dewa utama mereka. Cella yang lebar ini menyebabkan kuil Etrusca tidak seramping kuil Yunani. Hiasannya kebanyakan terbuat dari lempengan terracotta yang ditempel ke tiang atau patung terracotta.
Bangsa Etrusca selain mahir membuat patung terracotta, mahir pula membuat patung-patung perunggu yang baik. Peninggalan lain yang juga mendapat pengaruh dari kebudayaan pendatang adalah Gerbang kota yang bernama Porta Agusta di Perugia, yang dibangun pada tahun 200 SM.
Gerbang kota ini merupakan bangunan Romawi pertama yang menggunakan lengkungan murni, yang diintegrasikan dalam suatu bangunan yang monumental.
Seni Romawi
Sejarah Romawi adalah sejarah bangsa yang agraris militer, yang secara bertahap meluaskan pengaruh politiknya dari Italia tengah sampai ke seluruh jazirah, dan akhirnya keseluruh wilayah Mediterania, Eropa Barat dan utara, bahkan sampai ke Asia. Bentuk pemerintahan mereka pada awalnya adalah berbentuk kerajaan (750-509 SM), seluruh wilayah kerajaan dipimpin oleh seorang raja yang berkuasa mutlak. Kemudian bentuk pemerintahannya berganti menjadi Republik (509-287 SM). Namun ketidakmampuan untuk membangun perekonomian agraris yang tangguh akhirnya memberi peluang kepada Julius Caesar untuk membentuk kekuasaan tunggal dalam bentuk kekaisaran.
Tidak banyak yang tersisa dari masa Republik, mengingat para kaisar dari masa kekaisaran Roma membangun kembali ibukota Roma untuk mendapatkan simpati dan kepopuleran dari masyarakat. Beberapa peninggalan yang ada hanyalah sebuah kuil kecil bergaya Yunani bernama Maison Carree di Nimes, dan Kuil Vesta yang berdenah bulat.
Bangsa Romawi tidak dapat disamakan dengan bangsa Yunani dalam bidang kreatif. Bangsa Romawi lebih suka mendatangkan seniman-seniman dari Yunani untuk membuat tiruan bangunan-bangunan yang ada di Yunani. Dalam arsitekturnya, bangsa Romawi lebih condong kepada yang bentuk-bentuk yang bersifat praktis. Oleh karena itu, mereka banyak membangun gedung umum, seperti pemandian, teater, kemudian juga istana, gerbang peringatan kemenangan dan tugu kemenangan.
Dalam bidang patung, yang bisa dilihat adalah patung Arrigatore, sebuah patung pejabat Romawi yang bernama Aulus Mettelus. Dari peninggalan tulisan, dapat diketahui bahwa orang Romawi mempunyai kebiasaan untuk memberi penghargaan kepada orang yang dianggap penting dengan cara membuat patung diri mereka., yang kemudian diletakkan di tempat umum. Patung Aulus Mettelus merupakan patung tertua dari jenis patung Arrigatore ini. Sikapnya dingin tanpa emosi, namun memakai atribut pakaian kebesaran yang lengkap. Sikap ini menunjukkan bahwa pematungnya hanya sekedar membuat suatu dokumentasi saja. Kebiasaan semacam ini mungkin timbul dari tradisi membuat cetakan muka dari orang yang sudah meninggal sebagai sarana pemujaan nenek moyang.
Di Zaman Kekaisaran, Pembangunan kota Roma dimulai Oleh kaisar Agustus. Bentuk-bentuk yang berasal dari seni Yunani diadopsi ke dalam karya seni patung maupun arsitekturnya. Beberapa karya arsitekturnya adalah:
Ara Pacis
Suatu kuil yang memiliki kolom bergaya Yunani, yang merupakan bangunan peringatan masa damai pemerintahan Agustus. Bangunan ini dihiasi relief yang mampu menggambarkan rasa wibawa dan kepekaan sejarah bangsa Romawi
Gerbang Lengkung Kaisar Titus (81M)
Merupakan bangunan peringatan kemenangan Kaisar Titus atas orang Yahudi. Gerbang ini akan menjadi acuan bagi kemenangan bangsa Romawi di Wilayah Eropa lainnya yang dikuasai Romawi.
Tugu Trayan (106-113 M)
Merupakan tugu peringatan dengan episode dalam reliefnya bergerak ke atas secara melingkar dengan gaya yang naratif.
Colosseum (75 M)
Sebuah amphiteater besar yang dapat menampung 50.000 orang. Bangunan ini dibangun oleh Kaisar Titus dan ayahnya. Berbentuk lingkaran penuh dan merupakan cikal bakal stadion zaman sekarang. Konstruksinya terdiri dari konstruksi lengkung dan kubah, dengan bahan batu bata dan beton. Bangunan ini memiliki permainan garis vertikal melawan horisontal yang sangat indah dan menakjubkan.
Pantheon (118-125 M)
Didirikan pada masa pemerintahan Hadrian. Merupakan bangunan pertemuan pertama yang berbentuk lingkaran, dengan diameter 140 feet (42m). Keistimewaan bangunan ini adalah bahwa ia merupakan bangunan bulat dalam skala besar pertama yang bisa diberi atap. Hal ini dimungkinkan karena penemuan orang Romawi dalam bidang bahan bangunan sudah maju. Mereka telah menemukan bahan semen yang dapat mengikat batu bata, dan dapat membuat bangunan dengan bentuk-bentuk yang lebih fleksibel.
Dalam sejarah Eropa, Abad Pertengahan atau periode abad pertengahan (juga dieja abad pertengahan atau abad pertengahan) berlangsung kira-kira dari akhir abad ke-5 hingga akhir abad ke-15, sejalan dengan [kutipan diperlukan] periode pasca-klasik sejarah global. Itu dimulai dengan jatuhnyaKekaisaran Romawi Barat pada tahun 476 M dan berakhir dengan jatuhnya Konstantinopel pada tahun 1453 M sebelum beralih ke Renaissance dan kemudian Zaman Penemuan. Abad Pertengahan adalah periode tengah dari tiga divisi tradisional sejarah Barat: kuno, abad pertengahan, dan modern. Periode abad pertengahan itu sendiri dibagi lagi menjadi Abad Pertengahan Awal, Tinggi, dan Akhir. Para sarjana akhir abad pertengahan pada awalnya menyebut ini Abad Kegelapan berbeda dengan zaman kuno klasik.
Penurunan populasi, kontraurbanisasi, runtuhnya otoritas terpusat, invasi dan migrasi massal suku-suku, yang telah dimulai pada akhir zaman kuno, berlanjut hingga Abad Pertengahan Awal. Gerakan skala besar dari Periode Migrasi, termasuk orang-orang Jermanik, menyebabkan munculnya kerajaan baru di Eropa Barat. Pada abad ke-7, Timur Tengah dan Afrika Utara berada di bawah kekuasaan Khalifah dengan penaklukan Arab. Kekaisaran Bizantium bertahan di Mediterania Timur dan memajukan hukum sekuler melalui Kode Yustinianus. Di Barat, sebagian besar kerajaan memasukkan institusi Romawi yang masih ada, sementara pengaruh Kekristenan meluas ke seluruh Eropa. Dinasti Karolingian dari Franka mendirikan Kekaisaran Carolingian selama akhir abad ke-8 dan awal abad ke-9 di Eropa Barat sebelum menyerah pada konflik internal dan invasi eksternal dari Viking dari utara, Magyar dari timur, dan Muslim dari selatan.
Selama Abad Pertengahan Tinggi, yang dimulai setelah 1000, populasi Eropa meningkat pesat karena inovasi teknologi dan pertanian memungkinkan perdagangan berkembang dan perubahan iklim Periode Hangat Abad Pertengahan memungkinkan hasil panen meningkat. Manorialisme, organisasi petani ke desa-desa yang berutang sewa dan jasa tenaga kerja kepada para bangsawan, dan feodalisme, struktur politik di mana ksatria dan bangsawan berstatus lebih rendah berutang dinas militer kepada penguasa mereka dengan imbalan hak untuk menyewa dari tanah dan manor, adalah dua cara masyarakat diorganisir pada Abad Pertengahan Tinggi. Periode ini juga melihat pembagian formal gereja-gereja Katolik dan Ortodoks, dengan Skisma Timur-Barat tahun 1054. Perang Salib, yang dimulai pada tahun 1095, adalah upaya militer oleh orang-orang Kristen Eropa Barat untuk mendapatkan kembali kendali atas Tanah Suci dari umat Islam dan juga berkontribusi pada perluasan Susunan Kristen Latin di wilayah Baltik dan Semenanjung Iberia. Raja-raja menjadi kepala negara bangsa yang terpusat, mengurangi kejahatan dan kekerasan tetapi membuat cita-cita Kekristenan yang bersatu lebih jauh. Di Barat, kehidupan intelektual ditandai oleh skolastisisme, sebuah filosofi yang menekankan bergabungnya iman dengan akal, dan dengan pendirian universitas. Teologi Thomas Aquinas, lukisan Giotto, puisi Dante dan Chaucer, perjalanan Marco Polo, dan arsitektur katedral Gotik seperti Chartres menandai akhir periode ini.
Abad Pertengahan Akhir ditandai oleh kesulitan dan bencana termasuk kelaparan, wabah, dan perang, yang secara signifikan mengurangi populasi Eropa; antara 1347 dan 1350, Maut Hitam membunuh sekitar sepertiga orang Eropa. Kontroversi, ajaran sesat, dan Skisma Barat dalam Gereja Katolik sejajar dengan konflik antarnegara bagian, perselisihan sipil, dan pemberontakan petani yang terjadi di kerajaan. Perkembangan budaya dan teknologi mengubah masyarakat Eropa, mengakhiri Abad Pertengahan Akhir dan memulai periode modern awal.
Abad Pertengahan adalah salah satu dari tiga periode utama dalam skema paling abadi untuk menganalisis sejarah Eropa: Zaman Kuno, Abad Pertengahan, dan Periode Modern.[ 2] Istilah serupa pertama kali muncul dalam bahasa Latin pada tahun 1469 sebagai media tempestas ('musim tengah').[ 3] Kata sifat abad pertengahan,[A][5] yang berarti berkaitan dengan Abad Pertengahan, berasal dari medium aevum ('usia pertengahan'),[4] istilah Latin yang pertama kali dicatat pada tahun 1604.[ 6] Leonardo Bruni adalah sejarawan pertama yang menggunakan periodisasi tripartit dalam History of the Florentine People (1442),[7] dan itu menjadi standar dengan sejarawan Jerman abad ke-17 Christoph Cellarius.[ 8]
Penulis abad pertengahan membagi sejarah menjadi periode-periode seperti Enam Abad atau Empat Kekaisaran, dan menganggap waktu mereka sebagai yang terakhir sebelum akhir dunia.[ 9] Dalam konsep mereka, zaman mereka telah dimulai ketika Kristus telah membawa terang bagi umat manusia, kontras dengan kegelapan spiritual periode sebelumnya. Humanis dan penyair Italia Petrarch (meningkat 1374) membalikkan metafora, menyatakan bahwa zaman kegelapan telah dimulai ketika kaisar-kaisar non-Italia mengambil alih kekuasaan di Kekaisaran Romawi.[ 10]
Titik awal yang paling umum diberikan untuk Abad Pertengahan adalah sekitar 500,[11] dengan 476—tahun Kaisar Romawi Barat terakhir digulingkan—pertama kali digunakan oleh Bruni.[ 7] Untuk Eropa secara keseluruhan, 1500 sering dianggap sebagai akhir Abad Pertengahan,[12] tetapi tidak ada tanggal akhir yang disepakati secara universal. Tergantung pada konteksnya, peristiwa seperti Kejatuhan Konstantinopel pada tahun 1453, pelayaran pertama Christopher Columbus ke Amerika pada tahun 1492, atau Reformasi Protestan pada tahun 1517 kadang-kadang digunakan.[ 13] Sejarawan Inggris sering menggunakan Pertempuran Bosworth Field pada tahun 1485 untuk menandai akhir periode.[ 14]
Sejarawan dari negara-negara berbahasa bahasa Roman cenderung membagi Abad Pertengahan menjadi dua bagian: periode "Tinggi" sebelumnya dan kemudian "Rendah". Sejarawan berbahasa Inggris, mengikuti rekan-rekan Jerman mereka, umumnya membagi Abad Pertengahan menjadi tiga interval: "Awal", "Tinggi", dan "Terbelakang".[ 2] Pada abad ke-19, seluruh Abad Pertengahan sering disebut sebagai Abad Kegelapan, tetapi dengan adopsi subdivisi ini, penggunaan istilah ini dibatasi pada Abad Pertengahan Awal pada awal abad ke-20.[ 15]
Kekaisaran Romawi mencapai tingkat teritorial terbesarnya selama abad ke-2 Masehi; dua abad berikutnya menyaksikan penurunan lambat kontrol Romawi atas wilayah terluarnya.[ 17] Inflasi pelarian, tekanan eksternal di perbatasan, dan wabah wabah digabungkan untuk menciptakan Krisis Abad Ketiga, dengan kaisar datang ke takhta hanya untuk segera digantikan oleh perampas kekuasaan baru.[ 18] Pengeluaran militer terus meningkat, terutama sebagai tanggapan atas perang dengan Kekaisaran Sassaniyah.[ 19] Tentara berlipat ganda dalam ukuran, dan kavaleri dan unit yang lebih kecil menggantikan legiun sebagai unit taktis utama.[ 20] Kebutuhan akan pendapatan menyebabkan peningkatan pajak dan penurunan jumlah kelas kurial, atau tanah perah.[ 19] Lebih banyak birokrat diperlukan di administrasi pusat untuk menangani kebutuhan tentara, yang menyebabkan keluhan dari warga sipil bahwa ada lebih banyak pemungut pajak di kekaisaran daripada pembayar pajak.[ 20]
Kaisar Diocletian (r. 284–305) membagi kekaisaran menjadi bagian timur dan barat yang dikelola secara terpisah pada tahun 286. Sistem ini, yang akhirnya mencakup dua rekan-kaisar senior dan dua junior (karenanya dikenal sebagaiTetrarchy) menstabilkan pemerintah kekaisaran selama sekitar dua dekade. Reformasi pemerintahan, fiskal, dan militer Diocletian lebih lanjut membeli waktu kekaisaran tetapi tidak menyelesaikan masalah yang dihadapinya.[ 21][22] Pada tahun 330, setelah periode perang saudara, Konstantinus Agung (bertak pusat 306–337) mendirikan kembali kota Byzantium sebagai ibu kota timur yang baru berganti nama, Konstantinopel.[ 23]
Untuk sebagian besar abad ke-4, masyarakat Romawi stabil dalam bentuk baru yang berbeda dari periode klasik sebelumnya, dengan jurang yang melebar antara yang kaya dan yang miskin, dan penurunan vitalitas kota-kota yang lebih kecil.[ 24] Perubahan lain adalah Kristenisasi, atau konversi kekaisaran menjadi Kristen. Prosesnya dipercepat oleh konversi Konstantinus Agung, dan Kekristenan muncul sebagai agama dominan kekaisaran pada akhir abad ini.[ 25] Perdebatan tentang teologi Kristen semakin intensif, dan mereka yang bertahan dengan pandangan teologis yang dikutuk di konsiliekumenis menghadapi penganiayaan. Pandangan sesat seperti itu bertahan melalui kampanye dakwah intensif di luar kekaisaran, atau karena dukungan kelompok etnis lokal di provinsi timur, seperti Arianisme di antara orang-orang Jermanik, atau Monofisitisme di Mesir dan Suriah.[ 26][27] Yudaisme tetap menjadi agama yang ditoleransi, meskipun undang-undang membatasi hak-hak orang Yahudi.[ 28]
Perang saudara antara kaisar saingan menjadi umum di pertengahan abad ke-4, mengalihkan tentara dari pasukan perbatasan kekaisaran dan memungkinkan penyerbu untuk melanggar batas.[ 29] Meskipun pergerakan orang-orang selama periode ini biasanya digambarkan sebagai "invasi", mereka bukan hanya ekspedisi militer tetapi migrasi ke kekaisaran.[ 30] Pada tahun 376, ratusan ribu orang Goth, melarikan diri dari Hun, menerima izin dari Kaisar Valens (bertak satu 364-378) untuk menetap di wilayah Romawi di Balkan. Penyelesaian tidak berjalan lancar, dan ketika pejabat Romawi salah menangani situasi, Goth mulai menyerang dan menjarah.[ B] Valens, mencoba untuk memadamkan kekacauan itu, terbunuh melawan Goth di Pertempuran Adrianople pada 9 Agustus 378.[ 32] Visigoth, sebuah kelompok Gotik, menyerang Kekaisaran Romawi Barat pada tahun 401; Alan, Vandal, dan Suevi menyeberang ke Galia pada tahun 406, dan ke Spanyol modern pada tahun 409. Setahun kemudian Visigoth menjarah kota Roma.[ 33][34] Bangsa Franka, Alemanni, dan Burgundi semuanya berakhir di Gaul sementara Angles, Saxon, dan Jutes menetap di Inggris,[35] dan Vandal menaklukkan provinsi Afrika.[ 36] Raja Hun Attila (r. 434–453) memimpin invasi ke Balkan pada tahun 442 dan 447, Galia pada tahun 451, dan Italia pada tahun 452. Ancaman Hunnic tetap ada sampai kematian Attila pada tahun 453, ketika konfederasi Hunnic yang dipimpinnya berantakan.[ 37]
Ketika berurusan dengan migrasi, elit Romawi Timur menggabungkan penyebaran angkatan bersenjata dengan hadiah dan hibah kantor kepada para pemimpin suku, sedangkan bangsawan Barat gagal mendukung tentara tetapi juga menolak untuk membayar upeti untuk mencegah invasi oleh suku-suku.[ 30] Invasi ini menyebabkan pembagian bagian barat kekaisaran menjadi unit politik yang lebih kecil, diperintah oleh suku-suku yang telah menyerang.[ 38] Para kaisar abad ke-5 sering dikendalikan oleh orang-orang kuat militer seperti Stilicho (w. 408), Aetius (w. 454), Aspar (w. 471), Ricimer (w. 472), atau Gundobad (w. 516), yang sebagian atau seluruhnya keturunan non-Romawi.[ 39] Deposisi kaisar terakhir barat, Romulus Augustulus, pada tahun 476 secara tradisional menandai berakhirnya Kekaisaran Romawi Barat.[ 40][C] Kekaisaran Romawi Timur, sering disebut sebagai Kekaisaran Bizantium setelah jatuhnya rekan baratnya, memiliki sedikit kemampuan untuk menegaskan kendali atas wilayah barat yang hilang meskipun kaisar Bizantium mempertahankan klaim atas wilayah tersebut.[ 41]
Kerajaan dan suku barbar setelah berakhirnya Kekaisaran Romawi Barat
Di dunia pasca-Romawi, perpaduan budaya Romawi dengan adat istiadat suku-suku yang menyerang didokumentasikan dengan baik. Majelis populer yang memungkinkan anggota suku laki-laki bebas lebih banyak berbicara dalam masalah politik daripada yang biasa terjadi di negara Romawi berkembang menjadi badan legislatif dan yudisial.[ 42] Artefak material yang ditinggalkan oleh orang Romawi dan penjajah sering kali serupa, dan barang-barang suku sering dimodelkan pada benda-benda Romawi.[ 43] Sebagian besar budaya ilmiah dan tertulis dari kerajaan-kerajaan baru juga didasarkan pada tradisi intelektual Romawi.[ 44] Banyak entitas politik baru tidak lagi mendukung tentara mereka melalui pajak, alih-alih mengandalkan pemberian tanah atau sewa kepada mereka. Ini berarti ada sedikit kebutuhan untuk pendapatan pajak yang besar sehingga sistem perpajakan membusuk.[ 45]
Kelompok Jermanik sekarang secara kolektif dikenal sebagai Anglo-Saxon menetap di Inggris sebelum pertengahan abad ke-5. Budaya lokal memiliki sedikit dampak pada cara hidup mereka, tetapi asimilasi linguistik massa orang Inggris Celtic lokal dengan pendatang baru terbukti. Pada sekitar 600, pusat politik baru muncul, beberapa pemimpin lokal mengumpulkan kekayaan yang cukup besar, dan sejumlah kerajaan kecil seperti Wessex dan Mercia terbentuk. Kerajaan yang lebih kecil di Wales dan Skotlandia saat ini masih berada di bawah kendali penduduk asli Inggris dan Picts.[ 46] Irlandia dibagi menjadi unit politik yang lebih kecil, mungkin sebanyak 150 kerajaan suku.[ 47]
Ostrogoth pindah ke Italia dari Balkan pada akhir abad ke-5 di bawah Theoderic the Great (r. 493–526). Dia mendirikan sebuah kerajaan yang ditandai dengan kerja sama antara Italia dan Ostrogoth sampai tahun-tahun terakhir pemerintahannya. Perebutan kekuasaan antara kelompok Ostrogoth yang diromanisasi dan tradisionalis mengikuti kematiannya, memberikan kesempatan bagi Bizantium untuk merebut kembali Italia di pertengahan abad ke-6.[ 48] Bangsa Burgundi menetap di Gaul, dan setelah kerajaan sebelumnya dihancurkan oleh Hun pada tahun 436, membentuk kerajaan baru pada tahun 440-an.[ 49] Di tempat lain di Gaul, orang Franka dan Celtic Britons mendirikan pemerintahan yang stabil. Francia berpusat di Gaul utara, dan raja pertama yang banyak dikenal adalah Childeric I (w. 481).[ D] Di bawah putra Childeric Clovis I (r. 509–511), pendiri dinasti Merovingian, kerajaan Franka berkembang dan masuk Kristen.[ 51] Tidak seperti orang-orang Jermanik lainnya, orang Franka menerima Katolik yang memfasilitasi kerja sama mereka dengan aristokrasi Gallo-Romawi asli.[ 52] Orang Inggris yang melarikan diri dari Britannia – Inggris Raya modern – menetap di tempat yang sekarang disebut Brittany.[ E][53]
Monarki lain didirikan oleh Visigoth di Semenanjung Iberia, Suebi di barat laut Iberia, dan Vandal di Afrika Utara.[ 49] TheLombardsmenetap di Italia Utara pada tahun 568 dan mendirikan kerajaan baru yang terdiri dari kadipaten berbasis kota.[ 54] Berasal dari stepa Asia, Avar nomaden menaklukkan sebagian besar suku Slavia, Turki, dan Jermanik di dataran rendah di sepanjang Danube Bawah dan Tengah pada akhir abad ke-6, dan mereka secara rutin dapat memaksa kaisar Timur untuk membayar upeti.[ 55] Sekitar tahun 670, orang stepa lainnya, orang Bulgar menetap di Delta Danube. Pada tahun 681, mereka mengalahkan tentara kekaisaran Bizantium, dan mendirikan Kekaisaran Bulgaria Pertama di Danube Bawah, menaklukkan suku-suku Slavia setempat.[ 56]
Pemukiman masyarakat disertai dengan perubahan bahasa. Latin, bahasa sastra Kekaisaran Romawi Barat, secara bertahap digantikan oleh bahasa vernakular yang berevolusi dari Latin, tetapi berbeda darinya, secara kolektif dikenal sebagai bahasa Roman. Bahasa Yunani tetap menjadi bahasa Kekaisaran Bizantium, tetapi migrasi Slavia memperluas wilayah bahasa Slavia di Eropa Tengah dan Timur.[ 57]
Selama periode ini Kekaisaran Romawi Timur tetap utuh dan mengalami kebangkitan ekonomi yang berlangsung hingga awal abad ke-7. Di sini kehidupan politik ditandai oleh hubungan yang lebih dekat antara negara politik dan Gereja Kristen, dengan hal-hal doktrinal mengasumsikan kepentingan dalam politik Timur yang tidak mereka miliki di Eropa Barat. Perkembangan hukum termasuk kodifikasi hukum Romawi; upaya pertama – Codex Theodosianus – selesai pada tahun 438.[ 59] Di bawah Kaisar Justinian (berk. 527–565), kompilasi yang lebih komprehensif terjadi, Corpus Juris Civilis.[ 60]
Justinian hampir kehilangan tahtanya selama kerusuhan Nika, pemberontakan populer kekuatan dasar yang menghancurkan setengah dari Konstantinopel pada tahun 532. Setelah menghancurkan pemberontakan, dia memperkuat elemen otokratis dari pemerintah kekaisaran dan memobilisasi pasukannya melawan kerajaan barat Arian. Jenderal Belisarius (mening 565) menaklukkan Afrika Utara dari Vandal, dan menyerang Ostrogoth, tetapi kampanye Italia terputus karena invasi Sassaniyah yang tak terduga dari timur. Antara 541 dan 543, wabah wabah yang mematikan menghancurkan populasi kekaisaran. Justinian berhenti membiayai pemeliharaan jalan umum, dan menutupi kekurangan personel militer dengan mengembangkan dan sistem benteng perbatasan yang luas. Dalam satu dekade, ia melanjutkan ekspansionisme, menyelesaikan penaklukan kerajaan Ostrogoth, dan merebut sebagian besar Spanyol selatan dari Visigoth.[ 61]
Penaklukan kembali Justinian dan program pembangunan yang berlebihan telah dikritik oleh para sejarawan karena membawa wilayahnya ke ambang kebangkrutan, tetapi banyak kesulitan yang dihadapi oleh penerus Justinian disebabkan oleh faktor-faktor lain, termasuk epidemi dan ekspansi besar-besaran Avar dan sekutu Slav mereka.[ 62] Di timur, pertahanan perbatasan runtuh selama perang baru dengan Kekaisaran Sassaniyah, dan Persia merebut sebagian besar kekaisaran, termasuk Mesir, Suriah, dan sebagian besar Anatolia. Pada tahun 626, Avar dan Slavia menyerang Konstantinopel. Dua tahun kemudian, Kaisar Heraclius (bertak seerang 610–641) melancarkan serangan balik yang tak terduga terhadap jantung Kekaisaran Sasaniyah melewati tentara Persia di pegunungan Anatolia; kekaisaran memulihkan semua wilayahnya yang hilang di timur.[ 63]
Di Eropa Barat, beberapa keluarga elit Romawi yang lebih tua mati sementara yang lain menjadi lebih terlibat dengan gerejawi daripada urusan sekuler. Nilai-nilai yang melekat pada beasiswa dan pendidikan Latin sebagian besar menghilang. Sementara literasi tetap penting, itu menjadi keterampilan praktis daripada tanda status elit. Pada akhir abad ke-6, sarana utama pengajaran agama di Gereja telah menjadi musik dan seni daripada buku.[ 64] Sebagian besar upaya intelektual digunakan untuk meniru keilmuan klasik, tetapi beberapa karya asli dibuat, bersama dengan komposisi lisan yang sekarang hilang. Tulisan-tulisan Sidonius Apollinaris (w. 489), Cassiodorus (meninga c. 585), dan Boethius (meningang c. 525) adalah tipikal dari zaman itu.[ 65] Budaya aristokrat berfokus pada pesta besar yang diadakan di aula daripada pada pengejaran sastra. Ikatan keluarga dalam elit itu penting, seperti halnya kebajikan kesetiaan, keberanian, dan kehormatan. Ikatan ini menyebabkan prevalensi perseteruan dalam masyarakat aristokrat. Sebagian besar perseteruan tampaknya telah berakhir dengan cepat dengan pembayaran semacam kompensasi.[ 66]
Wanita mengambil bagian dalam masyarakat aristokrat terutama dalam peran mereka sebagai istri dan ibu, dengan peran ibu dari seorang penguasa yang sangat menonjol di Merovingian Gaul. Dalam masyarakat Anglo-Saxon, kurangnya banyak penguasa anak berarti peran yang lebih rendah bagi wanita sebagai ibu ratu, tetapi ini dikompensasi oleh peningkatan peran yang dimainkan oleh kepala biara biara.[ 67] Pengaruh perempuan terhadap politik sangat rapuh, dan penulis awal abad pertengahan cenderung menggambarkan perempuan yang kuat dalam cahaya yang buruk.[ F][69] Wanita biasanya meninggal pada usia yang jauh lebih muda daripada pria, terutama karena pembunuhan bayi dan komplikasi saat melahirkan.[ G] Perbedaan antara jumlah wanita yang dapat menikah dan pria dewasa menyebabkan regulasi terperinci dari lembaga hukum yang melindungi kepentingan wanita, termasuk hak mereka atas Morgengabe, atau "hadiah pagi".[ 71] Undang-undang abad pertengahan awal mengakui hak pria untuk memiliki hubungan seksual jangka panjang dengan wanita selain istrinya, seperti selir, tetapi wanita diharapkan untuk tetap setia. Para ulama mengecam persatuan seksual di luar pernikahan, dan monogami juga menjadi norma hukum sekuler di abad ke-9.[ 72]
Rekonstruksi desa petani abad pertengahan awal di Bavaria
Sebagian besar deskripsi awal abad pertengahan tentang kelas bawah berasal dari kode hukum atau penulis dari kelas atas. Karena beberapa catatan tertulis terperinci yang mendokumentasikan kehidupan petani tetap ada dari sebelum abad ke-9, informasi yang masih ada yang tersedia bagi sejarawan terutama berasal dari arkeologi.[ 73] Pola kepemilikan tanah tidak seragam; beberapa daerah memiliki kepemilikan yang sangat terfragmentasi, tetapi di daerah lain blok tanah besar yang berdekatan adalah norma. Perbedaan-perbedaan ini memungkinkan berbagai macam masyarakat petani, beberapa didominasi oleh pemilik tanah aristokrat dan yang lainnya memiliki banyak otonomi.[ 74] Penyelesaian tanah juga sangat bervariasi. Beberapa petani tinggal di permukiman besar yang berjumlah 700 penduduk. Yang lain tinggal dalam kelompok kecil dari beberapa keluarga atau di pertanian yang terisolasi.[ 75] Legislasi membuat perbedaan yang jelas antara bebas dan tidak bebas, tetapi tidak ada jeda tajam antara status hukum petani bebas dan bangsawan, dan mungkin bagi keluarga petani bebas untuk naik ke aristokrasi selama beberapa generasi melalui dinas militer.[ 76] Permintaan untuk budak ditutupi melalui perang dan penggerebekan. Awalnya, ekspansi Franka dan konflik antara kerajaan Anglo-Saxon memasok pasar budak dengan tawanan perang dan tawanan. Setelah konversi Anglo-Saxon ke Kristen, pemburu budak terutama menargetkan suku-suku Slavia pagan—maka kata bahasa Inggris "budak" darislavicus, istilah Latin Abad Pertengahan untuk Slavia.[ 77] Etika Kristen membawa perubahan signifikan dalam posisi budak di abad ke-7 dan ke-8. Mereka tidak lagi dianggap sebagai milik tuan mereka, dan hak mereka atas perlakuan yang layak diberlakukan.[ 78]
Kehidupan dan budaya kota Romawi sangat berubah pada awal Abad Pertengahan. Meskipun kota-kota Italia tetap dihuni, mereka berkontraksi secara signifikan dalam ukuran. Roma, misalnya, menyusut dari populasi ratusan ribu menjadi sekitar 30.000 pada akhir abad ke-6. Di Eropa Utara, kota-kota juga menyusut, sementara monumen sipil dan bangunan umum lainnya digerebek untuk bahan bangunan.[ 79] Komunitas Yahudi selamat dari jatuhnya Kekaisaran Romawi Barat di Spanyol, Gaul selatan, dan Italia. Raja-raja Visigothic melakukan upaya terkonsentrasi untuk mengubah orang Yahudi Hispanik menjadi Kristen tetapi komunitas Yahudi dengan cepat beregenerasi setelah penaklukan Muslim.[ 80] Sebaliknya, undang-undang Kristen melarang penunjukan orang Yahudi ke posisi pemerintah.[ 81]
Keyakinan agama berubah-ubah di tanah-tanah di sepanjang perbatasan Romawi Timur dan Persia selama akhir abad ke-6 dan awal abad ke-7. Misionaris Kristen yang disponsori negara- menyebarkan di antara orang-orang stepa pagan, dan Persia melakukan upaya untuk menegakkan Zoroastrianisme pada orang-orang Kristen-orang Amerika. Yudaisme adalah agama dakwah yang aktif, dan setidaknya satu pemimpin politik Arab—Dhu Nuwas, penguasa dari apa yang sekarang disebut Yaman—mengkonversi ke sana.[ 82] Munculnya Islam di Arab selama masa hidup Muhammad (w. 632) membawa perubahan yang lebih radikal. Setelah kematiannya, pasukan Islam menaklukkan sebagian besar Timur Dekat, dimulai dengan Suriah pada 634-35, berlanjut dengan Persia antara 637 dan 642, dan mencapai Mesir pada 640-41. Di Mediterania timur, Romawi Timur menghentikan ekspansi Muslim di Konstantinopel pada 674-78 dan 717-18. Di barat, pasukan Islam menaklukkan Afrika Utara pada awal abad ke-8, memusnahkan Kerajaan Visigoth pada tahun 711, dan menginvasi Prancis selatan dari tahun 713.[ 83][84]
Para penakluk Muslim melewati wilayah barat laut yang bergunung-gunung di Semenanjung Iberia. Di sini sebuah kerajaan kecil, Asturias muncul sebagai pusat perlawanan lokal.[ 85] Kekalahan pasukan Muslim di Pertempuran Tours pada tahun 732 menyebabkan penaklukan kembali Prancis selatan oleh orang Franka, tetapi alasan utama untuk menghentikan pertumbuhan Islam di Eropa adalah penggulingan Kekhalifahan Umayyah dan penggantiannya dengan Kekhalifahan Abbasiyah. Abbasiyah lebih peduli dengan Timur Tengah daripada Eropa, kehilangan kendali atas bagian-bagian tanah Muslim. Keturunan Umayyah mengambil alih Al-Andalus (atau Muslim Spanyol), Aghlabids menguasai Afrika Utara, dan Tulunids menjadi penguasa Mesir.[ 86]
Migrasi dan penaklukan mengganggu jaringan perdagangan di sekitar Mediterania. Penggantian barang dari perdagangan long-range dengan produk lokal adalah tren di seluruh tanah Romawi kuno. Barang-barang non-lokal yang muncul dalam catatan arkeologi biasanya adalah barang-barang mewah atau logam.[ 87] Pada abad ke-7 dan ke-8, jaringan komersial baru berkembang di Eropa utara. Barang-barang seperti bulu, gading walrus, dan kuning dikirim dari wilayah Baltik ke Eropa barat, berkontribusi pada pengembangan pusat perdagangan baru di Anglia Timur, Francia utara, dan Skandinavia. Konflik atas kontrol rute perdagangan dan stasiun tol adalah hal biasa.[ 88] Berbagai negara Jermanik di barat semuanya memiliki koin yang meniru bentuk Romawi dan Bizantium yang ada.[ 89]
Permintaan konstan ekonomi Islam yang berkembang untuk tenaga kerja segar dan bahan baku membuka pasar baru untuk Eropa sekitar 750. Eropa muncul sebagai pemasok utama budak rumah dan tentara budak untuk Al-Andalus, Afrika utara dan Levant. Venesia berkembang menjadi pusat perdagangan budak Eropa yang paling penting.[ 90][91] Selain itu, kayu, bulu, dan senjata dikirim dari Eropa ke Mediterania, sementara Eropa mengimpor rempah-rempah, obat-obatan, dupa, dan sutra dari Levant.[ 92] Sungai-sungai besar yang menghubungkan daerah-daerah yang jauh memfasilitasi perluasan perdagangan lintas benua.[ 93] Laporan kontemporer menunjukkan bahwa pedagang Anglo-Saxon mengunjungi pameran di Paris, bajak laut memangsa pedagang yang bepergian di Danube, dan pedagang Franka Timur mencapai sejauh Zaragoza di Al-Andalus.[ 94]
Gagasan persatuan Kristen bertahan meskipun perbedaan dalam ideologi dan praktik antara Gereja Timur dan Barat menjadi jelas pada abad ke-6.[ 95] Pembentukan alam baru memperkuat konsep Kristen tradisional tentang pemisahan gereja dan negara di barat, sedangkan gagasan ini asing bagi pendeta timur yang menganggap negara Romawi sebagai instrumen pemeliharaan ilahi.[ 95] Pada akhir abad ke-7, pernikahan ulama muncul sebagai fokus permanen kontroversi. Setelah penaklukan Muslim, kaisar Bizantium kurang efektif campur tangan di barat. Ketika Leo III (r. 717–741) melarang tampilan lukisan yang mewakili sosok manusia di tempat-tempat ibadah, kepausansecara terbuka menolak klaimnya untuk menyatakan dogma baru dengan dekrit kekaisaran.[ 96] Meskipun Gereja Bizantium mengutuk Ikonoklasme pada tahun 843, masalah lebih lanjut seperti persaingan sengit untuk yurisdiksi gerejawi atas orang-orang yang baru bertobat, dan modifikasi sepihak dari Pengakuan Iman Nicea di barat melebar sejauh perbedaannya lebih besar daripada kesamaan.[ 97]
Beberapa uskup Barat memandang kepausan untuk kepemimpinan agama atau politik. Satu-satunya bagian Eropa Barat di mana kepausan memiliki pengaruh adalah Inggris, di mana Gregorius telah mengirim misi Gregorian pada tahun 597 untuk mengubah Anglo-Saxon menjadi Kristen.[ 98] Misionaris Irlandia paling aktif di Eropa Barat antara abad ke-5 dan ke-7.[ 99] Orang-orang tidak mengunjungi gereja secara teratur. Sebaliknya, pertemuan dengan pendeta keliling dan ziarah ke tempat suci populer berperan penting dalam penyebaran ajaran Kristen. Pendeta menggunakan buku pegangan khusus yang dikenal sebagai pertobatan untuk menentukan tindakan pertobatanyang tepat—biasanya doa, dan puasa—untuk orang berdosa. Abad Pertengahan Awal menyaksikan kebangkitan monastisisme Kristen. Cita-cita monastik menyebar melalui literatur hagiografi, terutama Kehidupan Anthony. Sebagian besar biara Eropa adalah tipe yang berfokus pada pengalaman komunitas kehidupan spiritual, yang disebut cenobitism.[ 100][101] Biarawan Italia Benediktus dari Nursia (w. 547) mengembangkan Aturan Benediktinyang menjadi banyak digunakan di biara-biara barat.[ 102][103] Di timur, aturan monastik yang disusun oleh Theodore the Studite (w. 826) mendapatkan popularitas setelah mereka diadopsi di Great Lavra di Gunung Athos pada tahun 960-an, menetapkan preseden untuk biara-biara Athonite lebih lanjut, dan mengubah gunung menjadi pusat monastistik Ortodoks yang paling penting.[ 104]
Para biarawan dan biara memiliki efek yang mendalam pada kehidupan keagamaan dan politik, dalam berbagai kasus bertindak sebagai perwalian tanah untuk keluarga yang kuat dan pusat otoritas politik yang penting.[ 105] Mereka adalah pos terdepan pendidikan dan literasi utama dan terkadang satu-satunya di suatu wilayah. Banyak manuskrip klasik Latin yang masih ada disalin di biara-biara.[ 106] Para bhikkhu juga merupakan penulis karya baru, termasuk sejarah, teologi, dan mata pelajaran lainnya, yang ditulis oleh penulis seperti Bede (w. 735), penduduk asli Inggris utara.[ 107] Misionaris Bizantium Konstantinus (w. 869) mengembangkan Slavonik Gereja Lama sebagai bahasa liturgis baru, membangun dasar untuk sastra agama Slavia yang berkembang; sekitar tahun 900 sebuah aksara baru diadopsi, sekarang dikenal dengan nama Monastik Konstantinus sebagai Sirilik.[ 108]
Di Kekristenan Barat, pengaruh awam atas urusan Gereja mencapai klimaks pada abad ke-10. Aristokrat menganggap gereja dan biara di bawah perlindungan mereka sebagai milik pribadi mereka, dan simoni—penjualan kantor Gereja—adalah praktik umum. Simony membangkitkan ketakutan umum tentang keselamatan karena banyak yang percaya bahwa imam yang ditunjuk secara tidak teratur tidak dapat memberikan sakramen yang valid seperti baptisan.[ 109] Komunitas monastik adalah yang pertama bereaksi terhadap ketakutan ini dengan kepatuhan ketat terhadap aturan mereka. Pendirian Biara Cluny di Burgundy pada tahun 909 memulai perubahan yang lebih radikal karena Cluny dibebaskan dari kendali awam dan ditempatkan di bawah perlindungan kepausan. Reformasi Cluniac menyebar melalui pendirian biara-biara baru dan reformasi kehidupan monastik di biara-biara lama.[ 110] Contoh Cluny menunjukkan bahwa ide reformis tentang "Kebebasan Gereja" dapat dicapai melalui penyerahan kepada kepausan.[ 111]
Peta menunjukkan pertumbuhan kekuatan Franka dari 481 ke 814
Raja-raja Merovingian secara adat membagikan Francia di antara putra-putra mereka dan menghancurkan basis kekuatan mereka sendiri dengan hibah tanah yang luas. Di wilayah Franka timur laut Austrasia, Arnulfings adalah penerima manfaat paling menonjol dari bantuan kerajaan. Sebagai Walikota turun-temurun dari Istana, mereka adalah kekuatan di belakang takhta Austrasian dari pertengahan abad ke-7. Salah satunya, Pippin dari Herstal (meningh 714), juga mengambil alih kekuasaan di wilayah Franka pusat Neustria. Putranya Charles Martel (meningh. 741) mengambil keuntungan dari ancaman permanen Muslim untuk menyita properti gereja dan mengumpulkan pasukan baru dengan membaginya di antara para rekrutan.[ 112]
Orang-orang Karoling, seperti yang diketahui keturunan Charles Martel, menggantikan orang-orang Merovingia sebagai dinasti kerajaan baru Francia pada tahun 751. Tahun ini raja Merovingian terakhir Childeric III (bertak 743–751) digulingkan, dan putra Charles Martel, Pippin yang Pendek (bertakraja 751–768) dinobatkan sebagai raja dengan persetujuan para pemimpin Franka dan kepausan. Pippin menyerang Lombardia dan menegakkan janji mereka untuk menghormati harta kepausan. Sumbangan berikutnya dari wilayah Italia Tengah ke Tahta Suci menandai awal dari Negara Kepausan.[ 113][114]
Pippin meninggalkan kerajaannya di tangan kedua putranya, Charles, yang lebih dikenal sebagai Charlemagne atau Charles the Great (r. 768–814), dan Carloman (r. 768–771). Ketika Carloman meninggal karena sebab alami, Charlemagne menyatukan kembali Francia dan memulai program ekspansi sistematis, memberi penghargaan kepada sekutu dengan barang rampasan perang dan komando atas sebidang tanah. Dia menaklukkan Saxon, menaklukkan Lombard, dan menciptakan provinsi perbatasan baru di Spanyol utara.[ 115] Antara 791 dan 803, pasukan Franka menghancurkan Avar yang memfasilitasi pengembangan kerajaan Slavia kecil, terutama diperintah oleh panglima perang yang ambisius di bawah kekuasaan Franka.[ 116][H] Penobatan Charlemagne sebagai kaisar pada Hari Natal 800 menandai kembalinya Kekaisaran Romawi Barat dan menegaskan kesetaraan wilayah Franka dengan negara Bizantium. Pada tahun 812, sebagai hasil dari negosiasi yang cermat dan berlarut-larut, Bizantium mengakui gelar baru Charlemagne tetapi tanpa mengakuinya sebagai "kaisar Romawi" kedua.[ 118]
Kekaisaran Karoling dikelola oleh pengadilan keliling yang bepergian dengan kaisar, serta sekitar 300 pejabat kekaisaran yang disebut comte, yang mengelola kabupaten-kabupaten yang telah dibagi menjadi kekaisaran.[ 119] Administrasi pusat mengawasi penghitungan melalui utusan kekaisaran yang disebut missi dominici, yang menjabat sebagai inspektur keliling dan pemecah masalah. Para ulama kapel kerajaan bertanggung jawab untuk mencatat hibah dan keputusan kerajaan yang penting.[ 120] Istana Charlemagne di Aachen adalah pusat kebangkitan budaya yang terkadang disebut sebagai "Renaisans Carolingian". Literasi meningkat, seperti halnya perkembangan dalam seni, arsitektur dan yurisprudensi, serta studi liturgi dan kitab suci. KanselirCharlemagne—atau kantor penulisan—menggunakan naskah baru yang sekarang dikenal sebagai Carolingian minuscule,[I] memungkinkan gaya penulisan umum yang memajukan komunikasi di sebagian besar Eropa.
Charlemagne mensponsori perubahan dalam liturgi gereja, memaksakan bentuk kebaktian gereja Romawi di wilayahnya, serta nyanyian Gregorian dalam musik liturgi untuk gereja-gereja. Kegiatan penting bagi para sarjana selama periode ini adalah menyalin, mengoreksi, dan menyebarkan karya-karya dasar tentang topik-topik agama dan sekuler, dengan tujuan mendorong pembelajaran. Karya-karya baru tentang topik agama dan buku sekolah juga diproduksi.[ 122] Ahli tata bahasa pada periode tersebut memodifikasi bahasa Latin, mengubahnya dari Latin Klasik Kekaisaran Romawi menjadi bentuk yang lebih fleksibel yang sekarang disebut Latin Abad Pertengahan.[ 123]
Charlemagne melanjutkan tradisi Franka membagi kerajaannya di antara semua putranya, tetapi hanya satu putra, Louis yang Saleh (bertak 814–840), yang masih hidup pada tahun 813. Tepat sebelum Charlemagne meninggal pada tahun 814, ia menjadikan Louis sebagai rekan-kaisar. Pemerintahan Louis ditandai oleh banyak perpecahan kekaisaran di antara putra-putranya, dan perang saudara antara berbagai aliansi ayah dan putra atas kendali berbagai bagian kekaisaran.[ 124]
Dengan Perjanjian Verdun (843), sebuah kerajaan antara sungai Rhine dan Rhone diciptakan untuk Lothair I untuk pergi dengan tanahnya di Italia, dan gelar kekaisarannya diakui. Louis si Jerman mengendalikan Bavaria dan tanah timur di Jerman modern-day. Charles si Botak menerima tanah Franka barat, yang terdiri dari sebagian besar Prancis modern.[ 125] Cucu dan cicit Charlemagne membagi kerajaan mereka di antara keturunan mereka, yang pada akhirnya menyebabkan semua kohesi internal hilang.[ 126] Ada re-uniting singkat kekaisaran oleh Charles si Gendut pada tahun 884, meskipun unit kekaisaran yang sebenarnya mempertahankan administrasi mereka yang terpisah.[ 127] Pada saat dia meninggal pada awal tahun 888, Carolingian hampir punah, dan penuntut non-dinastik mengambil alih kekuasaan di sebagian besar negara bagian penerus.[ 128] Di tanah timur dinasti punah dengan kematian Louis the Child (bertakraja 899–911), dan pemilihan adipati Franconia Conrad I (bertakraja 911–918) sebagai raja.[ 129] Di Francia Barat, dinasti itu dipulihkan pertama kali pada tahun 898, kemudian pada tahun 936, tetapi raja-raja Carolingian terakhir tidak dapat mengendalikan aristokrasi yang kuat. Pada tahun 987 dinasti digantikan, dengan penobatan Hugh Capet (r. 987–996) sebagai raja.[ J][130] Meskipun raja-raja Kapetia tetap bertanggung jawab secara nominal, sebagian besar kekuatan politik diserahkan kepada penguasa lokal di Prancis abad pertengahan.[ 131] Budaya Franka dan metode administrasi negara Karoling memiliki dampak signifikan pada orang-orang tetangga. Ancaman Franka memicu pembentukan negara-negara baru di sepanjang perbatasan timur kekaisaran—Bohemia, Moravia, dan Kroasia.[ 132] Pecahnya Kekaisaran Karoling disertai dengan invasi, migrasi, dan serangan oleh musuh eksternal. Pantai Atlantik dan utara dilecehkan oleh Viking, yang juga menyerbu Kepulauan Inggris dan menetap di sana. Pada tahun 911, kepala suku Viking Rollo (w. c. 931) menerima izin dari raja Franka Charles the Simple (r. 898–922) untuk menetap di tempat yang menjadi Normandia. Bagian timur kerajaan Franka, terutama Jerman dan Italia, berada di bawah serangan Magyar terus-menerus sampai kekalahan penjajah di Pertempuran Lechfeld pada tahun 955.[ 133] Di Mediterania, bajak laut Arab meluncurkan serangan reguler terhadap Italia dan Prancis selatan. Negara-negara Muslim juga mulai berkembang: Aghlabids menaklukkan Sisilia, dan Umayyah Al-Andalus mencaplok Kepulauan Balearic.[ 134]
Pemukiman Viking di Kepulauan Inggris menyebabkan pembentukan entitas politik baru, termasuk Kerajaan Dublin yang kecil namun militan di Irlandia.[ 135] Di Inggris Anglo-Saxon, Raja Alfred yang Agung (r. 871–899) mencapai kesepakatan dengan penjajah Denmark pada tahun 879, mengakui keberadaan wilayah Viking independen di Northumbria, Anglia Timur, dan Mercia timur.[ 136][137] Pada pertengahan abad ke-10, penerus Alfred telah memulihkan kendali Inggris atas wilayah tersebut.[ 138] Di Inggris utara, Kenneth MacAlpin (w. c. 860) menyatukan Picts dan Scots ke dalam Kerajaan Alba.[ 139] Pada awal abad ke-10, dinasti Ottonian memantapkan dirinya di Jerman, dan terlibat dalam mengusir kembali Magyar dan melawan para adipati yang tidak taat. Setelah banding oleh janda Ratu Adelaide dari Italia (d. 999) untuk perlindungan, raja Jerman Otto I (r. 936–973) menyeberangi Pegunungan Alpen ke Italia, menikahi janda muda itu dan memahkotai dirinya sendiri sebagai raja di Pavia pada tahun 951. Penobatannya sebagai Kaisar Romawi Suci di Roma pada tahun 962 menunjukkan klaimnya atas warisan Charlemagne.[ 140] Penerus Otto tetap sangat tertarik pada urusan Italia tetapi raja-raja Jerman yang absen tidak dapat menegaskan otoritas permanen atas aristokrasi lokal.[ 141] Di Semenanjung Iberia, Asturias berkembang perlahan ke selatan pada abad ke-8 dan ke-9, dan berlanjut sebagai Kerajaan León.[ 142]
Rute perdagangan Eropa Timur menuju Asia Tengah dan Timur Dekat dikendalikan oleh Khazar; kerajaan multietnis mereka menolak ekspansi Muslim, dan para pemimpin mereka beralih ke Yudaisme.[ 143] Pada akhir abad ke-9, rute perdagangan baru berkembang, melewati wilayah Khazar dan menghubungkan Asia Tengah dengan Eropa melintasi Volga Bulgaria; di sini penduduk lokal masuk Islam.[ 144] Di Skandinavia, kontak dengan Francia membuka jalan bagi upaya misionaris oleh pendeta Kristen, dan Kristenisasi terkait erat dengan pertumbuhan kerajaan terpusat di Denmark, Norwegia, dan Swedia. Pedagang Swedia dan pemburu budak berkisar di sungai-sungai Dataran Eropa Timur, merebut Kyiv dari Khazar, dan bahkan berusaha merebut Konstantinopel pada tahun 860 dan 907.[ 145] Penjajah Norse menetap di Islandia dan menciptakan sistem politik yang menghambat akumulasi kekuasaan oleh kepala suku yang ambisius.[ 146]
Byzantium menghidupkan kembali kekayaannya di bawah Kaisar Basil I (beral 867–886) dan penerusnya Leo VI (beral 886–912) dan Konstantinus VII (beral 913–959), anggota dinasti Makedonia. Perdagangan dihidupkan kembali dan kaisar mengawasi perpanjangan administrasi seragam ke semua provinsi. Istana kekaisaran adalah pusat kebangkitan pembelajaran klasik, sebuah proses yang dikenal sebagai Renaisans Makedonia. Militer direorganisasi, yang memungkinkan kaisar John I (r. 969–976) dan Basil II (r. 976–1025) untuk memperluas perbatasan kekaisaran.[ 147] Upaya misionaris oleh pendeta Timur dan Barat menghasilkan konversi orang Moravia, Bulgar Danubian, Ceko, Polandia, Magyar, dan penduduk Rus Kievan.[ 148] Moravia menjadi korban invasi Magyar sekitar tahun 900, Bulgaria menjadi ekspansionisme Bizantium antara tahun 971 dan 1018.[ 132][149] Setelah jatuhnya Moravia, adipati dinasti Přemyslid Ceko mengkonsolidasikan otoritas di Bohemia.[ 150] Di Polandia, penghancuran pusat-pusat kekuatan lama dan pembangunan benteng-benteng baru menyertai pembentukan negara di bawah adipati Piast.[ 151] Di Hungaria, para pangeran dari dinasti Árpád menerapkan kekerasan yang luas untuk menghancurkan oposisi oleh kepala suku Magyar yang bersaing.[ 152] Pangeran Rurikid dari Kievan Rus' menggantikan Khazar sebagai kekuatan hegemon zona hutan Eropa Timur yang luas setelah perampok Rus menjarah ibukota Khazar Atil pada tahun 965.[ 153]
Di bawah Konstantinus Agung dan penerusnya, basilika, aula besar yang telah digunakan untuk tujuan administratif dan komersial, diadaptasi untuk ibadah Kristen, dan basilika baru dibangun di kota-kota besar Romawi dan kerajaan pasca-Romawi.[ K][156] Pada akhir abad ke-6, arsitektur gereja Bizantium mengadopsi model alternatif yang meniru denah persegi panjang dan kubah Hagia Sophia Justinian, struktur beratap tunggal terbesar di dunia Romawi.[ 157] Karena basilika yang luas menjadi sedikit berguna dengan penurunan pusat kota di barat, mereka memberi jalan kepada gereja-gereja yang lebih kecil. Pada awal abad ke-8, Kekaisaran Carolingian menghidupkan kembali bentuk arsitektur basilika.[ 158] Salah satu fitur standar baru dari basilika Carolingian adalah penggunaan transept, atau "lengan" dari bangunan berbentuk T yang tegak lurus dengan bagian tengah yang panjang.[ 159]
Balai megah yang dibangun dari kayu atau batu adalah pusat kehidupan politik dan sosial di seluruh Abad Pertengahan awal. Desain mereka sering mengadopsi elemen arsitektur Romawi Akhir seperti pilaster, kolom, dan cakram pahatan.[ L][160] Setelah disintegrasi Kekaisaran Carolingian, penyebaran kastil aristokrat menunjukkan transisi dari benteng komunal ke pertahanan pribadi di Eropa barat. Sebagian besar kastil adalah struktur kayu tetapi penguasa terkaya mampu membangun benteng batu.[ M] Satu atau lebih menara, sekarang dikenal sebagai keep, adalah fitur paling khas dari benteng abad pertengahan. Kastil sering berkembang menjadi senyawa multifungsi dengan jembatan imbang, halaman berbenteng, tangki atau sumur, aula, kapel, istal, dan bengkel.[ 162]
Seni Carolingian didominasi oleh upaya untuk mendapatkan kembali martabat dan klasisisme seni kekaisaran Romawi dan Bizantium, tetapi juga dipengaruhi oleh seni Insular di Kepulauan Inggris. Seni insuler mengintegrasikan energi gaya ornamen Celtic Irlandia dan Jermanik Anglo-Saxon dengan bentuk Mediterania seperti buku, dan menetapkan banyak karakteristik seni untuk sisa periode abad pertengahan. Karya-karya keagamaan yang bertahan dari Abad Pertengahan Awal sebagian besar adalah manuskrip yang diterangi dan gading berukir.[ 163][164] Benda-benda dalam logam mulia adalah bentuk seni yang paling bergengsi, tetapi hampir semuanya hilang kecuali beberapa salib seperti Salib Lothair, beberapa relikui, dan temuan seperti penguburan Anglo-Saxon di Sutton Hoo dan penimbunan Gourdon dari Prancis Merovingian, Guarrazar dari Visigothic Spanyol dan Nagyszentmiklós dekat wilayah Bizantium. Ada yang bertahan dari bros besar dalam bentuk fibula atau penannular yang merupakan bagian penting dari perhiasan pribadi bagi para elit, termasuk Bros Tara Irlandia.[ 165] Buku-buku yang didekorasi dengan sangat banyak adalah Buku Injil dan ini telah bertahan dalam jumlah yang lebih besar, termasuk Insular Book of Kells, Book of Lindisfarne, dan Codex Aureus kekaisaran St. Emmeram, yang merupakan salah satu dari sedikit yang mempertahankan "pengikatan harta karun" dari emas yang bertatahkan permata.[ 166] Pengadilan Charlemagne tampaknya bertanggung jawab atas penerimaan patung monumental figuratif dalam seni Kristen,[167] dan pada akhir periode mendekati figur seukuran aslinya seperti Gero Cross adalah umum di gereja-gereja penting.[ 168]
Militer dan teknologi
Selama Kekaisaran Romawi kemudian, perkembangan militer utama adalah upaya untuk menciptakan kekuatan kavaleri yang efektif serta pengembangan berkelanjutan dari jenis pasukan yang sangat terspesialisasi. Penciptaan tentara tipe cataphract- lapis baja berat sebagai kavaleri adalah fitur penting dari militer Romawi Akhir. Berbagai suku penyerang memiliki penekanan yang berbeda pada jenis tentara—mulai dari penjajah infanteri Anglo-Saxon di Inggris hingga Vandal dan Visigoth yang memiliki proporsi kavaleri yang tinggi di pasukan mereka.[ 169] Perubahan terbesar dalam urusan militer selama periode invasi adalah adopsi busur komposit Hunnic sebagai pengganti busur komposit Scythian yang lebih awal, dan lebih lemah.[ 170] Kavaleri berat Avar memperkenalkan penggunaan sanggurdidi Eropa,[171] dan diadopsi oleh kavaleri Bizantium sebelum akhir abad ke-6.[ 172] Perkembangan lainnya adalah meningkatnya penggunaan pedang panjang dan penggantian progresif baju besi skala dengan surat dan baju besi lamellar.[ 173]
Pentingnya infanteri dan kavaleri ringan mulai menurun selama periode Carolingian awal, dengan dominasi kavaleri berat elit yang berkembang. Meskipun banyak tentara Carolingian dipasang, sebagian besar selama periode awal tampaknya telah dipasang infanteri, daripada kavaleri sejati.[ 174] Penggunaan pungutan tipe milisi dari populasi bebas menurun. Satu pengecualian adalah Inggris Anglo-Saxon, di mana tentara masih terdiri dari pungutan regional, yang dikenal sebagai fyrd.[ 175] Dalam teknologi militer, salah satu perubahan utama adalah kemunculan kembali panah sebagai senjata militer.[ 176] Kemajuan teknologi yang memiliki implikasi di luar militer adalah tapal kuda, yang memungkinkan kuda digunakan di medan berbatu.[ 177]
Prancis abad ke-13 mengastori inisialisasi dengan tiga kelas masyarakat abad pertengahan: mereka yang berdoa (pendeta) mereka yang bertarung (ksatria), dan mereka yang bekerja (petani).[ 178]
Abad Pertengahan Tinggi adalah periode ekspansi populasi yang luar biasa. Perkiraan populasi Eropa tumbuh dari 35 menjadi 80 juta antara 1000 dan 1347, meskipun penyebab pastinya masih belum jelas: teknik pertanian yang ditingkatkan, assarting (atau membawa tanah baru ke dalam produksi), iklim yang lebih sejuk dan kurangnya invasi semuanya telah disarankan.[ 179][180] Kebanyakan pemikir barat abad pertengahan membagi masyarakat menjadi tiga kelas fundamental. Ini adalah pendeta, bangsawan, dan petani (atau rakyat jelata).[ 181][182] Feodalisme mengatur hubungan sosial fundamental di banyak bagian Eropa. Dalam sistem ini, satu pihak memberikan properti, biasanya tanah kepada pihak lain sebagai imbalan atas layanan, sebagian besar bersifat militer yang harus diberikan oleh penerima, atau pengikut, kepada pemberi, atau tuan.[ 183][184] Di Jerman, allods yang tidak dapat dicabut tetap menjadi bentuk kepemilikan tanah yang dominan. Pemilik mereka berutang penghormatan kepada bangsawan atau raja berpangkat lebih tinggi tetapi kepemilikan tanah mereka bebas dari kewajiban feodal.[ 185]
Sebanyak 90 persen dari populasi Eropa tetap menjadi petani pedesaan. Banyak yang tidak lagi menetap di pertanian yang terisolasi tetapi telah berkumpul menjadi komunitas kecil yang lebih dapat dipertahankan, biasanya dikenal sebagai manor atau desa.[ 179][186] Dalam sistem manorialisme, manor adalah unit dasar kepemilikan tanah, dan terdiri dari komponen yang lebih kecil, seperti parsel yang dipegang oleh penyewa petani, dan demesne tuan.[ 187] Kepemilikan budak menurun karena orang-orang gereja melarang perbudakan kaum penganut agama, tetapi bentuk ketergantungan baru (sederhana) menggantikannya pada akhir abad ke-11. Tidak seperti budak, budak memiliki kapasitas hukum, dan status turun-temurun mereka diatur oleh perjanjian dengan tuan mereka. Pembatasan kegiatan mereka bervariasi tetapi kebebasan bergerak mereka biasanya terbatas, dan mereka biasanya berutang corvées, atau layanan tenaga kerja.[ 188][189] Petani meninggalkan tanah air mereka dengan imbalan hak istimewa ekonomi dan hukum yang signifikan, biasanya tingkat perpajakan yang lebih rendah dan hak untuk memberikan keadilan di tingkat lokal. Pergerakan lintas batas massa petani memiliki konsekuensi demografis yang radikal, seperti penyebaran permukiman Jerman ke timur, dan perluasan populasi Kristen di Iberia.[ 190]
Dengan perkembangan kavaleri berat, kelas prajurit bebas yang sebelumnya kurang lebih seragam terbagi menjadi dua kelompok. Mereka yang bisa melengkapi diri mereka sebagai ksatria berkuda diintegrasikan ke dalam aristokrasi tradisional, tetapi yang lain berasimilasi ke dalam kaum tani.[ 191] Posisi aristokrasi baru distabilkan melalui adopsi kebiasaan warisan yang ketat, seperti primogenitur—hak putra sulung untuk mewarisi domain keluarga yang tidak terbagi.[ 192] Bangsawan dikelompokkan dalam hal tanah dan orang-orang yang mereka pegang otoritasnya; bangsawan berpangkat terendah tidak memegang tanah dan harus melayani bangsawan yang lebih kaya.[ N][194] Meskipun hanya membentuk sekitar satu persen dari populasi, kaum bangsawan tidak pernah menjadi kelompok tertutup: raja dapat membesarkan rakyat jelata ke aristokrasi, rakyat jelata kaya dapat menikah dengan keluarga bangsawan, dan bangsawan miskin terkadang menyerahkan status istimewa mereka.[ 195] Pergerakan konstan bangsawan Barat menuju pinggiran Susunan Kristen Latin adalah elemen yang menampilkan masyarakat abad pertengahan yang tinggi. Para bangsawan berbahasa Prancis- terutama menetap di Kepulauan Inggris, Italia selatan atau Iberia, sedangkan bangsawan Jerman lebih suka Eropa Tengah dan Timur. Migrasi mereka sering didukung oleh penguasa lokal yang sangat menghargai keterampilan militer mereka, tetapi dalam banyak kasus para pendatang baru adalah penakluk yang mendirikan kekuasaan baru dengan paksa.[ O][197]
Pendeta dibagi menjadi dua jenis: pendeta sekuler, yang peduli dengan kebutuhan spiritual orang percaya, terutama melayani di gereja-gereja paroki; dan pendeta reguler, yang hidup di bawah aturan agama sebagai biarawan, kanon, atau biarawan. Sepanjang periode ulama tetap merupakan proporsi yang sangat kecil dari populasi, biasanya sekitar satu persen. Anggota gereja mengawasi beberapa aspek kehidupan sehari-hari, pengadilan gereja memiliki yurisdiksi eksklusif atas urusan pernikahan,[198] dan otoritas gereja mendukung gerakan perdamaian populer.[ 199]
Wanita secara resmi diharuskan untuk menjadi bawahan beberapa pria, apakah ayah, suami, atau kerabat lainnya. Pekerjaan wanita umumnya terdiri dari rumah tangga atau tugas-tugas yang cenderung domestik lainnya seperti pengasuhan anak. Wanita petani dapat menambah pendapatan rumah tangga dengan memutar atau menyeduh di rumah, dan mereka juga diharapkan untuk membantu pekerjaan lapangan pada waktu panen.[ 200] Wanita kota dapat terlibat dalam perdagangan tetapi seringkali hanya dengan hak suami mereka, dan tidak seperti pesaing pria mereka, mereka tidak selalu diizinkan untuk melatih magang.[ 201] Wanita bangsawan dapat mewarisi tanah tanpa adanya ahli waris laki-laki tetapi potensi mereka untuk melahirkan anak dianggap sebagai kebajikan utama mereka.[ 202] Satu-satunya peran yang terbuka untuk wanita di Gereja adalah peran biarawati, karena mereka tidak dapat menjadi imam.[ 203]
Perdagangan dan ekonomi
Ilustrasi abad ke-13 tentang seorang Yahudi (dengan topi Yahudi runcing) dan debat Petrus Alphonsi KristenPeta T-O, c. 1265 (BL Tambahkan. MS 28681)
Perluasan populasi, produktivitas pertanian yang lebih besar, dan stabilitas politik relatif meletakkan dasar bagi "Revolusi Komersial" abad pertengahan pada abad ke-11.[ 204] Orang-orang dengan kelebihan uang tunai mulai berinvestasi dalam komoditas seperti garam, merica, dan sutra di pasar yang jauh.[ 205] Meningkatnya perdagangan membawa metode baru dalam berurusan dengan uang, dan koin emas kembali dicetak di Eropa, pertama di Italia dan kemudian di Prancis. Bentuk baru kontrak komersial muncul, memungkinkan risiko untuk dibagikan dalam kerangka kemitraan yang dikenal sebagai commenda atau compagnia.[ 206] Tagihan tukar juga muncul, memungkinkan transmisi uang yang mudah. Karena banyak jenis koin yang beredar, penukar uang memfasilitasi transaksi antara pedagang lokal dan asing. Pinjaman juga dapat dinegosiasikan dengan mereka yang memunculkan perkembangan lembaga kredit yang disebut bank.[ 207] Ketika kota-kota baru berkembang dari pusat komersial lokal, pertumbuhan ekonomi membawa gelombang baru urbanisasi. Raja dan bangsawan terutama mendukung proses dengan harapan peningkatan pendapatan pajak.[ 208] Sebagian besar komunitas perkotaan menerima hak istimewa yang mengakui otonomi mereka, tetapi hanya sedikit kota yang dapat menyingkirkan semua elemen kontrol kerajaan atau aristokrat.[ 209] Sepanjang Abad Pertengahan populasi kota-kota mungkin tidak pernah melebihi 10 persen dari total populasi.[ 210]
Republik maritim Italia seperti Amalfi, Venesia, Genoa, dan Pisa adalah yang pertama mendapat untung dari kebangkitan perdagangan di Mediterania.[ 211] Di utara, pedagang Jerman mendirikan asosiasi yang dikenal sebagai hansas dan mengambil kendali rute perdagangan yang menghubungkan Kepulauan Inggris dan Negara-Negara Dataran Rendah dengan Skandinavia dan Eropa Timur.[ 212][P] Pameran perdagangan besar didirikan dan berkembang di Prancis utara, memungkinkan pedagang Italia dan Jerman untuk berdagang satu sama lain serta pedagang lokal.[ 214] Pada akhir abad ke-13 rute darat dan laut baru ke Timur Jauh dirintis, terkenal digambarkan dalam The Travels of Marco Polo yang ditulis oleh salah satu pedagang, Marco Polo (w. 1324).[ 215]
Pertumbuhan ekonomi memberikan kesempatan kepada pedagang Yahudi untuk menyebar ke seluruh Eropa. Meskipun sebagian besar raja, uskup, dan bangsawan menghargai kontribusi orang Yahudi terhadap ekonomi lokal, banyak rakyat jelata menganggap pendatang baru non-Kristen sebagai ancaman yang akan segera terjadi terhadap kohesi sosial.[ 216] Karena orang-orang Yahudi tidak dapat terlibat dalam perdagangan bergengsi di luar komunitas mereka, mereka sering mengambil pekerjaan yang dibenci seperti ragmen atau pemungut pajak.[ 217] Mereka sangat aktif dalam meminjamkan uang karena mereka dapat mengabaikan kecaman ulama Kristen atas bunga pinjaman.[ 218] Pemberi pinjaman uang dan pialang pion Yahudi memperkuat antisemitisme, yang menyebabkan tuduhan penistaan agama, fitnah darah, dan pogrom. Kekhawatiran otoritas gereja yang berkembang tentang pengaruh Yahudi pada kehidupan Kristen mengilhami hukum segregasi,[Q] dan bahkan pengusiran permanen mereka dari Inggris pada tahun 1290.[ 220]
Teknologi dikembangkan terutama melalui inovasi kecil dan dengan adopsi teknologi canggih dari Asia melalui mediasi Muslim.[ 222] Kemajuan teknologi utama termasuk jam mekanis pertama, pembuatan roh suling, dan penggunaan astrolab.[ 223] Kacamata cembung mungkin ditemukan sekitar tahun 1286.[ 224]Kincin angin pertama kali dibangun di Eropa pada abad ke-12,[223] roda berputar muncul sekitar 1200.[ 225]
Pengembangan sistem rotasi tiga bidang untuk menanam tanaman[R] meningkatkan penggunaan lahan lebih dari 30 persen, dengan konsekuensi peningkatan produksi.[ 226] Pengembangan bajak berat memungkinkan tanah yang lebih berat untuk ditanami dengan lebih efisien. Penyebaran kerah kuda menyebabkan penggunaan kuda draft yang membutuhkan lebih sedikit padang rumput daripada sapi.[ 227] Legum—seperti kacang polong, kacang-kacangan, atau lentil—ditumbuhkan lebih luas, selain tanaman sereal.[ 228]
Pembangunan katedral dan kastil teknologi bangunan canggih, mengarah pada pengembangan bangunan batu besar. Struktur tambahan termasuk balai kota baru, rumah sakit, jembatan, dan lumbung persepuluh.[ 229] Pembuatan kapal ditingkatkan dengan penggunaan metode tulang rusuk dan papan daripada sistem tanggam dan dura Romawi yang lama. Perbaikan lain pada kapal termasuk penggunaan layar lateen dan kemudi stern-post, yang keduanya meningkatkan kecepatan di mana kapal dapat berlayar.[ 230]
Dalam urusan militer, penggunaan infanteri dengan peran khusus meningkat. Bersama dengan kavaleri berat yang masih mendominasi, tentara sering termasuk crossbowmen berkuda dan infanteri, serta sapper dan insinyur.[ 231] Panah meningkat dalam penggunaan sebagian karena peningkatan perang pengepungan.[ 176][S] Hal ini menyebabkan penggunaan helm wajah tertutup, pelindung tubuh berat, serta pelindung kuda selama abad ke-12 dan ke-13.[ 233] Bubuk mesiu dikenal di Eropa pada pertengahan abad ke-13.[ 234]
Penobatan awam—penunjukan ulama oleh penguasa sekuler—dikutuk di majelis uskup di Roma pada tahun 1059, dan sinode yang sama menetapkan hak eksklusif Dewan Kardinal untuk memilih para paus.[ 238] Putra dan penerus Henry Henry IV (berior. 1056–1105) ingin mempertahankan hak untuk menunjuk pilihannya sendiri sebagai uskup di dalam tanahnya tetapi pengangkatannya membuat marah Paus Gregorius VII (paus 1073–85). Pertengkaran mereka berkembang menjadi Kontroversi Penobatan, yang melibatkan kekuatan lain juga karena raja-raja tidak melepaskan kendali penunjukan ke keuskupan secara sukarela. Semua konflik berakhir dengan kompromi, dalam kasus Kaisar Romawi Suci dengan Konkordat Worms 1122, terutama mengakui klaim raja.[ 239][240][T]
Abad Pertengahan Tinggi adalah periode gerakan keagamaan besar.[ 242] Situs ziarah lama seperti Roma, Yerusalem, dan Compostela menerima semakin banyak pengunjung, dan situs baru seperti Monte Gargano dan Bari menjadi terkenal.[ 243] Gerakan populer muncul untuk mendukung implementasi reformasi gereja tetapi antiklerikalisme mereka kadang-kadang menyebabkan penolakan dogma Katolik oleh kelompok paling radikal seperti Waldensia dan Kathar.[ 244][245] Untuk menekan ajaran sesat, para paus menunjuk komisaris investigasi khusus yang dikenal sebagai inkuisitor.[ 246] Reformasi monastik berlanjut karena upacara-upacara indah biara-biara Cluniac asing bagi mereka yang lebih menyukai monastisisme hermisme hermistik yang lebih sederhana dari Kekristenan awal, atau ingin menjalani "kehidupan apostolik" kemiskinan dan khotbah. Ordo monastik baru didirikan, termasuk Carthusians dan Cistercians.[ 247] Pada abad ke-13 ordo pengemis—Fransiskandan Dominikan—yang bersumpah akan kemiskinan dan mencari nafkah dengan mengemis, disetujui oleh kepausan.[ 248]
Abad Pertengahan Tinggi melihat perkembangan institusi yang akan mendominasi kehidupan politik di Eropa hingga akhir abad ke-18. Majelis perwakilan memberikan pengaruh pada administrasi negara melalui kontrol perpajakan mereka.[ 249] Konsep monarki turun-temurun menguku pada paralel dengan perkembangan hukum yang mengatur warisan tanah.[ 250] Saat suksesi wanita diakui di sebagian besar negara, ratu pertama yang memerintah mengambil alih kekuasaan.[ U][252]
Band perang Norman merebut Italia selatan dan Sisilia dari penguasa lokal Lombard, Bizantium, dan Muslim. Kekepemian wilayah mereka diakui oleh kepausan pada tahun 1059, dan Roger II (r. 1105–54) menyatukan tanah-tanah ini ke dalam Kerajaan Sisilia.[ 253] Kepausan, yang telah lama melekat pada ideologi kemerdekaan dari pengaruh sekuler, pertama kali menegaskan klaimnya atas otoritas temporal atas seluruh dunia Kristen, tetapi identitas baru ini menyebabkan konflik dengan kaisar barat dan penguasa Italia.[ 254] Monarki Kepausanmencapai puncaknya di bawah kepausan Innosensius III (paus 1198–1216).[ 255]
Di Kekaisaran Romawi Suci, orang Ottonian digantikan oleh orang Salian pada tahun 1024. Mereka melindungi bangsawan yang lebih rendah untuk mengurangi kekuasaan adipati Jerman dan merebut Burgundy sebelum bentrok dengan kepausan di bawah Henry IV.[ 256] Setelah jeda singkat antara 1125 dan 1137, Hohenstaufens menggantikan Salian. Konflik berulang mereka dengan kepausan memungkinkan kota-kota Italia utara dan pangeran gerejawi dan sekuler Jerman untuk memeras konsesi yang cukup besar dari kaisar. Pada tahun 1183, Frederick I Barbarossa (bertak 1155-90) menyetujui hak kota-kota Lombard untuk memilih pemimpin mereka; hak istimewa yudisial dan ekonomi pangeran Jerman dikonfirmasi pada masa pemerintahan cucunya Frederick II (r. 1220–50).[ 257] Frederick terkenal karena pengetahuan dan gaya hidupnya yang tidak konvensional[V] tetapi usahanya untuk memerintah Italia akhirnya menyebabkan jatuhnya dinastinya. Di Jerman, periode interregnum, atau lebih tepatnya perang saudara dimulai, sedangkan Sisilia—warisan keibuan Frederick—disita oleh pangeran Prancis yang ambisius Charles I dari Anjou (r. 1266–85).[ 259] Selama perang saudara Jerman, hak tujuh pangeran-pemilih untuk memilih raja ditegarkan kembali. Rudolf dari Habsburg (berulang 1273–91), raja pertama yang terpilih setelah interregnum, menyadari bahwa ia tidak dapat mengendalikan seluruh kekaisaran. Dia memberikan Austria kepada putra-putranya, sehingga membangun dasar untuk dominasi masa depan Habsburg di Eropa Tengah.[ 260][261]
Di bawah dinasti Capetian, monarki Prancis perlahan mulai memperluas otoritasnya atas kaum bangsawan.[ 262] Raja-raja Prancis menghadapi saingan yang kuat di Dukes of Normandy, yang pada tahun 1066 di bawah William the Conqueror (r. 1035–87) menaklukkan Inggris dan menciptakan kerajaan lintas-Channel.[ 263][264] Di bawah dinasti Angevin Henry II (r. 1154–89) dan putranya Richard I (r. 1189–99), raja-raja Inggris memerintah atas Inggris dan wilayah Prancis yang luas. Adik laki-laki Richard, John (berk. 1199–1216) kehilangan harta Prancis utara pada tahun 1204 kepada raja Prancis Filipus II Augustus (r. 1180–1223).[ 265] Hal ini menyebabkan perselisihan di antara bangsawan Inggris, sementara tuntutan keuangan John untuk membayar upayanya yang gagal untuk mendapatkan kembali Normandia pada tahun 1215 mengarah ke Magna Carta, sebuah piagam yang mengkonfirmasi hak dan hak istimewa orang-orang bebas di Inggris. Di bawah Henry III (r. 1216–72), putra John, konsesi lebih lanjut dibuat untuk kaum bangsawan, dan kekuatan kerajaan berkurang.[ 266] Di Prancis, putra Philip Augustus, Louis VIII (bertakluk 1223–26) mendistribusikan sebagian besar penaklukan ayahnya di antara putra-putranya yang lebih muda sebagai appanage—provinsi yang hampir independen—untuk memfasilitasi administrasi mereka. Pada kematiannya jandanya Blanche dari Kastilia (meninggal 1252) mengambil alih pemerintahan, dan menghancurkan serangkaian pemberontakan aristokrat.[ 267] Putra mereka Louis IX (berhal 1226–70) meningkatkan administrasi lokal dengan menunjuk inspektur yang dikenal sebagai enquêteurs untuk mengawasi perilaku pejabat kerajaan. Pengadilan kerajaan (atau parlemen) di Paris mulai mendengarkan pihak yang berperkara dalam sesi reguler hampir sepanjang tahun.[ 268]
Negara-negara Kristen Iberia, yang telah terbatas di bagian utara semenanjung, mulai mendorong kembali negara-negara Islam di selatan, periode yang dikenal sebagai Reconquista.[ 269] Pada sekitar tahun 1150, utara Kristen telah bergabung menjadi lima kerajaan utama León, Kastilia, Aragon, Navarre, dan Portugal.[ 270] Iberia Selatan tetap berada di bawah kendali negara-negara Islam, awalnya di bawah Kekhalifahan Córdoba, yang pecah pada tahun 1031 menjadi sejumlah negara kecil yang dikenal sebagai taifa.[ 269] Meskipun Almoravid dan Almohad, dua dinasti dari Maghreb, mendirikan pemerintahan terpusat atas Iberia Selatan masing-masing pada 1110-an dan 1170-an, kerajaan mereka dengan cepat hancur, memungkinkan perluasan lebih lanjut dari kerajaan-kerajaan Kristen.[ 271] Negara-negara Skandinavia Katolik juga berkembang: raja-raja Norwegia mengambil alih kendali koloni Norse di Islandia dan Greenland, Denmark merebut sebagian Estonia, dan Swedia menaklukkan Finlandia.[ 272]
Di timur, Kievan Rus' berantakan menjadi kerajaan independen. Di antara mereka, Vladimir-Suzdal utara muncul sebagai kekuatan dominan setelah pasukan Suzdalian memecat Kyiv pada tahun 1169.[ 273] Polandia juga hancur menjadi kadipaten otonom pada tahun 1138, memungkinkan raja-raja Ceko untuk merebut bagian dari Kadipaten Silesia yang makmur pada akhir abad ke-13.[ 274] Raja-raja Hongaria merebut Kroasia tetapi menghormati kebebasan aristokrasi asli. Mereka mengklaim (tetapi hanya secara berkala dicapai) suzerenitas atas tanah dan orang lain seperti Dalmatia, Bosnia, dan Cuman nomaden.[ 275] Orang-orang Cuman mendukung orang-orang Bulgaria dan Vlach selama pemberontakan anti-Bizantium mereka yang mengarah pada pemulihan Bulgaria pada akhir abad ke-12.[ 276] Di sebelah barat Bulgaria, Serbia memperoleh kemerdekaan.[ 277]
Dengan bangkitnya Kekaisaran Mongol di stepa Eurasia di bawah Genghis Khan (r. 1206–27), kekuatan ekspansionis baru mencapai perbatasan timur Eropa.[ 278] Antara 1236 dan 1242, Mongol menaklukkan Volga Bulgaria, menghancurkan kerajaan Rus, dan menghancurkan wilayah besar di Polandia, Hongaria, Kroasia, Serbia, dan Bulgaria. Komandan-in-chief mereka Batu Khan (r. 1241–56)—cucu Jenghis Khan—mendirikan ibukotanya di Sarai di Volga, mendirikan Gerombolan Emas, sebuah negara Mongol yang secara nominal di bawah otoritas Khan Agung yang jauh. Bangsa Mongol mengekstraksi upeti berat dari kerajaan Rus, dan para pangeran Rus harus mengambil alih diri mereka sendiri dengan khan Mongol untuk konsesi ekonomi dan politik.[ W] Penaklukan Mongol diikuti oleh periode damai di Eropa Timur yang memfasilitasi pengembangan kontak perdagangan langsung antara Eropa dan Cina melalui koloni Genoa yang baru didirikan di wilayah Laut Hitam.[ 280]
Bentrokan dengan kekuatan sekuler selama Kontroversi Penobatan mempercepat militerisasi kepausan. Paus Urbanus II (paus 1088-99) memproklamasikan Perang Salib Pertama di Dewan Clermont, menyatakan pembebasan Yerusalem sebagai tujuan utamanya, dan menawarkan indulgensi—pengampunan dosa—bagi semua yang mengambil bagian.[ 281] Puluhan ribu fanatik, terutama orang biasa, membentuk kelompok yang terorganisir secara longgar, hidup dari penjarahan, dan menyerang komunitas Yahudi saat mereka berbaris ke timur. Pogrom antisemit sangat kejam di Rhineland. Beberapa tentara salib pertama mencapai Asia Kecil, dan mereka yang berhasil dimusnahkan oleh Turki.[ 282][283] Perang salib resmi berangkat pada tahun 1096 di bawah komando bangsawan terkemuka seperti Godfrey dari Bouillon (meningi 1100), dan Raymond dari Saint-Gilles (meningi 1105). Mereka mengalahkan Turki dalam dua pertempuran besar di Dorylaeum dan Antiokhia, memungkinkan Bizantium untuk memulihkan Asia Kecil barat. Orang-orang barat mengkonsolidasikan penaklukan mereka ke negara-negara tentara salib di Suriah utara dan Palestina, tetapi keamanan mereka bergantung pada bantuan militer eksternal yang menyebabkan perang salib lebih lanjut.[ 284] Perlawanan Muslim dibangkitkan oleh panglima perang yang ambisius, seperti Saladin (w. 1193) yang merebut Yerusalem pada tahun 1187.[ 285] Perang salib baru memperpanjang keberadaan negara-negara tentara salib selama satu abad lagi, sampai benteng terakhir tentara salib jatuh ke Mamluk Mesir pada tahun 1291.[ 286]
Dengan upacara dan institusi khusus, gerakan perang salib menjadi elemen yang menampilkan kehidupan abad pertengahan.[ Y] Seringkali pajak luar biasa dikenakan untuk membiayai perang salib, dan dari tahun 1213 sumpah tentara salib dapat dipenuhi melalui pembayaran tunai yang memunculkan penjualan indulgensi pleno oleh otoritas Gereja.[ 294] Perang salib membawa perpaduan kehidupan monastik dengan dinas militer dalam kerangka jenis baru ordo monastik, ordo militer. Pembentukan Ksatria Templar menetapkan preseden, menginspirasi militerisasi asosiasi amal, seperti Hospitallers dan Ksatria Teutonik, dan pendirian ordo baru biarawan prajurit, seperti Ordo Calatrava dan Livonian Brothers of the Sword.[ 295][296] Meskipun didirikan di negara-negara tentara salib, Ordo Teutonik memfokuskan sebagian besar aktivitasnya di Baltik di mana mereka mendirikan negara mereka sendiri pada tahun 1226.[ 297]
Bab-bab katedral diharapkan untuk mengoperasikan sekolah dari akhir abad ke-11. Karena siswa sekolah monastik tradisional hidup di bawah aturan ketat, sekolah katedral yang lebih lunak dengan cepat meminggirkan mereka. Sekolah yang mencapai tingkat penguasaan tertinggi dalam disiplin ilmu yang mereka ajarkan menerima pangkat studium generale, atau universitas dari paus atau Kaisar Romawi Suci.[ 298][299] Institusi pendidikan baru mendorong diskusi ilmiah.[ 300] Debat antara realis dan nominalis atas konsep "universal" sangat memanas. Wacana filosofis dirangsang oleh penemuan kembali Aristoteles dan penekanannya pada empirisme dan rasionalisme. Cendekiawan seperti Peter Abelard (meningi 1142) dan Peter Lombard (meningi 1164) memperkenalkan logika Aristotelian ke dalam teologi.[ 301] Skolastikisme, metode baru wacana intelektual dan pedagogi, membutuhkan studi teks otoritatif, terutama sastra Vulgata dan patristik, tetapi referensi ke mereka tidak dapat lagi mengesampingkan argumentasi rasional.[ 302] Akademisi skolastik merangkum pandangan mereka dan penulis lain tentang subjek tertentu dalam koleksi kalimat komprehensif yang dikenal sebagai summae, termasuk Summa Theologica oleh Thomas Aquinas (w. 1274).[ 303]
Penemuan salinan Corpus Juris Civilis pada abad ke-11 membuka jalan bagi studi sistematis hukum Romawi di Bologna. Hal ini menyebabkan pencatatan dan standarisasi kode hukum di seluruh Eropa Barat. Sekitar tahun 1140, biarawan Gratian (fl. abad ke-12), seorang guru di Bologna, menulis apa yang menjadi teks standar hukum gerejawi, atau hukum kanon—Dechretum Gratiani.[ 308] Di antara hasil pengaruh Yunani dan Islam pada periode ini dalam sejarah Eropa adalah penggantian angka Romawi dengan sistem bilangan posisi desimal dan penemuan aljabar, yang memungkinkan matematika yang lebih maju. Astronomi mendapat manfaat dari terjemahan Almagest Ptolemy dari bahasa Yunani ke bahasa Latin pada akhir abad ke-12. Kedokteran juga dipelajari, terutama di Italia selatan, di mana pengobatan Islam mempengaruhi sekolah di Salerno.[ 309]
Pada abad ke-10 pendirian gereja dan biara mengarah pada pengembangan arsitektur batu yang menguraikan bentuk Romawi vernakular, dari mana istilah "Romanesque" berasal. Jika tersedia, bangunan bata dan batu Romawi didaur ulang untuk bahannya. Dari awal tentatif yang dikenal sebagai Romanesque Pertama, gayanya berkembang dan menyebar ke seluruh Eropa dalam bentuk yang sangat homogen. Tepat sebelum tahun 1000 ada gelombang besar membangun gereja batu di seluruh Eropa.[310][verifikasi gagal] bangunan Romawi memiliki dinding batu besar, bukaan yang diatapi oleh lengkungan setengah lingkaran, jendela kecil, dan, khususnya di Prancis, kubah batu melengkung.[ 311] Portal besar dengan patung berwarna dalam relief tinggi menjadi fitur utama fasad, terutama di Prancis, dan ibu kota kolom sering diukir dengan adegan naratif monster dan hewan imajinatif.[312][verifikasi gagal] Menurut sejarawan seni C. R. Dodwell, "hampir semua gereja di Barat dihiasi dengan lukisan dinding", yang hanya sedikit yang bertahan.[ 313] Bersamaan dengan perkembangan arsitektur gereja, bentuk kastil khas Eropa dikembangkan dan menjadi penting untuk politik dan peperangan.[ 314]
Seni Romawi, terutama pengerjaan logam, adalah yang paling canggih dalam seni Mosan, di mana kepribadian artistik yang berbeda termasuk Nicholas dari Verdun (meninggal 1205) menjadi jelas, dan gaya yang hampir klasik terlihat dalam karya-karya seperti font di Liège.[ 315] Alkitab dan psalter besar yang diterangi adalah bentuk khas dari manuskrip mewah.[ 316]
Dari awal abad ke-12, pembangun Prancis mengembangkan gaya Gotik, ditandai dengan penggunaan kubah tulang rusuk, lengkungan runcing, penopang terbang, dan jendela kaca patri besar. Itu digunakan terutama di gereja dan katedral dan terus digunakan sampai abad ke-16 di sebagian besar Eropa. Contoh klasik arsitektur Gotik termasuk Katedral Chartre dan Katedral Reims di Prancis serta Katedral Salisbury di Inggris.[ 317] Kaca patri menjadi elemen penting dalam desain gereja, yang terus menggunakan lukisan dinding yang luas, sekarang hampir semuanya hilang.[ 318]
Selama periode ini praktik iluminasi manuskrip secara bertahap berpindah dari biara ke bengkel peletian, sehingga menurut Janetta Benton "pada 1300 sebagian besar biarawan membeli buku mereka di toko-toko",[319] dan buku jam dikembangkan sebagai bentuk buku kebaktian untuk orang awam. Pengerjaan logam terus menjadi bentuk seni paling bergengsi, dengan enamel Limoges menjadi pilihan yang populer dan relatif terjangkau.[ 320] Di Italia inovasi Cimabue dan Duccio, diikuti oleh master Trecento Giotto (w. 1337), sangat meningkatkan kecanggihan dan status lukisan panel dan fresco.[ 321] Peningkatan kemakmuran selama abad ke-12 menghasilkan produksi seni sekuler yang lebih besar; banyak benda gading berukir seperti potongan permainan, sisir, dan tokoh agama kecil telah bertahan.[ 322]
Suhu tahunan rata-rata menurun dari sekitar 1200, memperkenalkan transisi bertahap dari Periode Hangat Abad Pertengahan ke Zaman Es Kecil. Anomali iklim menyebabkan krisis pertanian dan kelaparan, yang berpuncak pada Kelaparan Besar tahun 1315–17.[ 323] Ketika para petani yang kelaparan menyembelih hewan rancangan mereka, mereka yang selamat harus melakukan upaya luar biasa untuk menghidupkan kembali pertanian.Monokultur yang sebelumnya menguntungkan memperburuk situasi di banyak daerah, karena cuaca yang tidak sesuai musim dapat benar-benar merusak musim panen.[ 324]
Eksekusi beberapa pemimpin kelompok Jacquerie, dari manuskrip abad ke-14 dari Chroniques de France ou de St Denis
Masalah-masalah ini diikuti pada tahun 1347 oleh Maut Hitam, sebuah pandemi yang menyebar ke seluruh Eropa selama tiga tahun berikutnya, membunuh sekitar sepertiga dari populasi. Kota-kota sangat terpukul karena kondisinya yang ramai.[ AA] Kematian yang cepat dan sangat tinggi menghancurkan ekonomi dan perdagangan, dan pemulihannya lambat. Para petani yang selamat dari pandemi membayar sewa yang lebih rendah kepada tuan tanah tetapi permintaan untuk produk pertanian menurun, dan harga yang lebih rendah hampir tidak menutupi biaya mereka. Pekerja perkotaan menerima gaji yang lebih tinggi tetapi mereka dikenakan pajak yang besar. Kadang-kadang, pemerintah mencoba untuk memperbaiki sewa pedesaan pada tingkat tinggi, atau untuk menjaga gaji perkotaan tetap rendah, yang memicu pemberontakan populer di seluruh Eropa, termasuk Jacquerie di Prancis, Pemberontakan Petani di Inggris, dan Pemberontakan Ciompi di Florence.[ 326] Trauma wabah menyebabkan peningkatan kesalehan di seluruh Eropa, dimanifestasikan oleh fondasi badan amal baru, mortifikasi diri para flagellant, dan kambing hitam orang Yahudi.[ 327] Wabah terus menyerang Eropa secara berkala selama sisa Abad Pertengahan.[ 325]
Masyarakat dan ekonomi
Masyarakat di seluruh Eropa terganggu oleh dislokasi yang disebabkan oleh Kematian Hitam. Tanah yang sedikit produktif ditinggalkan, karena para penyintas dapat memperoleh daerah yang lebih subur.[ 328] Meskipun perbudakan menurun di Eropa Barat, itu menjadi lebih umum di Eropa Timur, karena tuan tanah memaksakannya pada penyewa yang sebelumnya bebas.[ 329] Sebagian besar petani di Eropa Barat berhasil mengubah pekerjaan yang sebelumnya mereka berutang kepada tuan tanah mereka menjadi sewa tunai.[ 330] Persentase budak di antara kaum tani menurun dari level tertinggi 90 menjadi mendekati 50 persen pada akhir periode.[193][verifikasi gagal] Tuan tanah juga menjadi lebih sadar akan kepentingan bersama dengan pemilik tanah lain, dan mereka bergabung untuk memeras hak istimewa dari pemerintah mereka. Sebagian atas desakan tuan tanah, pemerintah berusaha untuk membuat undang-undang kembali ke kondisi ekonomi yang ada sebelum Kematian Hitam.[ 330] Non-klerus menjadi semakin terpelajar, dan populasi perkotaan mulai meniru minat bangsawan dalam kesatria.[ 331]
Komunitas Yahudi diusir dari Inggris pada tahun 1290 dan dari Prancis pada tahun 1306. Banyak yang beremigrasi ke arah timur, menetap di Polandia dan Hongaria.[ 332] Orang-orang Yahudi diusir dari Spanyol pada tahun 1492 dan dibubarkan ke Turki, Prancis, Italia, dan Belanda.[ 333] Munculnya perbankan di Italia selama abad ke-13 berlanjut sepanjang abad ke-14, sebagian didorong oleh meningkatnya perang pada periode tersebut dan kebutuhan kepausan untuk memindahkan uang antar kerajaan. Banyak perusahaan perbankan meminjamkan uang kepada bangsawan, dengan risiko besar, karena beberapa bangkrut ketika raja gagal membayar pinjaman mereka.[ 334][AB]
Kebangkitan negara
Negara-negara bangsa yang kuat dan berbasis royalti- meningkat di seluruh Eropa pada Abad Pertengahan Akhir, khususnya di Inggris, Prancis, dan kerajaan-kerajaan Kristen di Semenanjung Iberia: Aragon, Kastilia, dan Portugal. Konflik panjang pada periode itu memperkuat kontrol kerajaan atas kerajaan mereka dan sangat keras pada kaum tani. Raja-raja mendapat keuntungan dari peperangan yang memperluas undang-undang kerajaan dan meningkatkan tanah yang mereka kendalikan secara langsung.[ 335] Membayar untuk perang mengharuskan metode perpajakan menjadi lebih efektif dan efisien, dan tingkat perpajakan sering meningkat.[ 336] Persyaratan untuk mendapatkan persetujuan pembayar pajak memungkinkan badan perwakilan seperti Parlemen Inggris dan Estates General Prancis untuk mendapatkan kekuasaan dan otoritas.[ 337]
Sepanjang abad ke-14, raja-raja Prancis berusaha untuk memperluas pengaruh mereka dengan mengorbankan kepemilikan teritorial kaum bangsawan.[ 338] Mereka mengalami kesulitan ketika mencoba untuk menyita kepemilikan raja-raja Inggris di Prancis selatan, yang mengarah ke Perang Seratus Tahun,[339] yang dilancarkan dari tahun 1337 hingga 1453.[ 340] Di awal perang, Inggris memenangkan pertempuranCrécydan Poitiers, merebut kota Calais, dan memenangkan kendali atas sebagian besar Prancis.[ AC] Tekanan yang dihasilkan hampir menyebabkan disintegrasi kerajaan Prancis.[ 342] Pada awal abad ke-15, Prancis kembali hampir larut, setelah kemenangan Henry V di Pertempuran Agincourt pada tahun 1415, yang secara singkat membuka jalan bagi penyatuan kedua kerajaan. Namun, putranya Henry VI segera menyia-nyiakan semua keuntungan sebelumnya,[343] dan pada akhir 1420-an, keberhasilan militer Joan of Arc (meningi 1431) menyebabkan kemenangan Prancis dan penangkapan harta Inggris terakhir di Prancis selatan pada 1453.[ 344] Harganya tinggi, dengan populasi Prancis di akhir perang kemungkinan setengah dari yang terjadi di awal. Sebaliknya, Perang memiliki efek positif pada identitas nasional Inggris, melakukan banyak hal untuk memadukan berbagai identitas lokal menjadi cita-cita nasional Inggris. Konflik dengan Prancis juga membantu menciptakan budaya nasional di Inggris yang terpisah dari budaya Prancis, yang sebelumnya telah menjadi pengaruh dominan.[ 345] Dominasi busur panjang Inggris dimulai pada tahap awal Perang Seratus Tahun,[346] dan meriam muncul di medan perang di Crécy pada tahun 1346.[ 347]
Di Jerman modern, Kekaisaran Romawi Suci terus memerintah, tetapi sifat elektif dari mahkota kekaisaran berarti tidak ada dinasti abadi di mana negara yang kuat dapat terbentuk.[ 348] Lebih jauh ke timur, kerajaan Polandia, Hungaria, dan Bohemia menjadi kuat.[ 349] Di Iberia, kerajaan Kristen terus mendapatkan tanah dari kerajaan Muslim di semenanjung;[350] Portugal berkonsentrasi pada ekspansi ke luar negeri selama abad ke-15, sementara kerajaan lainnya terbelah oleh kesulitan atas suksesi kerajaan dan kekhawatiran lainnya.[ 351][352] Setelah kalah dalam Perang Seratus Tahun, Inggris kemudian menderita perang saudara yang panjang yang dikenal sebagai Perang Mawar, yang berlangsung hingga tahun 1490-an[352] dan hanya berakhir ketika Henry Tudor (berisi 1485–1509 sebagai Henry VII) menjadi raja dan mengkonsolidasikan kekuasaannya dengan kemenangannya atas Richard III (berisi 1483–85) di Bosworth pada tahun 1485.[ 353] Di Skandinavia, Margaret I dari Denmark (bertak Denmark 1387-1412) mengkonsolidasikan Norwegia, Denmark, dan Swedia di Uni Kalmar, yang berlanjut hingga 1523. Kekuatan utama di sekitar Laut Baltik adalah Liga Hansa, sebuah konfederasi komersial negara-kota yang berdagang dari Eropa Barat ke Rusia.[ 354] Skotlandia muncul dari dominasi Inggris di bawah Robert the Bruce (berari 1306–29), yang mendapatkan pengakuan kepausan atas kerajaannya pada tahun 1328.[ 355]
Pertempuran Nikopolis digambarkan dalam kronik Hunernama yang diterangi Ottoman akhir abad ke-16
Meskipun kaisar Palaiologos merebut kembali Konstantinopel dari Eropa Barat pada tahun 1261, mereka tidak pernah bisa mendapatkan kembali kendali atas sebagian besar bekas tanah kekaisaran. Bekas tanah Bizantium di Balkan dibagi antara Kerajaan Serbia yang baru, Kekaisaran Bulgaria Kedua dan negara kota Venesia. Kekuatan kaisar Bizantium terancam oleh suku Turki baru, Ottoman, yang memantapkan diri di Anatolia pada abad ke-13 dan terus berkembang sepanjang abad ke-14. Ottoman meluas ke Eropa, mengurangi Bulgaria menjadi negara bawahan pada tahun 1366 dan mengambil alih Serbia setelah kekalahannya di Pertempuran Kosovo pada tahun 1389. Orang-orang Eropa Barat bersatu untuk penderitaan orang-orang Kristen di Balkan dan mendeklarasikan perang salib baru pada tahun 1396; pasukan besar dikirim ke Balkan, di mana ia dikalahkan pada Pertempuran Nikopolis.[ 356] Konstantinopel akhirnya ditangkap oleh Ottoman pada tahun 1453.[ 357]
Selama abad ke-14 yang penuh gejolak, perselisihan dalam kepemimpinan Gereja mengarah ke KepausanAvignon tahun 1309–76,[358] juga disebut "Penangkapan Kepausan Babylonian" (referensi ke penawanan Babilonia terhadap orang Yahudi),[359] dan kemudian ke Skisma Besar, yang berlangsung dari 1378 hingga 1418, ketika ada dua dan kemudian tiga paus saingan, masing-masing didukung oleh beberapa negara.[ 360] Pejabat gerejawi bersidang di Konsili Constance pada tahun 1414, dan pada tahun berikutnya, konsili tersebut menggulingkan salah satu paus saingan, hanya menyisakan dua penuntut. Deposisi lebih lanjut diikuti, dan pada bulan November 1417, dewan memilih Martin V (paus 1417-31) sebagai paus.[ 361]
Selain skisma, Gereja Barat terbelah oleh kontroversi teologis, beberapa di antaranya berubah menjadi bidaah.John Wycliffe (meningh. 1384), seorang teolog Inggris, dikutuk sebagai bidaah pada tahun 1415 karena mengajarkan bahwa kaum awam harus memiliki akses ke teks Alkitab serta untuk memegang pandangan tentang Ekaristiyang bertentangan dengan doktrin Gereja.[ 362] Ajaran Wycliffe mempengaruhi dua gerakan sesat utama pada Abad Pertengahan akhir: Lollardy di Inggris dan Hussitism di Bohemia.[ 363] Gerakan Bohemian dimulai dengan ajaran Jan Hus, yang dibakar di tiang pancang pada tahun 1415. Gereja Hussite, meskipun menjadi target perang salib, bertahan di luar Abad Pertengahan.[ 364] Bidaah lain dibuat, seperti tuduhan terhadap Ksatria Templar yang mengakibatkan penindasan mereka pada tahun 1312 dan pembagian kekayaan besar mereka antara raja Prancis Philip IV (beral 1285–1314) dan Hospitallers.[ 365]
Kepausan lebih lanjut menyempurnakan praktik dalam Misa di Akhir Abad Pertengahan, dengan menyatakan bahwa pendeta saja diizinkan untuk mengambil anggur dalam Ekaristi. Ini semakin menjauhkan kaum awam sekuler dari pendeta. Kaum awam melanjutkan praktik ziarah, pemujaan relik, dan kepercayaan pada kekuatan iblis. Mistikus seperti Meister Eckhart (w. 1327) dan Thomas à Kempis (w. 1471) menulis karya-karya yang mengajarkan kaum awam untuk fokus pada kehidupan spiritual batin mereka, yang meletakkan dasar bagi Reformasi Protestan. Selain mistisisme, kepercayaan pada penyihir dan sihir menjadi luas, dan pada akhir abad ke-15, Gereja telah mulai memberikan kepercayaan pada ketakutan populis akan sihir.[ 366]
Selama Abad Pertengahan Akhir, para teolog seperti John Duns Scotus (meninggal 1308) dan William dari Ockham (meninggal 1348)[367] memimpin reaksi terhadap skolastis skolastis intelektual, keberatan dengan penerapan akal untuk iman. Upaya mereka merusak gagasan Platonis yang berlaku tentang universal. Desakan Ockham bahwa alasan beroperasi secara independen dari iman memungkinkan sains dipisahkan dari teologi dan filsafat.[ 368] Studi hukum ditandai oleh kemajuan hukum Romawi yang stabil ke bidang yurisprudensi yang sebelumnya diatur oleh hukum adat. Satu-satunya pengecualian untuk tren ini adalah di Inggris, di mana hukum umum tetap unggul. Negara-negara lain mengkodifikasi hukum mereka; kode hukum diumumkan di Kastilia, Polandia, dan Lithuania.[ 369]
Pendidikan sebagian besar tetap difokuskan pada pelatihan pendeta di masa depan. Pembelajaran dasar huruf dan angka tetap menjadi provinsi keluarga atau pendeta desa, tetapi mata pelajaran sekunder dari trivium—tata bahasa, retorika, logika—dipelajari di sekolah katedral atau di sekolah yang disediakan oleh kota. Universitas menyebar ke seluruh Eropa pada abad ke-14 dan ke-15. Tingkat melek huruf awam naik, tetapi masih rendah; satu perkiraan memberikan tingkat melek huruf sepuluh persen pria dan satu persen wanita pada tahun 1500.[ 370]
Publikasi literatur vernakular meningkat, dengan Dante (w. 1321), Petrarch dan Boccaccio di Italia abad ke-14, Geoffrey Chaucer (meninggal 1400) dan William Langland (meninggal 1386) di Inggris, dan François Villon (meninggal 1464) dan Christine de Pizan (meninggal 1430) di Prancis. Banyak literatur tetap religius dalam karakter, dan meskipun banyak dari itu terus ditulis dalam bahasa Latin, permintaan baru berkembang untuk kehidupan orang-orang kudus dan traktat devosional lainnya dalam bahasa vernakular.[ 369] Ini diberi makan oleh pertumbuhan gerakan Devotio Moderna, yang paling menonjol dalam pembentukan Brethren of the Common Life.[ 371] Teater juga berkembang dengan kedok drama mukjizat yang dimainkan oleh Gereja.[ 369] Pada akhir periode, pengembangan mesin cetak pada sekitar tahun 1450 menyebabkan pembentukan penerbit di seluruh Eropa pada tahun 1500.[ 372]
Pada awal abad ke-15, negara-negara Semenanjung Iberia mulai mensponsori eksplorasi di luar batas-batas Eropa. Pangeran Henry sang Navigator Portugal (meningu 1460) mengirim ekspedisi yang menemukan Kepulauan Canary, Azores, dan Tanjung Verde selama hidupnya. Setelah kematiannya, eksplorasi berlanjut; Bartolomeu Dias (meninggal 1500) mengelilingi Tanjung Harapan pada tahun 1486, dan Vasco da Gama (meninggal 1524) berlayar mengelilingi Afrika ke India pada tahun 1498.[ 373] Gabungan monarki Spanyol di Kastilia dan Aragon mensponsori perjalanan eksplorasi oleh Christopher Columbus (meningk. 1506) pada tahun 1492 yang mengarah pada penemuannya di Amerika.[ 374] Mahkota Inggris di bawah Henry VII mensponsori perjalanan John Cabot (meningh 1498) pada tahun 1497, yang mendarat di Pulau Cape Breton.[ 375]
Salah satu perkembangan utama dalam bidang militer selama Abad Pertengahan Akhir adalah peningkatan penggunaan infanteri dan kavaleri ringan.[ 376] Inggris juga mempekerjakan pemanah panjang, tetapi negara-negara lain tidak dapat menciptakan kekuatan serupa dengan kesuksesan yang sama.[ 377] Armor terus maju, didorong oleh peningkatan kekuatan panah, dan baju besi pelat dikembangkan untuk melindungi tentara dari panah serta senjata genggam yang dikembangkan.[ 378] Senjata kutub mencapai keunggulan baru dengan pengembangan infanteri Flemish dan Swiss yang dipersenjatai dengan tombak dan tombak panjang lainnya.[ 379]
Di bidang pertanian, peningkatan penggunaan domba dengan wol berserat panjang memungkinkan benang yang lebih kuat untuk dipintal. Selain itu, roda pemintal menggantikan distaff tradisional, produksi tiga kali lipat.[ 225][AD] Penyempurnaan teknologi yang kurang yang masih sangat mempengaruhi kehidupan sehari-hari adalah penggunaan kancing sebagai penutup untuk pakaian.[ 381] Kincir angin disempurnakan dengan penciptaan menara gilingan, memungkinkan bagian atas kincir angin diputar untuk menghadap ke arah dari mana angin bertiup.[ 382] Blast furnace muncul sekitar tahun 1350 di Swedia, meningkatkan kuantitas besi yang diproduksi dan meningkatkan kualitasnya.[ 383] Hukum paten pertama pada tahun 1447 di Venesia melindungi hak-hak penemu atas penemuan mereka.[ 384]
Abad Pertengahan Akhir di Eropa secara keseluruhan sesuai dengan periode budaya Trecento dan Renaisans Awal di Italia. Eropa Utara dan Spanyol terus menggunakan gaya Gotik, yang menjadi semakin rumit pada abad ke-15, hingga hampir akhir periode. Gothic Internasional adalah gaya sopan yang mencapai sebagian besar Eropa dalam beberapa dekade sekitar tahun 1400, menghasilkan karya agung seperti Très Riches Heures du Duc de Berry.[ 385] Di seluruh Eropa, seni sekuler terus meningkat dalam kuantitas dan kualitas, dan pada abad ke-15, kelas dagang Italia dan Flanders menjadi pelindung penting, menugaskan potret kecil serta berbagai barang mewah yang terus bertambah seperti perhiasan, peti mati gading, peti cassone, dan tembikar majolica. Meskipun royalti memiliki koleksi piring yang sangat besar, hanya sedikit yang bertahan kecuali Royal Gold Cup.[ 386] Pembuatan sutra Italia berkembang, sehingga gereja-gereja Barat dan elit tidak perlu lagi bergantung pada impor dari Byzantium atau dunia Islam. Di Prancis dan Flanders menenun permadani set seperti The Lady and the Unicorn menjadi industri mewah utama.[ 387]
Skema pahatan eksternal yang besar dari gereja-gereja Gotik Awal memberi jalan kepada lebih banyak patung di dalam gedung, karena makam menjadi lebih rumit dan fitur lain seperti mimbar kadang-kadang diukir dengan mewah, seperti di Pulpit oleh Giovanni Pisano di Sant'Andrea. Altar relief kayu yang dicat atau diukir menjadi umum, terutama karena gereja-gereja menciptakan banyak chapel samping. Lukisan Belanda awal oleh seniman seperti Jan van Eyck (w. 1441) dan Rogier van der Weyden (w. 1464) menyaingi Italia, seperti halnya manuskrip beriluminasi utara, yang pada abad ke-15 mulai dikumpulkan dalam skala besar oleh elit sekuler, yang juga menugaskan buku-buku sekuler, terutama sejarah. Dari sekitar 1450, buku cetak dengan cepat menjadi populer, meskipun masih mahal. Ada sekitar 30.000 edisi incunabula yang berbeda, atau karya yang dicetak sebelum 1500,[388] pada saat itu manuskrip beriluminasi ditugaskan hanya oleh bangsawan dan beberapa lainnya.Potongan kayu yang sangat kecil, hampir semua religius, terjangkau bahkan oleh petani di beberapa bagian Eropa Utara dari pertengahan abad ke-15.Ukiran yang lebih mahal memasok pasar yang lebih kaya dengan berbagai gambar.
Seni, lukisan, patung, arsitektur, musik, dan sastra Renaisans yang diproduksi selama abad ke-14, ke-15, dan ke-16 di Eropa di bawah pengaruh gabungan dari peningkatan kesadaran akan alam, kebangkitan pembelajaran klasik, dan pandangan manusia yang lebih individualistis. Para sarjana tidak lagi percaya bahwa Renaisans menandai terobosan mendadak dengan nilai-nilai abad pertengahan, seperti yang disarankan oleh kata Prancis renaisans, secara harfiah "kelahiran kembali." Sebaliknya, sumber sejarah menunjukkan bahwa minat pada alam, pembelajaran humanistik, dan individualisme sudah hadir pada periode akhir abad pertengahan dan menjadi dominan di Italia abad ke-15 dan ke-16 bersamaan dengan perubahan sosial dan ekonomi seperti sekularisasi kehidupan sehari-hari, kebangkitan ekonomi uang-kredit yang rasional, dan mobilitas sosial yang sangat meningkat.
Di Italia Renaisans yang tepat didahului oleh "proto-renaissance" yang penting pada akhir abad ke-13 dan awal abad ke-14, yang mendapat inspirasi dari radikalisme Fransiskan. St. Fransiskus telah menolak Skolastisisme formal dari teologi Kristen yang berlaku dan pergi di antara orang miskin memuji keindahan dan nilai spiritual alam. Contoh dia mengilhami seniman dan penyair Italia untuk menikmati dunia di sekitar mereka. Seniman paling terkenal dari periode proto-renaissance, Giotto di Bondone (1266/67 atau 1276–1337), mengungkapkan gaya bergambar baru yang bergantung pada struktur yang jelas, sederhana dan penetrasi psikologis yang hebat daripada pada datar, dekorasi linier dan komposisi hierarkisdari pendahulunya dan orang-orang sezamannya, seperti pelukis Florentine Cimabue dan pelukis Siennese Duccio dan Simone Martini. Penyair besar Dante hidup pada waktu yang hampir bersamaan dengan Giotto, dan puisinya menunjukkan kepedulian yang sama dengan pengalaman ke dalam dan nuansa halus serta variasi sifat manusia. Meskipun Divine Comedy-nya milik Abad Pertengahan dalam rencana dan ide-idenya, semangat subjektif dan kekuatan ekspresinya menantikan Renaisans. Petrarch dan Giovanni Boccaccio juga termasuk dalam periode proto-renaissance ini, baik melalui studi ekstensif mereka tentang sastra Latin dan melalui tulisan mereka dalam bahasa sehari-hari. Sayangnya, wabah mengerikan tahun 1348 dan perang saudara berikutnya menenggelamkan kebangkitan studi humanistik dan meningkatnya minat pada individualisme dan naturalisme yang terungkap dalam karya Giotto dan Dante. Semangat Renaisans tidak muncul lagi sampai awal abad ke-15.
Pada tahun 1401 sebuah kompetisi diadakan di Florence untuk memberikan komisi untuk pintu perunggu yang akan ditempatkan di Baptisterium San Giovanni. Dikalahkan oleh tukang emas dan pelukisLorenzo Ghiberti, Filippo Brunelleschi dan Donatello berangkat ke Roma, di mana mereka membenamkan diri dalam studi arsitektur dan patung kuno. Ketika mereka kembali ke Florence dan mulai mempraktikkan pengetahuan mereka, seni yang dirasionalisasi dari dunia kuno terlahir kembali. Pendiri lukisan Renaissance adalah Masaccio (1404–28). Intelektualitas konsepsinya, monumentalitas komposisinya, dan tingkat naturalisme yang tinggi dalam karya-karyanya menandai Masaccio sebagai tokoh penting dalam lukisan Renaisans. Generasi seniman berikutnya—Piero della Francesca, Pollaiuolo, dan Andrea del Verrocchio—menekan penelitian tentang perspektif dan anatomi linier dan udara, mengembangkan gaya naturalisme ilmiah.
Situasi di Florence secara unik menguntungkan bagi seni. Kebanggaan sipil Florentines menemukan ekspresi dalam patung-patung santo pelindung yang ditugaskan dari Ghiberti dan Donatello untuk relung di guildhall pasar biji-bijian yang dikenal sebagai Or San Michele, dan di kubah terbesar yang dibangun sejak zaman kuno, ditempatkan oleh Brunelleschi di katedral Florence. Biaya pembangunan dan dekorasi istana, gereja, dan biara ditanggung oleh keluarga pedagang kaya.
Kepala sekolah di antaranya adalah Medici, yang mendominasi Florence dari tahun 1434, ketika pemerintah pro-Medici pertama terpilih, sampai tahun 1492, ketika Lorenzo de Medici meninggal. Selama kekuasaan mereka, Medici mensubsidi secara virtual seluruh rentang kegiatan humanistik dan artistik yang terkait dengan Renaissance. Cosimo (1389-1464), menjadi kaya dengan keuntungan perdagangannya sebagai bankir kepausan, adalah seorang sarjana yang mendirikan akademi Neoplatonik dan mengumpulkan perpustakaan yang luas. Dia mengumpulkan di sekelilingnya para penulis terkemuka dan cendekiawan klasik pada zamannya, di antaranya Marsilio Ficino, Neoplatonis yang menjabat sebagai tutorLorenzo de Medici, cucu Cosimo. Lorenzo (1449–92) menjadi pusat sekelompok seniman, penyair, cendekiawan, dan musisi yang percaya pada cita-cita Neoplatonik tentang persatuan mistis dengan Tuhan melalui perenungan keindahan. Kurang naturalistik dan lebih sopan daripada semangat yang berlaku dari paruh pertama Quattrocento, filosofi estetika ini dijelaskan oleh Giovanni Pico della Mirandola, diinkarnasi dalam lukisan oleh Sandro Botticelli, dan diekspresikan dalam puisi oleh Lorenzo sendiri. Lorenzo juga berkolaborasi dengan organis dan kepala paduan suara katedral Florence, Heinrich Isaac, dalam komposisi musik paduan suara sekuler yang hidup yang mengantisipasi madrigal, bentuk khas dari Renaisans Tinggi.
Medici diperdagangkan di semua kota besar di Eropa, dan salah satu mahakarya seni Renaisans Utara yang paling terkenal, Portonar Altarpiece, oleh Hugo van der Goes (c. 1476; Uffizi, Florence), ditugaskan oleh agen mereka, Tommaso Portinari. Alih-alih dicat dengan tempera adat pada periode tersebut, karya tersebut dicat dengan glasir minyak tembus pandang yang menghasilkan warna seperti permata yang cemerlang dan permukaan yang mengkilap. Pelukis Renaisans Utara awal lebih peduli dengan reproduksi detail objek dan makna simbolisnya daripada dengan studi perspektif ilmiah dan anatomi bahkan setelah pencapaian ini diketahui secara luas. Di sisi lain, pelukis Italia tengah mulai mengadopsi media lukisan cat minyak segera setelah Altarpiece Portinari dibawa ke Florence pada tahun 1476.
Dapatkan langganan Britannica Premium dan dapatkan akses ke konten eksklusif.
Seni Renaisans Tinggi, yang berkembang selama sekitar 35 tahun, dari awal 1490-an hingga 1527, ketika Roma dijarah oleh pasukan kekaisaran, berputar di sekitar tiga tokoh yang menjulang tinggi: Leonardo da Vinci (1452–1519), Michelangelo (1475–1564), dan Raphael (1483–1520). Masing-masing dari ketiganya mewujudkan aspek penting dari periode tersebut: Leonardo adalah pria Renaissance pamungkas, seorang jenius soliter yang tidak ada cabang studinya yang asing; Michelangelo memancarkan kekuatan kreatif, membayangkan proyek-proyek besar yang menarik inspirasi pada tubuh manusia sebagai kendaraan utama untuk ekspresi emosional; Raphael menciptakan karya-karya yang dengan sempurna mengekspresikan semangat klasik—harmonal, indah, dan tenang.
Meskipun Leonardo diakui pada masanya sendiri sebagai seniman hebat, penelitiannya yang gelisah tentang anatomi, sifat penerbangan, dan struktur kehidupan tumbuhan dan hewan membuatnya sedikit waktu untuk melukis. Ketenarannya terutama terletak pada beberapa lukisan yang sudah selesai; di antaranya adalah Mona Lisa (1503–05, Louvre), The Virgin of the Rocks (1483–86, Louvre), dan lukisan dinding The Last Supper yang rusak yang menyedihkan (1495–98; dipulihkan 1978–99; Santa Maria delle Grazie, Milan).
Patung awal Michelangelo, seperti thePietà(1499; St. Peter's, Rome) dan David (1501–04; Accademia, Florence), mengungkapkan kemampuan teknis yang menakjubkan dalam konser dengan kecenderungan untuk membengkokkan aturan anatomi dan proporsi dalam melayani kekuatan ekspresif yang lebih besar. Meskipun Michelangelo menganggap dirinya pertama kali sebagai pematung, karyanya yang paling terkenal adalah lukisan dinding langit-langit raksasa Kapel Sistina di Vatikan, Roma. Itu selesai dalam empat tahun, dari 1508 hingga 1512, dan menyajikan komposisi yang sangat kompleks tetapi secara filosofis terpadu yang memadukan teologi Kristen tradisional dengan pemikiran Neoplatonik.
Karya terbesar Raphael, School of Athens (1508–11), dilukis di Vatikan pada saat yang sama ketika Michelangelo sedang mengerjakan Kapel Sistina. Dalam lukisan dinding besar ini Raphael menyatukan perwakilan dari aliran pemikiran Aristotelian dan Platonis. Alih-alih permukaan mahakarya Michelangelo yang padat dan bergejolak, Raphael menempatkan kelompoknya yang terdiri dari para filsuf dan seniman yang bercakap-cakap dengan tenang di pengadilan yang luas dengan kubah yang surut ke kejauhan. Raphael awalnya dipengaruhi oleh Leonardo, dan ia memasukkan komposisi piramidal dan wajah The Virgin of the Rocks yang dimodelkan dengan indah ke dalam banyak lukisan Madonna-nya sendiri. Dia berbeda dari Leonardo, bagaimanapun, dalam outputnya yang luar biasa, temperamennya yang merata, dan preferensinya untuk harmoni dan kejelasan klasik.
Pencipta arsitektur High Renaissance adalah Donato Bramante (1444–1514), yang datang ke Roma pada tahun 1499 ketika dia berusia 55 tahun. Mahakarya Romawi pertamanya, Tempietto (1502) di S. Pietro in Montorio, adalah struktur kubah terpusat yang mengingatkan pada arsitektur kuil klasik. Paus Julius II (memerintah 1503–13) memilih Bramante untuk menjadi arsitek kepausan, dan bersama-sama mereka menyusun rencana untuk menggantikan Old St. abad ke-4. Peter dengan gereja baru dengan dimensi raksasa. Namun, proyek itu tidak selesai, sampai lama setelah kematian Bramante.
Studi humanistik berlanjut di bawah paus kuat Renaisans Tinggi, Julius II dan Leo X, seperti halnya perkembangan musik polifonik. Paduan Suara Sistine, yang tampil di kebaktian ketika paus memimpin, menarik musisi dan penyanyi dari seluruh Italia dan Eropa utara. Di antara komposer paling terkenal yang menjadi anggota adalah Josquin des Prez (c. 1450–1521) dan Giovanni Pierluigi da Palestrina (c. 1525–94).
Renaissance sebagai periode sejarah terpadu berakhir dengan jatuhnya Roma pada tahun 1527. Ketegangan antara iman Kristen dan humanisme klasik menyebabkan Mannerisme di bagian akhir abad ke-16. Karya seni besar yang dianimasikan oleh semangat Renaisans, bagaimanapun, terus dibuat di Italia utara dan di Eropa utara.
Tampaknya tidak terpengaruh oleh krisis Mannerist, pelukis Italia utara seperti Correggio (1494-1534) dan Titian (1488/90–1576) terus merayakan Venus dan Perawan Maria tanpa konflik yang jelas. Media minyak, diperkenalkan ke Italia utara oleh Antoniolello da Messina dan dengan cepat diadopsi oleh pelukis Venesia yang tidak dapat menggunakan lukisan dinding karena iklim yang lembab, tampaknya secara khusus disesuaikan dengan budaya Venesia yang optimis dan menyenangkan. Suksesi pelukis brilian—Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Tintoretto, dan Paolo Veronese—mengembangkan gaya lukisan Venesia liris yang menggabungkan materi pelajaran pagan, penanganan warna dan permukaan cat yang sensual, dan kecintaan pada pengaturan yang mewah. Lebih dekat dalam semangat dengan Florentines yang lebih intelektual dari Quattrocento adalah pelukis Jerman Albarecht Dürer (1471-1528), yang bereksperimen dengan optik, mempelajari alam dengan tekun, dan menyebarkan sintesis kuatnya dari Renaissance dan gaya Gotik Utara melalui dunia Barat melalui ukiran dan potongan kayunya.
Gaya Barok menggunakan kontras, gerakan, detail yang meriah, warna yang dalam, kemegahan, dan kejutan untuk mencapai rasa kagum. Gaya ini dimulai pada awal abad ke-17 di Roma, kemudian menyebar dengan cepat ke seluruh Italia, Prancis, Spanyol dan Portugal, kemudian ke Austria, Jerman selatan, dan Polandia. Pada 1730-an, itu telah berkembang menjadi gaya yang bahkan lebih flamboyan, yang disebut rocaille atau Rococo, yang muncul di Prancis dan Eropa Tengah hingga pertengahan hingga akhir abad ke-18. Di wilayah Kekaisaran Spanyol dan Portugis termasuk Semenanjung Iberia itu berlanjut, bersama dengan gaya baru, sampai dekade pertama abad ke-19.
Dalam seni dekoratif, gayanya menggunakan ornamen yang berlimpah dan rumit. Keberangkatan dari klasisisme Renaisans memiliki caranya sendiri di setiap negara. Tetapi fitur umum adalah bahwa di mana-mana titik awal adalah elemen hias yang diperkenalkan oleh Renaissance. Repertoar klasik ramai, padat, tumpang tindih, dimuat, untuk memancing efek kejut. Motif baru yang diperkenalkan oleh Baroque adalah: thecartouche, piala dan senjata, keranjang buah atau bunga, dan lainnya, dibuat dalam marquetry, plesteran, atau ukiran.[4]
Asal usul kata
Liontin dalam bentuk sirene, terbuat dari mutiara barok(torso) dengan dudukan emas berenamel yang dipasang dengan rubi, mungkin sekitar tahun 1860, di Museum Seni Metropolitan (Kota New York, New York).
Kata bahasa Inggris baroque berasal langsung dari bahasa Prancis. Beberapa sarjana menyatakan bahwa kata Prancis berasal dari istilah Portugis barroco ("mutiara cacat"), menunjuk ke bahasa Latin verruca,[5]("wart"), atau ke kata dengan akhiran -ǒccu (umum di Iberia pra-Romawi).[6][7][8]Sumber lain menyarankan istilah Latin Abad Pertengahan yang digunakan dalam logika, baroco, sebagai sumber yang paling mungkin.[9]
Pada abad ke-16, kata Latin Abad Pertengahanbaroco bergerak melampaui logika skolastik dan mulai digunakan untuk mengkarakterisasi apa pun yang tampak sangat kompleks. Filsuf Prancis Michel de Montaigne (1533–1592) mengaitkan istilah baroco dengan "Aneh dan rumit yang tidak berguna."[10]Sumber awal lainnya mengaitkan barbaro dengan sihir, kompleksitas, kebingungan, dan kelebihan.[9]
Kata barokjuga dikaitkan dengan mutiara tidak beraturan sebelum abad ke-18. Barroco barokPrancis dan Portugis adalah istilah yang sering dikaitkan dengan perhiasan. Contoh dari tahun 1531 menggunakan istilah tersebut untuk menggambarkan mutiara dalam inventarisasi harta karun Charles V dari Prancis.[11]Kemudian, kata itu muncul dalam edisi 1694 dari Le Dictionnaire de l'Académie Française, yang menggambarkan barok sebagai "hanya digunakan untuk mutiara yang tidak sempurna bulat."[12]Kamus Portugis 1728 juga menggambarkan barroco yang berkaitan dengan "mutiara kasar dan tidak rata".[13]
Turunan alternatif dari kata barokmenunjuk ke nama pelukis Italia Federico Barocci (1528-1612).[14]
Pada abad ke-18, istilah tersebut mulai digunakan untuk menggambarkan musik, dan bukan dengan cara yang menyanjung. Dalam ulasan satir anonim perdana Hippolyte et Aricie karya Jean-Philippe Rameau pada Oktober 1733, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menulis bahwa hal baru dalam opera ini adalah "du barocque", mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, tidak peduli dengan disonansi, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat berlari melalui setiap perangkat komposisi.[15]
Pada tahun 1762, Le Dictionnaire de l'Académie Française mencatat bahwa istilah tersebut dapat secara kiasan menggambarkan sesuatu yang "tidak teratur, aneh, atau tidak setara".[16]
Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer serta filsuf, menulis di Encyclopédie pada tahun 1768: "Musik Barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[10][17]
Istilah gaya Prancis barok dan musique barok muncul di Le Dictionnaire de l'Académie Française pada tahun 1835.[19]Pada pertengahan abad ke-19, kritikus seni dan sejarawan telah mengadopsi istilah "barok" sebagai cara untuk mengejek seni pasca-Renaisans. Ini adalah arti kata yang digunakan pada tahun 1855 oleh sejarawan seni terkemuka Jacob Burckhardt, yang menulis bahwa seniman barok "menghina dan menyalahgunakan detail" karena mereka tidak memiliki "menghormati tradisi".[20]
Pada tahun 1888, sejarawan seni Heinrich Wölfflin menerbitkan karya akademis serius pertama tentang gaya, Renaissance und Barock, yang menggambarkan perbedaan antara lukisan, patung, dan arsitektur Renaissance dan Baroque.[21]
Gaya arsitektur Barok adalah hasil dari doktrin yang diadopsi oleh Gereja Katolik di Konsili Trente pada tahun 1545–1563, sebagai tanggapan atas Reformasi Protestan. Fase pertama Kontra-Reformasi telah memberlakukan gaya akademis yang keras pada arsitektur keagamaan, yang telah menarik bagi para intelektual tetapi bukan massa pengunjung gereja. Konsili Trente malah memutuskan untuk menarik audiens yang lebih populer, dan menyatakan bahwa seni harus mengkomunikasikan tema-tema keagamaan dengan keterlibatan langsung dan emosional.[23][24]Demikian pula, seni Barok Lutheran berkembang sebagai penanda pengakuan identitas, sebagai tanggapan terhadap Ikonoklasme Besar Calvinis.[25]
Gereja-gereja barok dirancang dengan ruang pusat yang besar, di mana para jamaah bisa dekat dengan altar, dengan kubah atau kubah tinggi di atas kepala, memungkinkan cahaya menerangi gereja di bawah. Kubah adalah salah satu fitur simbolis utama dari arsitektur Barok yang menggambarkan penyatuan antara langit dan bumi. Bagian dalam kubah dihiasi dengan lukisan malaikat dan orang suci, dan dengan patung-patung malaikat plesteran, memberi kesan kepada mereka yang di bawah melihat ke surga.[26]Fitur lain dari gereja Baroque adalah quadratura; lukisan trompe-l'œil di langit-langit dalam bingkai plesteran, baik asli atau dicat, penuh dengan lukisan orang suci dan malaikat dan dihubungkan oleh detail arsitektur dengan langkan dan konsol. Lukisan Quadratura Atlantes di bawah cornice tampaknya menopang langit-langit gereja. Tidak seperti langit-langit Michelangelo yang dicat di Kapel Sistina, yang menggabungkan adegan yang berbeda, masing-masing dengan perspektifnya sendiri, untuk dilihat satu per satu, lukisan langit-langit Barok dibuat dengan hati-hati sehingga penonton di lantai gereja akan melihat seluruh langit-langit dalam perspektif yang benar, seolah-olah gambarnya nyata.
Interior gereja-gereja Barok menjadi semakin berornamen di High Baroque, dan fokus di sekitar altar, biasanya ditempatkan di bawah kubah. Karya dekoratif barok yang paling terkenal dari High Baroque adalah Kursi Santo Petrus (1647–1653) dan Baldachino dari St. Peter (1623-1634), keduanya oleh Gian Lorenzo Bernini, di St. Basilika Petrus di Roma. Baldequin dari St. Peter adalah contoh keseimbangan yang berlawanan dalam seni Barok; proporsi raksasa dari karya itu, dengan cahaya kanopi yang tampak; dan kontras antara kolom bengkok yang kokoh, perunggu, emas, dan marmer dari karya itu dengan tirai malaikat yang mengalir di kanopi.[27]Dresden Frauenkirche berfungsi sebagai contoh menonjol dari seni Barok Lutheran, yang selesai pada tahun 1743 setelah ditugaskan oleh dewan kota Lutheran Dresden dan "dibandingkan oleh pengamat abad kedelapan belas dengan St Peter's di Roma".[3]
Kolom bengkok di bagian dalam gereja adalah salah satu fitur khas Barok. Ini memberikan rasa gerak dan juga cara baru yang dramatis untuk memantulkan cahaya.
Cartouche adalah fitur karakteristik lain dari dekorasi Barok. Ini adalah plakat besar yang diukir dari marmer atau batu, biasanya oval dan dengan permukaan bulat, yang membawa gambar atau teks dalam huruf berlapis emas, dan ditempatkan sebagai dekorasi interior atau di atas pintu bangunan, menyampaikan pesan kepada orang-orang di bawah. Mereka menunjukkan berbagai macam penemuan, dan ditemukan di semua jenis bangunan, dari katedral dan istana hingga kapel kecil.[28]
Arsitek barok terkadang menggunakan perspektif paksa untuk menciptakan ilusi. Untuk Palazzo Spada di Roma, Borromini menggunakan kolom dengan ukuran yang semakin berkurang, lantai yang menyempit dan patung miniatur di taman di luar untuk menciptakan ilusi bahwa lorong itu panjangnya tiga puluh meter, padahal sebenarnya hanya sepanjang tujuh meter. Sebuah patung di ujung lorong tampak seukuran aslinya, meskipun tingginya hanya enam puluh sentimeter. Borromini merancang ilusi dengan bantuan seorang matematikawan.
Bangunan pertama di Roma yang memiliki fasad Barok adalah Gereja Gesù pada tahun 1584; itu polos oleh standar Barok kemudian, tetapi menandai istirahat dengan fasad Renaissance tradisional yang mendahuluinya. Bagian dalam gereja ini tetap sangat keras sampai Barok tinggi, ketika itu dihiasi dengan mewah.
Di Roma pada tahun 1605, Paul V menjadi yang pertama dari serangkaian paus yang menugaskan basilika dan bangunan gereja yang dirancang untuk menginspirasi emosi dan kekaguman melalui proliferasi bentuk, dan kekayaan warna dan efek dramatis.[33]Di antara monumen paling berpengaruh dari Barok Awal adalah fasad St. Basilika Petrus (1606-1619), dan nave dan loggia baru yang menghubungkan fasad ke kubah Michelangelo di gereja sebelumnya. Desain baru menciptakan kontras dramatis antara kubah yang menjulang tinggi dan fasad lebar yang tidak proporsional, dan kontras pada fasad itu sendiri antara kolom Doric dan massa besar serambi.[34]
Pada pertengahan hingga akhir abad ke-17 gaya mencapai puncaknya, kemudian disebut High Baroque. Banyak karya monumental ditugaskan oleh Paus UrbanusVIII dan Alexander VII. Pematung dan arsitek Gian Lorenzo Bernini merancang barisan tiang empat kali lipat baru di sekitar St. Lapangan Petrus (1656 hingga 1667). Tiga galeri kolom dalam elips raksasa menyeimbangkan kubah besar dan memberi Gereja dan alun-alun kesatuan dan perasaan teater raksasa.[35]
Inovator utama lainnya dari Barok Tinggi Italia adalah Francesco Borromini, yang karya utamanya adalah Gereja San Carlo alle Quattro Fontane atau Saint Charles dari Empat Air Mancur (1634-1646). Rasa gerakan diberikan bukan oleh dekorasi, tetapi oleh dinding itu sendiri, yang bergelombang dan oleh elemen cekung dan cembung, termasuk menara oval dan balkon yang dimasukkan ke dalam lintasan cekung. Interiornya sama-sama revolusioner; ruang utama gereja berbentuk oval, di bawah kubah oval.[35]
Langit-langit yang dicat, penuh dengan malaikat dan orang-orang kudus dan efek arsitektur trompe-l'œil, adalah fitur penting dari Barok Tinggi Italia. Karya-karya utama termasuk The Entry of Saint Ignatius into Paradise oleh Andrea Pozzo (1685-1695) di Gereja Saint Ignatius di Roma, dan The triumph of the name of Jesus oleh Giovanni Battista Gaulli di Church of the Gesù di Roma (1669–1683), yang menampilkan tokoh-tokoh yang tumpah keluar dari bingkai foto dan pencahayaan miring yang dramatis dan kontras terang-gelap.[36]
Gereja Katolik di Spanyol, dan khususnya Yesuit, adalah kekuatan pendorong arsitektur Barok Spanyol. Karya besar pertama dalam gaya ini adalah Kapel San Isidro di Madrid, dimulai pada tahun 1643 oleh Pedro de la Torre. Ini kontras dengan kekayaan ornamen ekstrim di eksterior dengan kesederhanaan di interior, dibagi menjadi beberapa ruang dan menggunakan efek cahaya untuk menciptakan rasa misteri.[41]Katedral di Santiago de Compostela dimodernisasi dengan serangkaian tambahan Barok yang dimulai pada akhir abad ke-17, dimulai dengan menara lonceng yang sangat berornamen (1680), kemudian diapit oleh dua menara yang lebih tinggi dan lebih berornamen, yang disebut Obradorio, ditambahkan antara 1738 dan 1750 oleh Fernando de Casas Novoa. Tengara lain dari Barok Spanyol adalah menara kapel Istana San Telmo di Seville oleh Leonardo de Figueroa.[42]
Granada baru ditaklukkan dari Moor pada abad ke-15, dan memiliki variasi Barok yang berbeda. Pelukis, pematung, dan arsitek Alonso Cano merancang interior Barok Katedral Granada antara tahun 1652 dan kematiannya pada tahun 1657. Ini menampilkan kontras dramatis dari kolom putih besar dan dekorasi emas.
Arsitektur Barok Spanyol yang paling hias dan didekorasi dengan mewah disebut gaya Churrigueresque, dinamai menurut saudara-saudara Churriguera, yang bekerja terutama di Salamanca dan Madrid. Karya-karya mereka termasuk bangunan di alun-alun utama kota, Plaza Mayor of Salamanca (1729).[42]Gaya Barok yang sangat hias ini berpengaruh di banyak gereja dan katedral yang dibangun oleh Spanyol di Amerika.
Arsitek barok Spanyol terkenal lainnya dari akhir Barok termasuk Pedro de Ribera, murid Churriguera, yang merancang Rumah Sakit Kerajaan San Fernando di Madrid, dan Narciso Tomé, yang merancang altarpiece El Transparente yang terkenal di Katedral Toledo (1729-1732) yang memberikan ilusi, dalam cahaya tertentu, mengambang ke atas.[42]
Arsitek Barok Spanyol memiliki efek jauh melampaui Spanyol; karya mereka sangat berpengaruh di gereja-gereja yang dibangun di koloni Spanyol di Amerika Latin dan Filipina. Gereja yang dibangun oleh Yesuituntuk sebuah perguruan tinggi di Tepotzotlán, dengan fasad dan menara Barok yang berornamen, adalah contoh yang baik.[43]
Istana Rogalin, Rogalin, Polandia, arsitek tidak dikenal, 1768–1774[49]
Dari 1680 hingga 1750, banyak katedral, biara, dan gereja ziarah yang sangat berornamen dibangun di Eropa Tengah, di Bavaria, Austria, Bohemia, dan Polandia barat daya. Beberapa berada dalam gaya Rococo, gaya yang berbeda, lebih flamboyan dan asimetris yang muncul dari Barok, kemudian menggantikannya di Eropa Tengah pada paruh pertama abad ke-18, sampai digantikan secara bergantian oleh klasisisme.[50]
Salah satu contoh terbaik dari gereja rococo adalah Basilika Vierzehnheiligen, atau Basilika Empat Belas Pembantu Suci, sebuah gereja ziarah yang terletak di dekat kota Bad Staffelstein dekat Bamberg, di Bavaria, Jerman selatan. Basilika ini dirancang oleh Balthasar Neumann dan dibangun antara 1743 dan 1772, rencananya serangkaian lingkaran yang saling terkait di sekitar oval tengah dengan altar ditempatkan di tengah gereja. Bagian dalam gereja ini menggambarkan puncak dekorasi Rococo.[52]Contoh penting lainnya dari gaya ini adalah Gereja Ziarah Wies (Jerman: Wieskirche). Itu dirancang oleh saudara-saudara J. B. dan Dominikus Zimmermann. Itu terletak di kaki bukit Alpen, di kotamadya Steingaden di distrik Weilheim-Schongau, Bavaria, Jerman. Konstruksi berlangsung antara 1745 dan 1754, dan interiornya dihiasi dengan lukisan dinding dan dengan plesteran dalam tradisi Sekolah Wessobrunner. Sekarang menjadi Situs Warisan Dunia UNESCO.
Contoh penting lainnya adalah St. Gereja Nicholas (Malá Strana) di Praha (1704-1755), dibangun oleh Christoph Dientzenhofer dan putranya Kilian Ignaz Dientzenhofer. Dekorasi menutupi semua dinding interior gereja. Altar ditempatkan di bagian tengah di bawah kubah pusat, dan dikelilingi oleh kapel, cahaya turun dari kubah di atas dan dari kapel di sekitarnya. Altar seluruhnya dikelilingi oleh lengkungan, kolom, langkan melengkung dan pilaster dari batu berwarna, yang kaya dihiasi dengan patung, menciptakan kebingungan yang disengaja antara arsitektur asli dan dekorasi. Arsitekturnya diubah menjadi teater cahaya, warna, dan gerakan.[27]
Barok di Prancis berkembang sangat berbeda dari versi lokal Barok yang berornamen dan dramatis dari Italia, Spanyol, dan seluruh Eropa. Itu tampak parah, lebih terpisah dan terkendali dengan perbandingan, mendahului Neoklasikisme dan arsitektur Pencerahan. Tidak seperti bangunan Italia, bangunan Barok Prancis tidak memiliki pedimen yang rusak atau fasad lengkung. Bahkan bangunan religius menghindari drama spasial intens yang ditemukan dalam karya Borromini. Gaya ini terkait erat dengan karya-karya yang dibangun untuk Louis XIV (memerintah 1633-1715), dan karena ini, ia juga dikenal sebagai gaya Louis XIV. Louis XIV mengundang master Baroque, Bernini, untuk menyerahkan desain untuk sayap baru Louvre, tetapi menolaknya demi desain yang lebih klasik oleh Claude Perrault dan Louis Le Vau.[67][68]
Arsitek utama gaya tersebut termasuk François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (Gereja Val-de-Grace, 1645–1665) dan Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart adalah arsitek pertama yang memperkenalkan gaya Barok, terutama penggunaan tatanan terapan dan rusticasi berat, ke dalam kosakata arsitektur Prancis. Atap mansard tidak ditemukan oleh Mansart, tetapi telah dikaitkan dengannya, karena dia sering menggunakannya.[69]
Proyek kerajaan utama pada periode itu adalah perluasan Istana Versailles, dimulai pada tahun 1661 oleh Le Vau dengan dekorasi oleh pelukis Charles Le Brun. Taman dirancang oleh André Le Nôtre secara khusus untuk melengkapi dan memperkuat arsitektur. Galerie des Glaces (Hall of Mirrors), pusat château, dengan lukisan karya Le Brun, dibangun antara 1678 dan 1686. Mansart menyelesaikan Grand Trianon pada tahun 1687. Kapel, yang dirancang oleh de Cotte, selesai pada tahun 1710. Setelah kematian Louis XIV, Louis XV menambahkan Petit Trianon yang lebih intim dan teater yang sangat berornamen. Air mancur di taman dirancang untuk dilihat dari interior, dan untuk menambah efek dramatis. Istana itu dikagumi dan disalin oleh raja-raja Eropa lainnya, khususnya Peter the Great dari Rusia, yang mengunjungi Versailles pada awal masa pemerintahan Louis XV, dan membangun versinya sendiri di Istana Peterhof dekat Saint Petersburg, antara 1705 dan 1725.[70]
Arsitektur barok di Portugal berlangsung sekitar dua abad (akhir abad ketujuh belas dan abad kedelapan belas). Pemerintahan John V dan Joseph I telah meningkatkan impor emas dan berlian, dalam periode yang disebut Royal Absolutism, yang memungkinkan Barok Portugis berkembang.
Arsitektur barok di Portugal menikmati situasi khusus dan garis waktu yang berbeda dari seluruh Eropa.
Itu dikondisikan oleh beberapa faktor politik, artistik, dan ekonomi, yang berasal dari beberapa fase, dan berbagai jenis pengaruh luar, menghasilkan perpaduan yang unik,[75]sering disalahpahami oleh mereka yang mencari seni Italia, sebaliknya menemukan bentuk dan karakter tertentu yang memberikan variasi unik Portugis. Faktor kunci lainnya adalah keberadaan arsitektur Jesuit, juga disebut "gaya polos" (Estilo Chão atau Estilo Plano)[76]yang seperti namanya membangkitkan, lebih sederhana dan tampak agak keras.
Bangunannya adalah basilika single-room, kapel utama yang dalam, kapel lateral (dengan pintu kecil untuk komunikasi), tanpa dekorasi interior dan eksterior, portal dan jendela sederhana. Ini adalah bangunan praktis, memungkinkannya untuk dibangun di seluruh kekaisaran dengan penyesuaian kecil, dan disiapkan untuk didekorasi nanti atau ketika sumber daya ekonomi tersedia.
Faktanya, Barok Portugis pertama tidak kekurangan dalam membangun karena "gaya polos" mudah diubah, dengan cara dekorasi (lukisan, ubin, dll.), mengubah area kosong menjadi skenario barok yang sombong dan rumit. Hal yang sama bisa diterapkan pada eksterior. Selanjutnya, mudah untuk menyesuaikan bangunan dengan selera waktu dan tempat, dan menambahkan fitur dan detail baru. Praktis dan ekonomis.
Dengan lebih banyak penduduk dan sumber daya ekonomi yang lebih baik, utara, khususnya daerah Porto dan Braga,[77][78][79]menyaksikan pembaruan arsitektur, terlihat dalam daftar besar gereja, biara, dan istana yang dibangun oleh aristokrasi.
Debut Baroque Rusia, atau Petrine Baroque, mengikuti kunjungan panjang Peter the Great ke Eropa barat pada tahun 1697–1698, di mana ia mengunjungi Chateaux of Fontainebleau dan Versailles serta monumen arsitektur lainnya. Dia memutuskan, sekembalinya ke Rusia, untuk membangun monumen serupa di St. Petersburg, yang menjadi ibu kota baru Rusia pada tahun 1712. Monumen utama awal di Petrine Baroque termasuk Katedral Peter dan Paul dan Istana Menshikov.
Di Moskow, Naryshkin Baroque menjadi tersebar luas, terutama dalam arsitektur gereja-gereja Ortodoks Timur pada akhir abad ke-17. Itu adalah kombinasi dari Barok Eropa barat dengan gaya rakyat tradisional Rusia.
Lukisan dinding kolonial yang diawetkan tahun 1802 menggambarkan Neraka,[95][96][97]oleh Tadeo Escalante, di dalam Gereja San Juan Bautista diHuaro, Peru
Karena penjajahan Amerika oleh negara-negara Eropa, Barok secara alami pindah ke Dunia Baru, menemukan tanah yang sangat menguntungkan di wilayah yang didominasi oleh Spanyol dan Portugal, kedua negara menjadi monarki Katolik yang terpusat dan tidak dapat direduksi, dengan perluasan tunduk pada Roma dan penganut Barok Kontra-reformis yang paling khas. Seniman Eropa bermigrasi ke Amerika dan bersekolah, dan seiring dengan penetrasi misionaris Katolik yang meluas, banyak di antaranya adalah seniman yang terampil, menciptakan Barok multiform yang sering dipengaruhi oleh selera populer. TheCriollodan perajin pribumi berbuat banyak untuk memberikan fitur unik Baroque ini. Pusat utama budidaya Barok Amerika, yang masih berdiri, adalah (dalam urutan ini) Meksiko, Peru, Brasil, Ekuador, Kuba, Kolombia, Bolivia, Guatemala, Nikaragua, Panama, dan Puerto Riko.
Catatan khusus adalah apa yang disebut "Barok Misi", dikembangkan dalam kerangka pengurangan Spanyol di daerah yang membentang dari Meksiko dan bagian barat daya Amerika Serikat saat ini hingga sejauh selatan Argentina dan Chili, pemukiman pribumi yang diselenggarakan oleh misionaris Katolik Spanyol untuk mengubah mereka menjadi iman Kristen dan mengakulturasi mereka dalam kehidupan Barat, membentuk Barok hibrida yang dipengaruhi oleh budaya Pribumi, di mana Criollos berkembang dan banyak pengrajin dan musisi pribumi, bahkan melek huruf, beberapa kemampuan dan bakat hebat mereka sendiri. Kisah para misionaris sering mengulangi bahwa seni Barat, terutama musik, memiliki dampak hipnotis pada rimb, dan gambar orang-orang kudus dipandang memiliki kekuatan besar. Banyak penduduk asli bertobat, dan bentuk pengabdian baru diciptakan, dengan intensitas yang penuh gairah, sarat dengan mistisisme, takhayul, dan sandiwara, yang senang dengan massa meriah, konser suci, dan misteri.[98][99]
Di Filipina, yang merupakan koloni Spanyol selama lebih dari tiga abad, sejumlah besar konstruksi Barok dilestarikan. Empat di antaranya serta kota Baroque dan Neoklasik Vigan keduanya adalah Situs Warisan Dunia UNESCO; dan meskipun mereka tidak memiliki klasifikasi formal, Kota Berdinding Manila bersama dengan kota Tayabas keduanya mengandung tingkat arsitektur era Barok yang signifikan.
Cartouche di atas batu yang rusak di halaman Biara Antim, Bucharest, pematung tidak dikenal, akhir abad ke-17-awal abad ke-18
Seperti yang kita lihat, Baroque adalah gaya Barat, lahir di Italia. Melalui hubungan komersial dan budaya Italia dengan negara-negara di Semenanjung Balkan, termasuk Moldavia dan Wallachia, pengaruh Barok tiba di Eropa Timur. Pengaruh ini tidak terlalu kuat, karena biasanya terjadi dalam arsitektur dan ornamen pahatan batu, dan juga dicampur secara intens dengan detail yang diambil dari seni Bizantium dan Islam.
Sebelum dan sesudah jatuhnya Kekaisaran Bizantium, semua seni Wallachia dan Moldavia terutama dipengaruhi oleh seni Konstantinopel. Sampai akhir abad ke-16, dengan sedikit modifikasi, rencana gereja dan biara, mural, dan ornamen yang diukir di batu tetap sama seperti sebelumnya. Dari periode yang dimulai dengan pemerintahan Matei Basarab (1632-1654) dan Vasile Lupu (1634-1653), yang bertepatan dengan mempopulerkan Barok Italia, ornamen baru ditambahkan, dan gaya furnitur religius berubah. Ini sama sekali tidak acak. Elemen dan prinsip dekoratif dibawa dari Italia, melalui Venesia, atau melalui wilayah Dalmatian, dan mereka diadopsi oleh arsitek dan pengrajin dari timur. Kusen jendela dan pintu, pisanie dengan dedikasi, batu nisan, kolom dan pagar, dan bagian dari furnitur perunggu, perak atau kayu, menerima peran yang lebih penting daripada yang mereka miliki sebelumnya. Mereka juga ada sebelumnya, terinspirasi oleh tradisi Bizantium, tetapi mereka memiliki tampilan yang lebih realis, menunjukkan motif bunga yang halus.Kelegaan yang ada sebelumnya juga, menjadi lebih menonjol, memiliki volume dan konsistensi sekarang. Sebelum periode ini, relief dari Wallachia dan Moldavia, seperti yang dari Timur, hanya memiliki dua tingkat, pada jarak yang kecil satu dari yang lain, satu di permukaan dan yang lainnya secara mendalam. Bunga besar, mungkin mawar, peony atau thistles, daun tebal, acanthus atau tanaman serupa lainnya, memutar pada kolom, atau mengelilingi pintu dan jendela. Tempat di mana Barok memiliki pengaruh yang kuat adalah kolom dan pagar. Ibu kota lebih dihiasi dari sebelumnya dengan dedaunan. Kolom sering memiliki poros yang memutar, interpretasi ulang lokal dari kolom Solomonic. Pagar maksimal ditempatkan di antara kolom-kolom ini, dihiasi dengan rinceaux. Beberapa yang dari Istana Mogoșoaia juga dihiasi dengan lumba-lumba. Cartouches juga kadang-kadang digunakan, sebagian besar pada batu nisan, seperti pada salah satu Konstantin Brâncoveanu. Gerakan ini, dikenal sebagai gaya Brâncovenesc, setelah Constantin Brâncoveanu, penguasa Wallachia yang pemerintahannya (1654-1714) sangat terkait dengan arsitektur dan desain semacam ini. Gaya ini juga hadir selama abad ke-18, dan di bagian abad ke-19. Banyak gereja dan tempat tinggal yang didirikan oleh boyard dan voivodes pada periode ini adalah Brâncovenesc. Meskipun pengaruh Baroque dapat dilihat dengan jelas, gaya Brâncovenesc mengambil lebih banyak inspirasi dari tradisi lokal.
Saat abad ke-18 berlalu, dengan Phanariot (anggota keluarga Yunani terkemuka di Phanar, Istanbul) memerintah di Wallachia dan Moldavia, pengaruh Barok juga datang dari Istanbul. Mereka juga datang sebelumnya, selama abad ke-17, tetapi dengan Phanariots, lebih banyak motif Barok Barat yang tiba di Kekaisaran Ottoman memiliki tujuan akhir mereka di Rumania saat ini. Di Moldavia, elemen Barok juga berasal dari Rusia, di mana pengaruh seni Italia sangat kuat.[108]
Vanitas Masih Hidup; oleh Maria van Oosterwijck; 1668; minyak di atas kanvas; 73 x 88,5 cm; Museum Kunsthistorisches[117]
Pelukis barok bekerja dengan sengaja untuk membedakan diri mereka dari pelukis Renaisans dan periode Mannerisme setelahnya. Dalam palet mereka, mereka menggunakan warna yang intens dan hangat, dan secara khusus menggunakan warna primer merah, biru dan kuning, sering menempatkan ketiganya dalam jarak dekat.[118]Mereka menghindari pencahayaan yang merata dari lukisan Renaissance dan menggunakan kontras yang kuat antara cahaya dan kegelapan pada bagian-bagian tertentu dari gambar untuk mengarahkan perhatian pada tindakan atau tokoh sentral. Dalam komposisi mereka, mereka menghindari adegan tenang dari lukisan Renaissance, dan memilih momen dari gerakan dan drama terbesar. Berbeda dengan wajah-wajah tenang lukisan Renaisans, wajah-wajah dalam lukisan-lukisan Barok dengan jelas mengekspresikan emosi mereka. Mereka sering menggunakan asimetri, dengan aksi yang terjadi jauh dari pusat gambar, dan menciptakan sumbu yang tidak vertikal atau horizontal, tetapi miring ke kiri atau kanan, memberikan rasa ketidakstabilan dan gerakan. Mereka meningkatkan kesan gerakan ini dengan membuat kostum tokoh-tokoh tertiup angin, atau digerakkan oleh gerakan mereka sendiri. Kesan keseluruhannya adalah gerakan, emosi dan drama.[119]Elemen penting lain dari lukisan barok adalah alegori; setiap lukisan menceritakan sebuah cerita dan memiliki pesan, sering dienkripsi dalam simbol dan karakter alegoris, yang diharapkan untuk diketahui dan dibaca oleh pemirsa yang berpendidikan.[120]
Bukti awal ide-ide Barok Italia dalam lukisan terjadi di Bologna, di mana Annibale Carracci, Agostino Carracci dan Ludovico Carracci berusaha mengembalikan seni visual ke Klasisisme Renaisans yang teratur. Seni mereka, bagaimanapun, juga memasukkan ide-ide yang menjadi pusat Counter-Reformasi; ini termasuk emosi yang intens dan citra agama yang lebih menarik hati daripada kecerdasan.[121]
Peter Paul Rubens adalah pelukis paling penting dari gaya Baroque Flemish. Komposisi Rubens yang sangat bermuatan referensi aspek terpelajar dari sejarah klasik dan Kristen. Gaya Baroknya yang unik dan sangat populer menekankan gerakan, warna, dan sensualitas, yang mengikuti gaya artistik langsung dan dramatis yang dipromosikan dalam Kontra-Reformasi. Rubens mengkhususkan diri dalam membuat altarpieces, potret, lanskap, dan lukisan sejarah subjek mitologis dan alegoris.
Salah satu domain penting dari lukisan Barok adalah Quadratura, atau lukisan di trompe-l'œil, yang secara harfiah "menipu mata". Ini biasanya dilukis di plesteran langit-langit atau dinding atas dan langkan, dan memberi kesan kepada mereka yang melihat ke atas adalah bahwa mereka melihat langit dipenuhi dengan kerumunan malaikat, orang suci dan tokoh surgawi lainnya, diatur melawan langit yang dicat dan arsitektur imajiner.[50]
Di Italia, seniman sering berkolaborasi dengan arsitek dalam dekorasi interior; Pietro da Cortona adalah salah satu pelukis abad ke-17 yang menggunakan cara melukis ilusionis ini. Di antara komisi terpentingnya adalah lukisan dinding yang dia lukis untuk Istana keluarga Barberini (1633-39), untuk memuliakan masa pemerintahan Paus Urbanus VIII. Komposisi Pietro da Cortona adalah lukisan dinding dekoratif terbesar yang dieksekusi di Roma sejak karya Michelangelo di Kapel Sistina.[122]
François Boucher adalah tokoh penting dalam gaya Rococo Prancis yang lebih halus, yang muncul selama periode Barok akhir. Dia merancang permadani, karpet dan dekorasi teater serta lukisan. Karyanya sangat populer dengan Madame Pompadour, Nyonya Raja Louis XV. Lukisan-lukisannya menampilkan tema mitologis romantis, dan agak erotis.[123]
Pada abad ke-18 altar pahatan mulai digantikan oleh lukisan, berkembang terutama lukisan Barok di Amerika. Demikian pula, permintaan untuk pekerjaan sipil, terutama potret kelas aristokrat dan hierarki gerejawi, tumbuh. Pengaruh utamanya adalah Murillesque, dan dalam beberapa kasus – seperti dalam criollo Cristóbal de Villalpando – pengaruh Valdés Leal. Lukisan era ini memiliki nada yang lebih sentimental, dengan bentuk yang manis dan lembut. Ini menyoroti Gregorio Vásquez de Arce di Kolombia, dan Juan Rodríguez Juárez dan Miguel Cabrera di Meksiko.
Tokoh dominan dalam patung barok adalah Gian Lorenzo Bernini. Di bawah perlindungan Paus Urbanus VIII, dia membuat serangkaian patung monumental yang luar biasa dari orang-orang kudus dan tokoh-tokoh yang wajah dan gerak tubuhnya mengekspresikan emosi mereka dengan jelas, serta potret patung realisme yang luar biasa, dan karya-karya yang sangat dekoratif untuk Vatikan seperti Kursi St. yang mengesankan. Peter di bawah kubah di St. Basilika Petrus. Selain itu, ia merancang air mancur dengan kelompok patung monumental untuk menghias alun-alun utama Roma.[126]
Patung barok terinspirasi oleh patung Romawi kuno, terutama oleh patung Laocoön abad pertama Masehi yang terkenal, yang digali pada tahun 1506 dan dipajang di galeri Vatikan. Ketika dia mengunjungi Paris pada tahun 1665, Bernini berbicara kepada para siswa di akademi lukisan dan patung. Dia menyarankan para siswa untuk bekerja dari model klasik, bukan dari alam. Dia memberi tahu para siswa, "Ketika saya memiliki masalah dengan patung pertama saya, saya berkonsultasi dengan Antinous seperti oracle."[127]Patung Antinous itu sekarang dikenal sebagai Hermes dari Museo Pio-Clementino.
Di Spanyol, pematung Francisco Salzillo bekerja secara eksklusif pada tema agama, menggunakan kayu polikrom. Beberapa kerajinan pahatan barok terbaik ditemukan di altar plesteran berlapis emas gereja-gereja koloni Spanyol di Dunia Baru, dibuat oleh pengrajin lokal; contohnya termasuk Kapel Rosario Gereja Santo Domingo di Oaxaca (Meksiko), 1724-1731.
Tempat tidur empat tiang dari Château d'Effiat;c.1650; kenari alami, beludru sutra Genoa yang dipahat dan sutra bersulam; 295 cm;Louvre[128]
Caryatids Baroque dari sebuah kabinet; c.1675; kayu hitam, kingwood, marquetry dari batu keras, perunggu emas, timah, kaca, cermin berwarna dan tanduk; dimensi yang tidak diketahui; Museum Seni Dekoratif, Strasbourg, Prancis[129]
Meja dermaga; 1685–1690; diukir, gessoed, dan kayu berlapis emas, dengan bagian atas marmer; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Institut Seni Chicago, AS[130]
Lemari; oleh André Charles Boulle;c.1700; kayu hitam dan veneer bayam, kayu polikrom, kuningan, timah, cangkang, dan marquetry tanduk pada bingkai kayu ek, perunggu emas; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[131]
Commode; oleh André Charles Boulle;c.1710–1732; veneer kenari dengan kayu hitam dan marquetry dari kuningan terukir dan kulit kura-kura, dudukan perunggu gilt, bagian atas marmer antik; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)[132]
Meja depan miring Jerman; oleh Heinrich Ludwig Rohde atau Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry dengan maple, bayam, mahoni, dan kenari pada pohon cemara dan ek; 90 × 84 × 44,5 cm; Institut Seni Chicago[133]
Selama periode pertama pemerintahan Louis XIV, furnitur mengikuti gaya Louis XIII sebelumnya, dan sangat besar, dan didekorasi dengan patung dan penyepuhan. Setelah 1680, sebagian besar berkat desainer furnitur André Charles Boulle, gaya yang lebih orisinal dan halus muncul, kadang-kadang dikenal sebagai karya Boulle. Itu didasarkan pada tatahan kayu hitam dan kayu langka lainnya, teknik yang pertama kali digunakan di Florence pada abad ke-15, yang disempurnakan dan dikembangkan oleh Boulle dan lainnya yang bekerja untuk Louis XIV. Furnitur bertatahkan plakat kayu hitam, tembaga, dan kayu eksotis dengan warna berbeda.[136]
Jenis furnitur baru dan sering bertahan lama muncul; toilet, dengan dua hingga empat laci, menggantikan coffre lama, atau peti. Canape, atau sofa, muncul, dalam bentuk kombinasi dua atau tiga kursi. Jenis kursi berlengan baru muncul, termasuk fauteuil en confessionale atau "Kursi berlengan pengakuan", yang memiliki bantalan empuk di kedua sisi belakang kursi. Meja konsol juga membuat penampilan pertamanya; itu dirancang untuk ditempatkan di dinding. Jenis furnitur baru lainnya adalah table à gibier, meja dengan marmer untuk menampung piring. Varietas awal meja muncul; meja Mazarin memiliki bagian tengah yang diatur kembali, ditempatkan di antara dua kolom laci, dengan empat kaki di setiap kolom.[136]
Istilah Baroque juga digunakan untuk menunjuk gaya musik yang disusun selama periode yang tumpang tindih dengan seni Barok. Penggunaan pertama dari istilah 'barok' untuk musik adalah kritik. Dalam ulasan anonim dan satir tentang pemutaran perdana pada Oktober 1733 dari Hippolyte et Aricie karya Rameau, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menyiratkan bahwa kebaruan opera ini adalah "du barocque," mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, dipenuhi dengan disonansi yang tak henti-hentinya, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat dengan penuh dendam melalui setiap perangkat komposisi.[137]Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer terkenal serta filsuf, membuat pengamatan yang sangat mirip pada tahun 1768 dalam Encyclopédie yang terkenal dari Denis Diderot: "Musik barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[17]
Penggunaan umum istilah untuk musik pada periode tersebut baru dimulai pada tahun 1919, oleh Curt Sachs,[138]dan baru pada tahun 1940 pertama kali digunakan dalam bahasa Inggris dalam sebuah artikel yang diterbitkan oleh Manfred Bukofzer.[137]
Barok adalah periode eksperimen dan inovasi musik yang menjelaskan jumlah ornamen dan improvisasi yang dilakukan oleh para musisi. Bentuk baru ditemukan, termasuk konser dan sinfonia. Opera lahir di Italia pada akhir abad ke-16 (dengan Dafne Jacopo Peri yang sebagian besar hilang, diproduksi di Florence pada tahun 1598) dan segera menyebar ke seluruh Eropa: Louis XIV menciptakan Akademi Musik Kerajaan pertama, Pada tahun 1669, penyair Pierre Perrin membuka akademi opera di Paris, teater opera pertama di Prancis yang terbuka untuk umum, dan menayangkan perdana Pomone, opera besar pertama dalam bahasa Prancis, dengan musik oleh Robert Cambert, dengan lima babak, mesin panggung yang rumit, dan balet.[139]Heinrich Schütz di Jerman, Jean-Baptiste Lully di Prancis, dan Henry Purcell di Inggris semuanya membantu membangun tradisi nasional mereka di abad ke-17.
Beberapa instrumen baru, termasuk piano, diperkenalkan selama periode ini. Penemuan piano dikreditkan ke Bartolomeo Cristofori (1655-1731) dari Padua, Italia, yang dipekerjakan oleh Ferdinando de' Medici, Pangeran Agung Tuscany, sebagai Penjaga Instrumen.[140][141]Cristofori menamai instrumen itu un cimbalo di cipresso di piano e forte ("keyboard cemara dengan lembut dan keras"), disingkat dari waktu ke waktu sebagai pianoforte, fortepiano, dan kemudian, secara sederhana, piano.[142]
Balet klasik juga berasal dari era Barok. Gaya tarian istana dibawa ke Prancis oleh Marie de Medici, dan pada awalnya anggota istana itu sendiri adalah para penarinya. Louis XIV sendiri tampil di depan umum di beberapa balet. Pada bulan Maret 1662, Académie Royale de Danse, didirikan oleh Raja. Itu adalah sekolah dansa dan perusahaan profesional pertama, dan menetapkan standar dan kosakata untuk balet di seluruh Eropa selama periode tersebut.[139]
Teori sastra
Heinrich Wölfflin adalah orang pertama yang mentransfer istilah Baroque ke sastra.[143]Konsep kunci teori sastra Barok, seperti "solusif" (concetto), "wit" (acutezza, ingegno), dan "keajaiban" (meraviglia), tidak sepenuhnya dikembangkan dalam teori sastra sampai publikasi Il Cannocchiale aristotelico (The Aristotelian Telescope) karya Emanuele Tesauro pada tahun 1654. Risalah mani ini - terinspirasi oleh epik Giambattista Marino Adone dan karya filsuf Yesuit Spanyol Baltasar Gracián - mengembangkan teori metaforasebagai bahasa gambar universal dan sebagai tindakan intelektual tertinggi, sekaligus sebuah kecerdasan dan mode akses istimewa epistemologis ke kebenaran.[144]
Teater
Desain set untuk Andromedé oleh Pierre Corneille, (1650)Desain untuk set teater yang dibuat oleh Giacomo Torelli untuk balet Les Noces de Thétis, dari Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal
Selama periode Baroque, seni dan gaya teater berkembang pesat, di samping perkembangan opera dan balet. Desain teater yang lebih baru dan lebih besar, penemuan penggunaan mesin yang lebih rumit, penggunaan lengkungan proscenium yang lebih luas, yang membingkai panggung dan menyembunyikan mesin dari penonton, mendorong efek dan tontonan yang lebih indah.[145]
Barok memiliki karakter Katolik dan konservatif di Spanyol, mengikuti model sastra Italia selama Renaisans.[146]Teater Hispanik Barok bertujuan untuk konten publik dengan realitas ideal yang memanifestasikan tiga sentimen mendasar: agama Katolik, monarkis dan kebanggaan serta kehormatan nasional yang berasal dari dunia ksatria ksatria.[147]
Lope de Vega memperkenalkan melalui Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) komedi baru. Dia menetapkan formula dramatis baru yang mematahkan tiga kesatuan Aristoteles dari sekolah puisi Italia (aksi, waktu, dan tempat) dan kesatuan keempat Aristoteles yang tentang gaya, pencampuran elemen tragis dan komik yang menunjukkan berbagai jenis ayat dan bait atas apa yang diwakili.[150]Meskipun Lope memiliki pengetahuan yang besar tentang seni plastik, dia tidak menggunakannya selama sebagian besar karirnya atau di teater atau skenografi. Komedi Lope memberikan peran kedua pada aspek visual dari representasi teater.[151]
Tirso de Molina, Lope de Vega, dan Calderón adalah penulis drama terpenting di Spanyol Era Emas. Karya-karya mereka, yang dikenal karena kecerdasan halus dan pemahaman mendalam tentang kemanusiaan seseorang, dapat dianggap sebagai jembatan antara komedi primitif Lope dan komedi Calderón yang lebih rumit. Tirso de Molina terkenal karena dua karya, The Convicted Suspicions dan The Trickster of Seville, salah satu versi pertama dari mitos Don Juan.[152]
Setibanya di Madrid, Cosimo Lotti membawa ke pengadilan Spanyol teknik teater paling canggih di Eropa. Teknik dan pengetahuan mekaniknya diterapkan dalam pameran istana yang disebut "Fiestas" dan dalam pameran mewah sungai atau air mancur buatan yang disebut "Naumaquias". Dia bertanggung jawab untuk menata Taman Buen Retiro, Zarzuela, dan Aranjuez dan pembangunan gedung teater Coliseo del Buen Retiro.[153]Formula Lope dimulai dengan sebuah syair yang tidak sesuai dengan fondasi teater istana dan kelahiran konsep baru yang memulai karir beberapa penulis drama seperti Calderón de la Barca. Menandai inovasi utama dari Komedi Lopesian Baru, gaya Calderón menandai banyak perbedaan, dengan banyak perhatian konstruktif dan perhatian pada struktur internalnya. Karya Calderón dalam kesempurnaan formal dan bahasa yang sangat lirik dan simbolis. Kebebasan, vitalitas, dan keterbukaan Lope memberikan langkah bagi refleksi intelektual dan ketepatan formal Calderón. Dalam komedinya itu mencerminkan niat ideologis dan doktrinnya di atas gairah dan tindakan, karya Autos sacramentales mencapai peringkat tinggi.[154]Genre Comedia adalah politik, multi-artistik dan dalam arti hibrida. Teks puitis yang terjalin dengan Media dan sumber daya yang berasal dari arsitektur, musik, dan lukisan yang membebaskan penipuan yang ada dalam komedi Lopesian dibuat dari kurangnya pemandangan dan melibatkan dialog aksi.[155]
Tragedi barok Italia terkemuka adalah Federico Della Valle. Aktivitas sastranya diringkas oleh empat drama yang dia tulis untuk teater istana: tragicomedy Adelonda di Frigia (1595) dan terutama tiga tragedinya, Judith (1627), Esther (1627) dan La reina di Scotia (1628). Della Valle memiliki banyak peniru dan pengikut yang menggabungkan dalam karya mereka rasa Barok dan tujuan didak dari Yesuit(Pallavicino, Graziani, dll.)
Amerika kolonial Spanyol
Mengikuti evolusi yang ditandai dari Spanyol, pada akhir abad ke-16, perusahaan komedian, pada dasarnya transhumant, mulai memprofesionalkan. Dengan profesionalisasi datang regulasi dan sensor: seperti di Eropa, teater berosilasi antara toleransi dan bahkan perlindungan dan penolakan pemerintah (dengan pengecualian) atau penganiayaan oleh Gereja. Teater itu berguna bagi pihak berwenang sebagai instrumen untuk menyebarkan perilaku dan model yang diinginkan, menghormati tatanan sosial dan monarki, sekolah dogma agama.[156]
Kandang diberikan untuk kepentingan rumah sakit yang berbagi manfaat dari representasi. Perusahaan keliling (atau "liga"), yang membawa teater dalam panggung terbuka improvisasi oleh daerah yang tidak memiliki penduduk setempat yang tetap, membutuhkan lisensi wakil raja untuk bekerja, yang harga orpinciónnya ditakdirkan untuk sedekah dan bekerja saleh.[156]Untuk perusahaan yang bekerja secara stabil di ibu kota dan kota-kota besar, salah satu sumber pendapatan utama mereka adalah partisipasi dalam perayaan Corpus Christi, yang memberi mereka tidak hanya manfaat ekonomi, tetapi juga pengakuan dan prestise sosial. Representasi di istana wakil raja dan rumah-rumah besar aristokrasi, di mana mereka mewakili komedi repertoar mereka dan produksi khusus dengan efek pencahayaan, pemandangan, dan panggung yang hebat, juga merupakan sumber penting dari karya yang dibayar dengan baik dan bergengsi.[156]
Lahir di Viceroyalty of New Spain[157]tetapi kemudian menetap di Spanyol, Juan Ruiz de Alarcón adalah tokoh paling menonjol di teater Barok Spanyol Baru. Terlepas dari akomodasinya untuk komedi baru Lope de Vega, "sekularisme yang ditandai", kebijaksanaan dan pengekangannya, dan kapasitas yang tajam untuk "penetrasi psikologis" sebagai fitur khas Alarcón melawan orang sezamannya di Spanyol telah dicatat. Patut dicatat di antara karya-karyanya La verdad sospechosa, sebuah komedi karakter yang mencerminkan tujuan moralisasinya yang konstan.[156]Produksi dramatis Sor Juana Inés de la Cruz menempatkannya sebagai tokoh kedua teater Barok Spanyol-Amerika. Perlu disebutkan di antara karya-karyanya auto sacramental El divino Narciso dan komedi Los empeños de una casa.
Taman Baroque, juga dikenal sebagai jardin à la française atau taman formal Prancis, pertama kali muncul di Roma pada abad ke-16, dan kemudian paling terkenal di Prancis pada abad ke-17 di taman Vaux le Vicomte dan Istana Versailles. Taman barok dibangun oleh Raja dan pangeran di Jerman, Belanda, Austria, Spanyol, Polandia, Italia, dan Rusia hingga pertengahan abad ke-18, ketika mereka mulai dibuat ulang oleh taman lanskap Inggris yang lebih alami.
Tujuan dari taman barok adalah untuk menggambarkan kekuatan manusia atas alam, dan kemuliaan pembangunnya, taman Barok ditata dalam pola geometris, seperti kamar rumah. Mereka biasanya paling baik dilihat dari luar dan melihat ke bawah, baik dari chateau atau teras. Unsur-unsur taman barok termasuk bagian dari hamparan bunga atau pagar rendah yang dipangkas menjadi desain Barok yang berornamen, dan jalur lurus dan gang-gang kerikil yang membagi dan melintasi taman. Teras, landai, tangga, dan kaskade ditempatkan di tempat yang memiliki perbedaan ketinggian, dan menyediakan titik pandang. Kolam bundar atau persegi panjang atau cekungan air adalah pengaturan untuk air mancur dan patung. Bosquets atau rumpun yang dipangkas dengan hati-hati atau garis-garis pohon yang identik, memberikan tampilan dinding tanaman hijau dan merupakan latar belakang untuk patung. Di tepinya, taman biasanya memiliki paviliun, jeruk, dan struktur lain di mana pengunjung dapat berlindung dari matahari atau hujan.[162]
Taman barok membutuhkan sejumlah besar tukang kebun, pemangkasan terus-menerus, dan air yang berlimpah. Pada bagian akhir periode Baroque, elemen formal mulai diganti dengan fitur yang lebih alami, termasuk jalur berliku, rumpun pohon yang bervariasi dibiarkan tumbuh tanpa dipangkas; arsitektur pedesaan dan struktur yang indah, seperti kuil Romawi atau pagoda Cina, serta "taman rahasia" di tepi taman utama, penuh dengan tanaman hijau, di mana pengunjung dapat membaca atau melakukan percakapan yang tenang. Pada pertengahan abad ke-18 sebagian besar taman Barok sebagian atau seluruhnya diubah menjadi variasi taman lanskap Inggris.[162]
Gaya Barok menggunakan kontras, gerakan, detail yang meriah, warna yang dalam, kemegahan, dan kejutan untuk mencapai rasa kagum. Gaya ini dimulai pada awal abad ke-17 di Roma, kemudian menyebar dengan cepat ke seluruh Italia, Prancis, Spanyol dan Portugal, kemudian ke Austria, Jerman selatan, dan Polandia. Pada 1730-an, itu telah berkembang menjadi gaya yang bahkan lebih flamboyan, yang disebut rocaille atau Rococo, yang muncul di Prancis dan Eropa Tengah hingga pertengahan hingga akhir abad ke-18. Di wilayah Kekaisaran Spanyol dan Portugis termasuk Semenanjung Iberia itu berlanjut, bersama dengan gaya baru, sampai dekade pertama abad ke-19.
Dalam seni dekoratif, gayanya menggunakan ornamen yang berlimpah dan rumit. Keberangkatan dari klasisisme Renaisans memiliki caranya sendiri di setiap negara. Tetapi fitur umum adalah bahwa di mana-mana titik awal adalah elemen hias yang diperkenalkan oleh Renaissance. Repertoar klasik ramai, padat, tumpang tindih, dimuat, untuk memancing efek kejut. Motif baru yang diperkenalkan oleh Baroque adalah: thecartouche, piala dan senjata, keranjang buah atau bunga, dan lainnya, dibuat dalam marquetry, plesteran, atau ukiran.[4]
Asal usul kata
Liontin dalam bentuk sirene, terbuat dari mutiara barok(torso) dengan dudukan emas berenamel yang dipasang dengan rubi, mungkin sekitar tahun 1860, di Museum Seni Metropolitan (Kota New York, New York).
Kata bahasa Inggris baroque berasal langsung dari bahasa Prancis. Beberapa sarjana menyatakan bahwa kata Prancis berasal dari istilah Portugis barroco ("mutiara cacat"), menunjuk ke bahasa Latin verruca,[5]("wart"), atau ke kata dengan akhiran -ǒccu (umum di Iberia pra-Romawi).[6][7][8]Sumber lain menyarankan istilah Latin Abad Pertengahan yang digunakan dalam logika, baroco, sebagai sumber yang paling mungkin.[9]
Pada abad ke-16, kata Latin Abad Pertengahanbaroco bergerak melampaui logika skolastik dan mulai digunakan untuk mengkarakterisasi apa pun yang tampak sangat kompleks. Filsuf Prancis Michel de Montaigne (1533–1592) mengaitkan istilah baroco dengan "Aneh dan rumit yang tidak berguna."[10]Sumber awal lainnya mengaitkan barbaro dengan sihir, kompleksitas, kebingungan, dan kelebihan.[9]
Kata barokjuga dikaitkan dengan mutiara tidak beraturan sebelum abad ke-18. Barroco barokPrancis dan Portugis adalah istilah yang sering dikaitkan dengan perhiasan. Contoh dari tahun 1531 menggunakan istilah tersebut untuk menggambarkan mutiara dalam inventarisasi harta karun Charles V dari Prancis.[11]Kemudian, kata itu muncul dalam edisi 1694 dari Le Dictionnaire de l'Académie Française, yang menggambarkan barok sebagai "hanya digunakan untuk mutiara yang tidak sempurna bulat."[12]Kamus Portugis 1728 juga menggambarkan barroco yang berkaitan dengan "mutiara kasar dan tidak rata".[13]
Turunan alternatif dari kata barokmenunjuk ke nama pelukis Italia Federico Barocci (1528-1612).[14]
Pada abad ke-18, istilah tersebut mulai digunakan untuk menggambarkan musik, dan bukan dengan cara yang menyanjung. Dalam ulasan satir anonim perdana Hippolyte et Aricie karya Jean-Philippe Rameau pada Oktober 1733, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menulis bahwa hal baru dalam opera ini adalah "du barocque", mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, tidak peduli dengan disonansi, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat berlari melalui setiap perangkat komposisi.[15]
Pada tahun 1762, Le Dictionnaire de l'Académie Française mencatat bahwa istilah tersebut dapat secara kiasan menggambarkan sesuatu yang "tidak teratur, aneh, atau tidak setara".[16]
Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer serta filsuf, menulis di Encyclopédie pada tahun 1768: "Musik Barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[10][17]
Istilah gaya Prancis barok dan musique barok muncul di Le Dictionnaire de l'Académie Française pada tahun 1835.[19]Pada pertengahan abad ke-19, kritikus seni dan sejarawan telah mengadopsi istilah "barok" sebagai cara untuk mengejek seni pasca-Renaisans. Ini adalah arti kata yang digunakan pada tahun 1855 oleh sejarawan seni terkemuka Jacob Burckhardt, yang menulis bahwa seniman barok "menghina dan menyalahgunakan detail" karena mereka tidak memiliki "menghormati tradisi".[20]
Pada tahun 1888, sejarawan seni Heinrich Wölfflin menerbitkan karya akademis serius pertama tentang gaya, Renaissance und Barock, yang menggambarkan perbedaan antara lukisan, patung, dan arsitektur Renaissance dan Baroque.[21]
Gaya arsitektur Barok adalah hasil dari doktrin yang diadopsi oleh Gereja Katolik di Konsili Trente pada tahun 1545–1563, sebagai tanggapan atas Reformasi Protestan. Fase pertama Kontra-Reformasi telah memberlakukan gaya akademis yang keras pada arsitektur keagamaan, yang telah menarik bagi para intelektual tetapi bukan massa pengunjung gereja. Konsili Trente malah memutuskan untuk menarik audiens yang lebih populer, dan menyatakan bahwa seni harus mengkomunikasikan tema-tema keagamaan dengan keterlibatan langsung dan emosional.[23][24]Demikian pula, seni Barok Lutheran berkembang sebagai penanda pengakuan identitas, sebagai tanggapan terhadap Ikonoklasme Besar Calvinis.[25]
Gereja-gereja barok dirancang dengan ruang pusat yang besar, di mana para jamaah bisa dekat dengan altar, dengan kubah atau kubah tinggi di atas kepala, memungkinkan cahaya menerangi gereja di bawah. Kubah adalah salah satu fitur simbolis utama dari arsitektur Barok yang menggambarkan penyatuan antara langit dan bumi. Bagian dalam kubah dihiasi dengan lukisan malaikat dan orang suci, dan dengan patung-patung malaikat plesteran, memberi kesan kepada mereka yang di bawah melihat ke surga.[26]Fitur lain dari gereja Baroque adalah quadratura; lukisan trompe-l'œil di langit-langit dalam bingkai plesteran, baik asli atau dicat, penuh dengan lukisan orang suci dan malaikat dan dihubungkan oleh detail arsitektur dengan langkan dan konsol. Lukisan Quadratura Atlantes di bawah cornice tampaknya menopang langit-langit gereja. Tidak seperti langit-langit Michelangelo yang dicat di Kapel Sistina, yang menggabungkan adegan yang berbeda, masing-masing dengan perspektifnya sendiri, untuk dilihat satu per satu, lukisan langit-langit Barok dibuat dengan hati-hati sehingga penonton di lantai gereja akan melihat seluruh langit-langit dalam perspektif yang benar, seolah-olah gambarnya nyata.
Interior gereja-gereja Barok menjadi semakin berornamen di High Baroque, dan fokus di sekitar altar, biasanya ditempatkan di bawah kubah. Karya dekoratif barok yang paling terkenal dari High Baroque adalah Kursi Santo Petrus (1647–1653) dan Baldachino dari St. Peter (1623-1634), keduanya oleh Gian Lorenzo Bernini, di St. Basilika Petrus di Roma. Baldequin dari St. Peter adalah contoh keseimbangan yang berlawanan dalam seni Barok; proporsi raksasa dari karya itu, dengan cahaya kanopi yang tampak; dan kontras antara kolom bengkok yang kokoh, perunggu, emas, dan marmer dari karya itu dengan tirai malaikat yang mengalir di kanopi.[27]Dresden Frauenkirche berfungsi sebagai contoh menonjol dari seni Barok Lutheran, yang selesai pada tahun 1743 setelah ditugaskan oleh dewan kota Lutheran Dresden dan "dibandingkan oleh pengamat abad kedelapan belas dengan St Peter's di Roma".[3]
Kolom bengkok di bagian dalam gereja adalah salah satu fitur khas Barok. Ini memberikan rasa gerak dan juga cara baru yang dramatis untuk memantulkan cahaya.
Cartouche adalah fitur karakteristik lain dari dekorasi Barok. Ini adalah plakat besar yang diukir dari marmer atau batu, biasanya oval dan dengan permukaan bulat, yang membawa gambar atau teks dalam huruf berlapis emas, dan ditempatkan sebagai dekorasi interior atau di atas pintu bangunan, menyampaikan pesan kepada orang-orang di bawah. Mereka menunjukkan berbagai macam penemuan, dan ditemukan di semua jenis bangunan, dari katedral dan istana hingga kapel kecil.[28]
Arsitek barok terkadang menggunakan perspektif paksa untuk menciptakan ilusi. Untuk Palazzo Spada di Roma, Borromini menggunakan kolom dengan ukuran yang semakin berkurang, lantai yang menyempit dan patung miniatur di taman di luar untuk menciptakan ilusi bahwa lorong itu panjangnya tiga puluh meter, padahal sebenarnya hanya sepanjang tujuh meter. Sebuah patung di ujung lorong tampak seukuran aslinya, meskipun tingginya hanya enam puluh sentimeter. Borromini merancang ilusi dengan bantuan seorang matematikawan.
Bangunan pertama di Roma yang memiliki fasad Barok adalah Gereja Gesù pada tahun 1584; itu polos oleh standar Barok kemudian, tetapi menandai istirahat dengan fasad Renaissance tradisional yang mendahuluinya. Bagian dalam gereja ini tetap sangat keras sampai Barok tinggi, ketika itu dihiasi dengan mewah.
Di Roma pada tahun 1605, Paul V menjadi yang pertama dari serangkaian paus yang menugaskan basilika dan bangunan gereja yang dirancang untuk menginspirasi emosi dan kekaguman melalui proliferasi bentuk, dan kekayaan warna dan efek dramatis.[33]Di antara monumen paling berpengaruh dari Barok Awal adalah fasad St. Basilika Petrus (1606-1619), dan nave dan loggia baru yang menghubungkan fasad ke kubah Michelangelo di gereja sebelumnya. Desain baru menciptakan kontras dramatis antara kubah yang menjulang tinggi dan fasad lebar yang tidak proporsional, dan kontras pada fasad itu sendiri antara kolom Doric dan massa besar serambi.[34]
Pada pertengahan hingga akhir abad ke-17 gaya mencapai puncaknya, kemudian disebut High Baroque. Banyak karya monumental ditugaskan oleh Paus UrbanusVIII dan Alexander VII. Pematung dan arsitek Gian Lorenzo Bernini merancang barisan tiang empat kali lipat baru di sekitar St. Lapangan Petrus (1656 hingga 1667). Tiga galeri kolom dalam elips raksasa menyeimbangkan kubah besar dan memberi Gereja dan alun-alun kesatuan dan perasaan teater raksasa.[35]
Inovator utama lainnya dari Barok Tinggi Italia adalah Francesco Borromini, yang karya utamanya adalah Gereja San Carlo alle Quattro Fontane atau Saint Charles dari Empat Air Mancur (1634-1646). Rasa gerakan diberikan bukan oleh dekorasi, tetapi oleh dinding itu sendiri, yang bergelombang dan oleh elemen cekung dan cembung, termasuk menara oval dan balkon yang dimasukkan ke dalam lintasan cekung. Interiornya sama-sama revolusioner; ruang utama gereja berbentuk oval, di bawah kubah oval.[35]
Langit-langit yang dicat, penuh dengan malaikat dan orang-orang kudus dan efek arsitektur trompe-l'œil, adalah fitur penting dari Barok Tinggi Italia. Karya-karya utama termasuk The Entry of Saint Ignatius into Paradise oleh Andrea Pozzo (1685-1695) di Gereja Saint Ignatius di Roma, dan The triumph of the name of Jesus oleh Giovanni Battista Gaulli di Church of the Gesù di Roma (1669–1683), yang menampilkan tokoh-tokoh yang tumpah keluar dari bingkai foto dan pencahayaan miring yang dramatis dan kontras terang-gelap.[36]
Gereja Katolik di Spanyol, dan khususnya Yesuit, adalah kekuatan pendorong arsitektur Barok Spanyol. Karya besar pertama dalam gaya ini adalah Kapel San Isidro di Madrid, dimulai pada tahun 1643 oleh Pedro de la Torre. Ini kontras dengan kekayaan ornamen ekstrim di eksterior dengan kesederhanaan di interior, dibagi menjadi beberapa ruang dan menggunakan efek cahaya untuk menciptakan rasa misteri.[41]Katedral di Santiago de Compostela dimodernisasi dengan serangkaian tambahan Barok yang dimulai pada akhir abad ke-17, dimulai dengan menara lonceng yang sangat berornamen (1680), kemudian diapit oleh dua menara yang lebih tinggi dan lebih berornamen, yang disebut Obradorio, ditambahkan antara 1738 dan 1750 oleh Fernando de Casas Novoa. Tengara lain dari Barok Spanyol adalah menara kapel Istana San Telmo di Seville oleh Leonardo de Figueroa.[42]
Granada baru ditaklukkan dari Moor pada abad ke-15, dan memiliki variasi Barok yang berbeda. Pelukis, pematung, dan arsitek Alonso Cano merancang interior Barok Katedral Granada antara tahun 1652 dan kematiannya pada tahun 1657. Ini menampilkan kontras dramatis dari kolom putih besar dan dekorasi emas.
Arsitektur Barok Spanyol yang paling hias dan didekorasi dengan mewah disebut gaya Churrigueresque, dinamai menurut saudara-saudara Churriguera, yang bekerja terutama di Salamanca dan Madrid. Karya-karya mereka termasuk bangunan di alun-alun utama kota, Plaza Mayor of Salamanca (1729).[42]Gaya Barok yang sangat hias ini berpengaruh di banyak gereja dan katedral yang dibangun oleh Spanyol di Amerika.
Arsitek barok Spanyol terkenal lainnya dari akhir Barok termasuk Pedro de Ribera, murid Churriguera, yang merancang Rumah Sakit Kerajaan San Fernando di Madrid, dan Narciso Tomé, yang merancang altarpiece El Transparente yang terkenal di Katedral Toledo (1729-1732) yang memberikan ilusi, dalam cahaya tertentu, mengambang ke atas.[42]
Arsitek Barok Spanyol memiliki efek jauh melampaui Spanyol; karya mereka sangat berpengaruh di gereja-gereja yang dibangun di koloni Spanyol di Amerika Latin dan Filipina. Gereja yang dibangun oleh Yesuituntuk sebuah perguruan tinggi di Tepotzotlán, dengan fasad dan menara Barok yang berornamen, adalah contoh yang baik.[43]
Istana Rogalin, Rogalin, Polandia, arsitek tidak dikenal, 1768–1774[49]
Dari 1680 hingga 1750, banyak katedral, biara, dan gereja ziarah yang sangat berornamen dibangun di Eropa Tengah, di Bavaria, Austria, Bohemia, dan Polandia barat daya. Beberapa berada dalam gaya Rococo, gaya yang berbeda, lebih flamboyan dan asimetris yang muncul dari Barok, kemudian menggantikannya di Eropa Tengah pada paruh pertama abad ke-18, sampai digantikan secara bergantian oleh klasisisme.[50]
Salah satu contoh terbaik dari gereja rococo adalah Basilika Vierzehnheiligen, atau Basilika Empat Belas Pembantu Suci, sebuah gereja ziarah yang terletak di dekat kota Bad Staffelstein dekat Bamberg, di Bavaria, Jerman selatan. Basilika ini dirancang oleh Balthasar Neumann dan dibangun antara 1743 dan 1772, rencananya serangkaian lingkaran yang saling terkait di sekitar oval tengah dengan altar ditempatkan di tengah gereja. Bagian dalam gereja ini menggambarkan puncak dekorasi Rococo.[52]Contoh penting lainnya dari gaya ini adalah Gereja Ziarah Wies (Jerman: Wieskirche). Itu dirancang oleh saudara-saudara J. B. dan Dominikus Zimmermann. Itu terletak di kaki bukit Alpen, di kotamadya Steingaden di distrik Weilheim-Schongau, Bavaria, Jerman. Konstruksi berlangsung antara 1745 dan 1754, dan interiornya dihiasi dengan lukisan dinding dan dengan plesteran dalam tradisi Sekolah Wessobrunner. Sekarang menjadi Situs Warisan Dunia UNESCO.
Contoh penting lainnya adalah St. Gereja Nicholas (Malá Strana) di Praha (1704-1755), dibangun oleh Christoph Dientzenhofer dan putranya Kilian Ignaz Dientzenhofer. Dekorasi menutupi semua dinding interior gereja. Altar ditempatkan di bagian tengah di bawah kubah pusat, dan dikelilingi oleh kapel, cahaya turun dari kubah di atas dan dari kapel di sekitarnya. Altar seluruhnya dikelilingi oleh lengkungan, kolom, langkan melengkung dan pilaster dari batu berwarna, yang kaya dihiasi dengan patung, menciptakan kebingungan yang disengaja antara arsitektur asli dan dekorasi. Arsitekturnya diubah menjadi teater cahaya, warna, dan gerakan.[27]
Barok di Prancis berkembang sangat berbeda dari versi lokal Barok yang berornamen dan dramatis dari Italia, Spanyol, dan seluruh Eropa. Itu tampak parah, lebih terpisah dan terkendali dengan perbandingan, mendahului Neoklasikisme dan arsitektur Pencerahan. Tidak seperti bangunan Italia, bangunan Barok Prancis tidak memiliki pedimen yang rusak atau fasad lengkung. Bahkan bangunan religius menghindari drama spasial intens yang ditemukan dalam karya Borromini. Gaya ini terkait erat dengan karya-karya yang dibangun untuk Louis XIV (memerintah 1633-1715), dan karena ini, ia juga dikenal sebagai gaya Louis XIV. Louis XIV mengundang master Baroque, Bernini, untuk menyerahkan desain untuk sayap baru Louvre, tetapi menolaknya demi desain yang lebih klasik oleh Claude Perrault dan Louis Le Vau.[67][68]
Arsitek utama gaya tersebut termasuk François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (Gereja Val-de-Grace, 1645–1665) dan Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart adalah arsitek pertama yang memperkenalkan gaya Barok, terutama penggunaan tatanan terapan dan rusticasi berat, ke dalam kosakata arsitektur Prancis. Atap mansard tidak ditemukan oleh Mansart, tetapi telah dikaitkan dengannya, karena dia sering menggunakannya.[69]
Proyek kerajaan utama pada periode itu adalah perluasan Istana Versailles, dimulai pada tahun 1661 oleh Le Vau dengan dekorasi oleh pelukis Charles Le Brun. Taman dirancang oleh André Le Nôtre secara khusus untuk melengkapi dan memperkuat arsitektur. Galerie des Glaces (Hall of Mirrors), pusat château, dengan lukisan karya Le Brun, dibangun antara 1678 dan 1686. Mansart menyelesaikan Grand Trianon pada tahun 1687. Kapel, yang dirancang oleh de Cotte, selesai pada tahun 1710. Setelah kematian Louis XIV, Louis XV menambahkan Petit Trianon yang lebih intim dan teater yang sangat berornamen. Air mancur di taman dirancang untuk dilihat dari interior, dan untuk menambah efek dramatis. Istana itu dikagumi dan disalin oleh raja-raja Eropa lainnya, khususnya Peter the Great dari Rusia, yang mengunjungi Versailles pada awal masa pemerintahan Louis XV, dan membangun versinya sendiri di Istana Peterhof dekat Saint Petersburg, antara 1705 dan 1725.[70]
Arsitektur barok di Portugal berlangsung sekitar dua abad (akhir abad ketujuh belas dan abad kedelapan belas). Pemerintahan John V dan Joseph I telah meningkatkan impor emas dan berlian, dalam periode yang disebut Royal Absolutism, yang memungkinkan Barok Portugis berkembang.
Arsitektur barok di Portugal menikmati situasi khusus dan garis waktu yang berbeda dari seluruh Eropa.
Itu dikondisikan oleh beberapa faktor politik, artistik, dan ekonomi, yang berasal dari beberapa fase, dan berbagai jenis pengaruh luar, menghasilkan perpaduan yang unik,[75]sering disalahpahami oleh mereka yang mencari seni Italia, sebaliknya menemukan bentuk dan karakter tertentu yang memberikan variasi unik Portugis. Faktor kunci lainnya adalah keberadaan arsitektur Jesuit, juga disebut "gaya polos" (Estilo Chão atau Estilo Plano)[76]yang seperti namanya membangkitkan, lebih sederhana dan tampak agak keras.
Bangunannya adalah basilika single-room, kapel utama yang dalam, kapel lateral (dengan pintu kecil untuk komunikasi), tanpa dekorasi interior dan eksterior, portal dan jendela sederhana. Ini adalah bangunan praktis, memungkinkannya untuk dibangun di seluruh kekaisaran dengan penyesuaian kecil, dan disiapkan untuk didekorasi nanti atau ketika sumber daya ekonomi tersedia.
Faktanya, Barok Portugis pertama tidak kekurangan dalam membangun karena "gaya polos" mudah diubah, dengan cara dekorasi (lukisan, ubin, dll.), mengubah area kosong menjadi skenario barok yang sombong dan rumit. Hal yang sama bisa diterapkan pada eksterior. Selanjutnya, mudah untuk menyesuaikan bangunan dengan selera waktu dan tempat, dan menambahkan fitur dan detail baru. Praktis dan ekonomis.
Dengan lebih banyak penduduk dan sumber daya ekonomi yang lebih baik, utara, khususnya daerah Porto dan Braga,[77][78][79]menyaksikan pembaruan arsitektur, terlihat dalam daftar besar gereja, biara, dan istana yang dibangun oleh aristokrasi.
Debut Baroque Rusia, atau Petrine Baroque, mengikuti kunjungan panjang Peter the Great ke Eropa barat pada tahun 1697–1698, di mana ia mengunjungi Chateaux of Fontainebleau dan Versailles serta monumen arsitektur lainnya. Dia memutuskan, sekembalinya ke Rusia, untuk membangun monumen serupa di St. Petersburg, yang menjadi ibu kota baru Rusia pada tahun 1712. Monumen utama awal di Petrine Baroque termasuk Katedral Peter dan Paul dan Istana Menshikov.
Di Moskow, Naryshkin Baroque menjadi tersebar luas, terutama dalam arsitektur gereja-gereja Ortodoks Timur pada akhir abad ke-17. Itu adalah kombinasi dari Barok Eropa barat dengan gaya rakyat tradisional Rusia.
Lukisan dinding kolonial yang diawetkan tahun 1802 menggambarkan Neraka,[95][96][97]oleh Tadeo Escalante, di dalam Gereja San Juan Bautista diHuaro, Peru
Karena penjajahan Amerika oleh negara-negara Eropa, Barok secara alami pindah ke Dunia Baru, menemukan tanah yang sangat menguntungkan di wilayah yang didominasi oleh Spanyol dan Portugal, kedua negara menjadi monarki Katolik yang terpusat dan tidak dapat direduksi, dengan perluasan tunduk pada Roma dan penganut Barok Kontra-reformis yang paling khas. Seniman Eropa bermigrasi ke Amerika dan bersekolah, dan seiring dengan penetrasi misionaris Katolik yang meluas, banyak di antaranya adalah seniman yang terampil, menciptakan Barok multiform yang sering dipengaruhi oleh selera populer. TheCriollodan perajin pribumi berbuat banyak untuk memberikan fitur unik Baroque ini. Pusat utama budidaya Barok Amerika, yang masih berdiri, adalah (dalam urutan ini) Meksiko, Peru, Brasil, Ekuador, Kuba, Kolombia, Bolivia, Guatemala, Nikaragua, Panama, dan Puerto Riko.
Catatan khusus adalah apa yang disebut "Barok Misi", dikembangkan dalam kerangka pengurangan Spanyol di daerah yang membentang dari Meksiko dan bagian barat daya Amerika Serikat saat ini hingga sejauh selatan Argentina dan Chili, pemukiman pribumi yang diselenggarakan oleh misionaris Katolik Spanyol untuk mengubah mereka menjadi iman Kristen dan mengakulturasi mereka dalam kehidupan Barat, membentuk Barok hibrida yang dipengaruhi oleh budaya Pribumi, di mana Criollos berkembang dan banyak pengrajin dan musisi pribumi, bahkan melek huruf, beberapa kemampuan dan bakat hebat mereka sendiri. Kisah para misionaris sering mengulangi bahwa seni Barat, terutama musik, memiliki dampak hipnotis pada rimb, dan gambar orang-orang kudus dipandang memiliki kekuatan besar. Banyak penduduk asli bertobat, dan bentuk pengabdian baru diciptakan, dengan intensitas yang penuh gairah, sarat dengan mistisisme, takhayul, dan sandiwara, yang senang dengan massa meriah, konser suci, dan misteri.[98][99]
Di Filipina, yang merupakan koloni Spanyol selama lebih dari tiga abad, sejumlah besar konstruksi Barok dilestarikan. Empat di antaranya serta kota Baroque dan Neoklasik Vigan keduanya adalah Situs Warisan Dunia UNESCO; dan meskipun mereka tidak memiliki klasifikasi formal, Kota Berdinding Manila bersama dengan kota Tayabas keduanya mengandung tingkat arsitektur era Barok yang signifikan.
Cartouche di atas batu yang rusak di halaman Biara Antim, Bucharest, pematung tidak dikenal, akhir abad ke-17-awal abad ke-18
Seperti yang kita lihat, Baroque adalah gaya Barat, lahir di Italia. Melalui hubungan komersial dan budaya Italia dengan negara-negara di Semenanjung Balkan, termasuk Moldavia dan Wallachia, pengaruh Barok tiba di Eropa Timur. Pengaruh ini tidak terlalu kuat, karena biasanya terjadi dalam arsitektur dan ornamen pahatan batu, dan juga dicampur secara intens dengan detail yang diambil dari seni Bizantium dan Islam.
Sebelum dan sesudah jatuhnya Kekaisaran Bizantium, semua seni Wallachia dan Moldavia terutama dipengaruhi oleh seni Konstantinopel. Sampai akhir abad ke-16, dengan sedikit modifikasi, rencana gereja dan biara, mural, dan ornamen yang diukir di batu tetap sama seperti sebelumnya. Dari periode yang dimulai dengan pemerintahan Matei Basarab (1632-1654) dan Vasile Lupu (1634-1653), yang bertepatan dengan mempopulerkan Barok Italia, ornamen baru ditambahkan, dan gaya furnitur religius berubah. Ini sama sekali tidak acak. Elemen dan prinsip dekoratif dibawa dari Italia, melalui Venesia, atau melalui wilayah Dalmatian, dan mereka diadopsi oleh arsitek dan pengrajin dari timur. Kusen jendela dan pintu, pisanie dengan dedikasi, batu nisan, kolom dan pagar, dan bagian dari furnitur perunggu, perak atau kayu, menerima peran yang lebih penting daripada yang mereka miliki sebelumnya. Mereka juga ada sebelumnya, terinspirasi oleh tradisi Bizantium, tetapi mereka memiliki tampilan yang lebih realis, menunjukkan motif bunga yang halus.Kelegaan yang ada sebelumnya juga, menjadi lebih menonjol, memiliki volume dan konsistensi sekarang. Sebelum periode ini, relief dari Wallachia dan Moldavia, seperti yang dari Timur, hanya memiliki dua tingkat, pada jarak yang kecil satu dari yang lain, satu di permukaan dan yang lainnya secara mendalam. Bunga besar, mungkin mawar, peony atau thistles, daun tebal, acanthus atau tanaman serupa lainnya, memutar pada kolom, atau mengelilingi pintu dan jendela. Tempat di mana Barok memiliki pengaruh yang kuat adalah kolom dan pagar. Ibu kota lebih dihiasi dari sebelumnya dengan dedaunan. Kolom sering memiliki poros yang memutar, interpretasi ulang lokal dari kolom Solomonic. Pagar maksimal ditempatkan di antara kolom-kolom ini, dihiasi dengan rinceaux. Beberapa yang dari Istana Mogoșoaia juga dihiasi dengan lumba-lumba. Cartouches juga kadang-kadang digunakan, sebagian besar pada batu nisan, seperti pada salah satu Konstantin Brâncoveanu. Gerakan ini, dikenal sebagai gaya Brâncovenesc, setelah Constantin Brâncoveanu, penguasa Wallachia yang pemerintahannya (1654-1714) sangat terkait dengan arsitektur dan desain semacam ini. Gaya ini juga hadir selama abad ke-18, dan di bagian abad ke-19. Banyak gereja dan tempat tinggal yang didirikan oleh boyard dan voivodes pada periode ini adalah Brâncovenesc. Meskipun pengaruh Baroque dapat dilihat dengan jelas, gaya Brâncovenesc mengambil lebih banyak inspirasi dari tradisi lokal.
Saat abad ke-18 berlalu, dengan Phanariot (anggota keluarga Yunani terkemuka di Phanar, Istanbul) memerintah di Wallachia dan Moldavia, pengaruh Barok juga datang dari Istanbul. Mereka juga datang sebelumnya, selama abad ke-17, tetapi dengan Phanariots, lebih banyak motif Barok Barat yang tiba di Kekaisaran Ottoman memiliki tujuan akhir mereka di Rumania saat ini. Di Moldavia, elemen Barok juga berasal dari Rusia, di mana pengaruh seni Italia sangat kuat.[108]
Vanitas Masih Hidup; oleh Maria van Oosterwijck; 1668; minyak di atas kanvas; 73 x 88,5 cm; Museum Kunsthistorisches[117]
Pelukis barok bekerja dengan sengaja untuk membedakan diri mereka dari pelukis Renaisans dan periode Mannerisme setelahnya. Dalam palet mereka, mereka menggunakan warna yang intens dan hangat, dan secara khusus menggunakan warna primer merah, biru dan kuning, sering menempatkan ketiganya dalam jarak dekat.[118]Mereka menghindari pencahayaan yang merata dari lukisan Renaissance dan menggunakan kontras yang kuat antara cahaya dan kegelapan pada bagian-bagian tertentu dari gambar untuk mengarahkan perhatian pada tindakan atau tokoh sentral. Dalam komposisi mereka, mereka menghindari adegan tenang dari lukisan Renaissance, dan memilih momen dari gerakan dan drama terbesar. Berbeda dengan wajah-wajah tenang lukisan Renaisans, wajah-wajah dalam lukisan-lukisan Barok dengan jelas mengekspresikan emosi mereka. Mereka sering menggunakan asimetri, dengan aksi yang terjadi jauh dari pusat gambar, dan menciptakan sumbu yang tidak vertikal atau horizontal, tetapi miring ke kiri atau kanan, memberikan rasa ketidakstabilan dan gerakan. Mereka meningkatkan kesan gerakan ini dengan membuat kostum tokoh-tokoh tertiup angin, atau digerakkan oleh gerakan mereka sendiri. Kesan keseluruhannya adalah gerakan, emosi dan drama.[119]Elemen penting lain dari lukisan barok adalah alegori; setiap lukisan menceritakan sebuah cerita dan memiliki pesan, sering dienkripsi dalam simbol dan karakter alegoris, yang diharapkan untuk diketahui dan dibaca oleh pemirsa yang berpendidikan.[120]
Bukti awal ide-ide Barok Italia dalam lukisan terjadi di Bologna, di mana Annibale Carracci, Agostino Carracci dan Ludovico Carracci berusaha mengembalikan seni visual ke Klasisisme Renaisans yang teratur. Seni mereka, bagaimanapun, juga memasukkan ide-ide yang menjadi pusat Counter-Reformasi; ini termasuk emosi yang intens dan citra agama yang lebih menarik hati daripada kecerdasan.[121]
Peter Paul Rubens adalah pelukis paling penting dari gaya Baroque Flemish. Komposisi Rubens yang sangat bermuatan referensi aspek terpelajar dari sejarah klasik dan Kristen. Gaya Baroknya yang unik dan sangat populer menekankan gerakan, warna, dan sensualitas, yang mengikuti gaya artistik langsung dan dramatis yang dipromosikan dalam Kontra-Reformasi. Rubens mengkhususkan diri dalam membuat altarpieces, potret, lanskap, dan lukisan sejarah subjek mitologis dan alegoris.
Salah satu domain penting dari lukisan Barok adalah Quadratura, atau lukisan di trompe-l'œil, yang secara harfiah "menipu mata". Ini biasanya dilukis di plesteran langit-langit atau dinding atas dan langkan, dan memberi kesan kepada mereka yang melihat ke atas adalah bahwa mereka melihat langit dipenuhi dengan kerumunan malaikat, orang suci dan tokoh surgawi lainnya, diatur melawan langit yang dicat dan arsitektur imajiner.[50]
Di Italia, seniman sering berkolaborasi dengan arsitek dalam dekorasi interior; Pietro da Cortona adalah salah satu pelukis abad ke-17 yang menggunakan cara melukis ilusionis ini. Di antara komisi terpentingnya adalah lukisan dinding yang dia lukis untuk Istana keluarga Barberini (1633-39), untuk memuliakan masa pemerintahan Paus Urbanus VIII. Komposisi Pietro da Cortona adalah lukisan dinding dekoratif terbesar yang dieksekusi di Roma sejak karya Michelangelo di Kapel Sistina.[122]
François Boucher adalah tokoh penting dalam gaya Rococo Prancis yang lebih halus, yang muncul selama periode Barok akhir. Dia merancang permadani, karpet dan dekorasi teater serta lukisan. Karyanya sangat populer dengan Madame Pompadour, Nyonya Raja Louis XV. Lukisan-lukisannya menampilkan tema mitologis romantis, dan agak erotis.[123]
Pada abad ke-18 altar pahatan mulai digantikan oleh lukisan, berkembang terutama lukisan Barok di Amerika. Demikian pula, permintaan untuk pekerjaan sipil, terutama potret kelas aristokrat dan hierarki gerejawi, tumbuh. Pengaruh utamanya adalah Murillesque, dan dalam beberapa kasus – seperti dalam criollo Cristóbal de Villalpando – pengaruh Valdés Leal. Lukisan era ini memiliki nada yang lebih sentimental, dengan bentuk yang manis dan lembut. Ini menyoroti Gregorio Vásquez de Arce di Kolombia, dan Juan Rodríguez Juárez dan Miguel Cabrera di Meksiko.
Tokoh dominan dalam patung barok adalah Gian Lorenzo Bernini. Di bawah perlindungan Paus Urbanus VIII, dia membuat serangkaian patung monumental yang luar biasa dari orang-orang kudus dan tokoh-tokoh yang wajah dan gerak tubuhnya mengekspresikan emosi mereka dengan jelas, serta potret patung realisme yang luar biasa, dan karya-karya yang sangat dekoratif untuk Vatikan seperti Kursi St. yang mengesankan. Peter di bawah kubah di St. Basilika Petrus. Selain itu, ia merancang air mancur dengan kelompok patung monumental untuk menghias alun-alun utama Roma.[126]
Patung barok terinspirasi oleh patung Romawi kuno, terutama oleh patung Laocoön abad pertama Masehi yang terkenal, yang digali pada tahun 1506 dan dipajang di galeri Vatikan. Ketika dia mengunjungi Paris pada tahun 1665, Bernini berbicara kepada para siswa di akademi lukisan dan patung. Dia menyarankan para siswa untuk bekerja dari model klasik, bukan dari alam. Dia memberi tahu para siswa, "Ketika saya memiliki masalah dengan patung pertama saya, saya berkonsultasi dengan Antinous seperti oracle."[127]Patung Antinous itu sekarang dikenal sebagai Hermes dari Museo Pio-Clementino.
Di Spanyol, pematung Francisco Salzillo bekerja secara eksklusif pada tema agama, menggunakan kayu polikrom. Beberapa kerajinan pahatan barok terbaik ditemukan di altar plesteran berlapis emas gereja-gereja koloni Spanyol di Dunia Baru, dibuat oleh pengrajin lokal; contohnya termasuk Kapel Rosario Gereja Santo Domingo di Oaxaca (Meksiko), 1724-1731.
Tempat tidur empat tiang dari Château d'Effiat;c.1650; kenari alami, beludru sutra Genoa yang dipahat dan sutra bersulam; 295 cm;Louvre[128]
Caryatids Baroque dari sebuah kabinet; c.1675; kayu hitam, kingwood, marquetry dari batu keras, perunggu emas, timah, kaca, cermin berwarna dan tanduk; dimensi yang tidak diketahui; Museum Seni Dekoratif, Strasbourg, Prancis[129]
Meja dermaga; 1685–1690; diukir, gessoed, dan kayu berlapis emas, dengan bagian atas marmer; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Institut Seni Chicago, AS[130]
Lemari; oleh André Charles Boulle;c.1700; kayu hitam dan veneer bayam, kayu polikrom, kuningan, timah, cangkang, dan marquetry tanduk pada bingkai kayu ek, perunggu emas; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[131]
Commode; oleh André Charles Boulle;c.1710–1732; veneer kenari dengan kayu hitam dan marquetry dari kuningan terukir dan kulit kura-kura, dudukan perunggu gilt, bagian atas marmer antik; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)[132]
Meja depan miring Jerman; oleh Heinrich Ludwig Rohde atau Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry dengan maple, bayam, mahoni, dan kenari pada pohon cemara dan ek; 90 × 84 × 44,5 cm; Institut Seni Chicago[133]
Selama periode pertama pemerintahan Louis XIV, furnitur mengikuti gaya Louis XIII sebelumnya, dan sangat besar, dan didekorasi dengan patung dan penyepuhan. Setelah 1680, sebagian besar berkat desainer furnitur André Charles Boulle, gaya yang lebih orisinal dan halus muncul, kadang-kadang dikenal sebagai karya Boulle. Itu didasarkan pada tatahan kayu hitam dan kayu langka lainnya, teknik yang pertama kali digunakan di Florence pada abad ke-15, yang disempurnakan dan dikembangkan oleh Boulle dan lainnya yang bekerja untuk Louis XIV. Furnitur bertatahkan plakat kayu hitam, tembaga, dan kayu eksotis dengan warna berbeda.[136]
Jenis furnitur baru dan sering bertahan lama muncul; toilet, dengan dua hingga empat laci, menggantikan coffre lama, atau peti. Canape, atau sofa, muncul, dalam bentuk kombinasi dua atau tiga kursi. Jenis kursi berlengan baru muncul, termasuk fauteuil en confessionale atau "Kursi berlengan pengakuan", yang memiliki bantalan empuk di kedua sisi belakang kursi. Meja konsol juga membuat penampilan pertamanya; itu dirancang untuk ditempatkan di dinding. Jenis furnitur baru lainnya adalah table à gibier, meja dengan marmer untuk menampung piring. Varietas awal meja muncul; meja Mazarin memiliki bagian tengah yang diatur kembali, ditempatkan di antara dua kolom laci, dengan empat kaki di setiap kolom.[136]
Istilah Baroque juga digunakan untuk menunjuk gaya musik yang disusun selama periode yang tumpang tindih dengan seni Barok. Penggunaan pertama dari istilah 'barok' untuk musik adalah kritik. Dalam ulasan anonim dan satir tentang pemutaran perdana pada Oktober 1733 dari Hippolyte et Aricie karya Rameau, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menyiratkan bahwa kebaruan opera ini adalah "du barocque," mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, dipenuhi dengan disonansi yang tak henti-hentinya, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat dengan penuh dendam melalui setiap perangkat komposisi.[137]Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer terkenal serta filsuf, membuat pengamatan yang sangat mirip pada tahun 1768 dalam Encyclopédie yang terkenal dari Denis Diderot: "Musik barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[17]
Penggunaan umum istilah untuk musik pada periode tersebut baru dimulai pada tahun 1919, oleh Curt Sachs,[138]dan baru pada tahun 1940 pertama kali digunakan dalam bahasa Inggris dalam sebuah artikel yang diterbitkan oleh Manfred Bukofzer.[137]
Barok adalah periode eksperimen dan inovasi musik yang menjelaskan jumlah ornamen dan improvisasi yang dilakukan oleh para musisi. Bentuk baru ditemukan, termasuk konser dan sinfonia. Opera lahir di Italia pada akhir abad ke-16 (dengan Dafne Jacopo Peri yang sebagian besar hilang, diproduksi di Florence pada tahun 1598) dan segera menyebar ke seluruh Eropa: Louis XIV menciptakan Akademi Musik Kerajaan pertama, Pada tahun 1669, penyair Pierre Perrin membuka akademi opera di Paris, teater opera pertama di Prancis yang terbuka untuk umum, dan menayangkan perdana Pomone, opera besar pertama dalam bahasa Prancis, dengan musik oleh Robert Cambert, dengan lima babak, mesin panggung yang rumit, dan balet.[139]Heinrich Schütz di Jerman, Jean-Baptiste Lully di Prancis, dan Henry Purcell di Inggris semuanya membantu membangun tradisi nasional mereka di abad ke-17.
Beberapa instrumen baru, termasuk piano, diperkenalkan selama periode ini. Penemuan piano dikreditkan ke Bartolomeo Cristofori (1655-1731) dari Padua, Italia, yang dipekerjakan oleh Ferdinando de' Medici, Pangeran Agung Tuscany, sebagai Penjaga Instrumen.[140][141]Cristofori menamai instrumen itu un cimbalo di cipresso di piano e forte ("keyboard cemara dengan lembut dan keras"), disingkat dari waktu ke waktu sebagai pianoforte, fortepiano, dan kemudian, secara sederhana, piano.[142]
Balet klasik juga berasal dari era Barok. Gaya tarian istana dibawa ke Prancis oleh Marie de Medici, dan pada awalnya anggota istana itu sendiri adalah para penarinya. Louis XIV sendiri tampil di depan umum di beberapa balet. Pada bulan Maret 1662, Académie Royale de Danse, didirikan oleh Raja. Itu adalah sekolah dansa dan perusahaan profesional pertama, dan menetapkan standar dan kosakata untuk balet di seluruh Eropa selama periode tersebut.[139]
Teori sastra
Heinrich Wölfflin adalah orang pertama yang mentransfer istilah Baroque ke sastra.[143]Konsep kunci teori sastra Barok, seperti "solusif" (concetto), "wit" (acutezza, ingegno), dan "keajaiban" (meraviglia), tidak sepenuhnya dikembangkan dalam teori sastra sampai publikasi Il Cannocchiale aristotelico (The Aristotelian Telescope) karya Emanuele Tesauro pada tahun 1654. Risalah mani ini - terinspirasi oleh epik Giambattista Marino Adone dan karya filsuf Yesuit Spanyol Baltasar Gracián - mengembangkan teori metaforasebagai bahasa gambar universal dan sebagai tindakan intelektual tertinggi, sekaligus sebuah kecerdasan dan mode akses istimewa epistemologis ke kebenaran.[144]
Teater
Desain set untuk Andromedé oleh Pierre Corneille, (1650)Desain untuk set teater yang dibuat oleh Giacomo Torelli untuk balet Les Noces de Thétis, dari Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal
Selama periode Baroque, seni dan gaya teater berkembang pesat, di samping perkembangan opera dan balet. Desain teater yang lebih baru dan lebih besar, penemuan penggunaan mesin yang lebih rumit, penggunaan lengkungan proscenium yang lebih luas, yang membingkai panggung dan menyembunyikan mesin dari penonton, mendorong efek dan tontonan yang lebih indah.[145]
Barok memiliki karakter Katolik dan konservatif di Spanyol, mengikuti model sastra Italia selama Renaisans.[146]Teater Hispanik Barok bertujuan untuk konten publik dengan realitas ideal yang memanifestasikan tiga sentimen mendasar: agama Katolik, monarkis dan kebanggaan serta kehormatan nasional yang berasal dari dunia ksatria ksatria.[147]
Lope de Vega memperkenalkan melalui Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) komedi baru. Dia menetapkan formula dramatis baru yang mematahkan tiga kesatuan Aristoteles dari sekolah puisi Italia (aksi, waktu, dan tempat) dan kesatuan keempat Aristoteles yang tentang gaya, pencampuran elemen tragis dan komik yang menunjukkan berbagai jenis ayat dan bait atas apa yang diwakili.[150]Meskipun Lope memiliki pengetahuan yang besar tentang seni plastik, dia tidak menggunakannya selama sebagian besar karirnya atau di teater atau skenografi. Komedi Lope memberikan peran kedua pada aspek visual dari representasi teater.[151]
Tirso de Molina, Lope de Vega, dan Calderón adalah penulis drama terpenting di Spanyol Era Emas. Karya-karya mereka, yang dikenal karena kecerdasan halus dan pemahaman mendalam tentang kemanusiaan seseorang, dapat dianggap sebagai jembatan antara komedi primitif Lope dan komedi Calderón yang lebih rumit. Tirso de Molina terkenal karena dua karya, The Convicted Suspicions dan The Trickster of Seville, salah satu versi pertama dari mitos Don Juan.[152]
Setibanya di Madrid, Cosimo Lotti membawa ke pengadilan Spanyol teknik teater paling canggih di Eropa. Teknik dan pengetahuan mekaniknya diterapkan dalam pameran istana yang disebut "Fiestas" dan dalam pameran mewah sungai atau air mancur buatan yang disebut "Naumaquias". Dia bertanggung jawab untuk menata Taman Buen Retiro, Zarzuela, dan Aranjuez dan pembangunan gedung teater Coliseo del Buen Retiro.[153]Formula Lope dimulai dengan sebuah syair yang tidak sesuai dengan fondasi teater istana dan kelahiran konsep baru yang memulai karir beberapa penulis drama seperti Calderón de la Barca. Menandai inovasi utama dari Komedi Lopesian Baru, gaya Calderón menandai banyak perbedaan, dengan banyak perhatian konstruktif dan perhatian pada struktur internalnya. Karya Calderón dalam kesempurnaan formal dan bahasa yang sangat lirik dan simbolis. Kebebasan, vitalitas, dan keterbukaan Lope memberikan langkah bagi refleksi intelektual dan ketepatan formal Calderón. Dalam komedinya itu mencerminkan niat ideologis dan doktrinnya di atas gairah dan tindakan, karya Autos sacramentales mencapai peringkat tinggi.[154]Genre Comedia adalah politik, multi-artistik dan dalam arti hibrida. Teks puitis yang terjalin dengan Media dan sumber daya yang berasal dari arsitektur, musik, dan lukisan yang membebaskan penipuan yang ada dalam komedi Lopesian dibuat dari kurangnya pemandangan dan melibatkan dialog aksi.[155]
Tragedi barok Italia terkemuka adalah Federico Della Valle. Aktivitas sastranya diringkas oleh empat drama yang dia tulis untuk teater istana: tragicomedy Adelonda di Frigia (1595) dan terutama tiga tragedinya, Judith (1627), Esther (1627) dan La reina di Scotia (1628). Della Valle memiliki banyak peniru dan pengikut yang menggabungkan dalam karya mereka rasa Barok dan tujuan didak dari Yesuit(Pallavicino, Graziani, dll.)
Amerika kolonial Spanyol
Mengikuti evolusi yang ditandai dari Spanyol, pada akhir abad ke-16, perusahaan komedian, pada dasarnya transhumant, mulai memprofesionalkan. Dengan profesionalisasi datang regulasi dan sensor: seperti di Eropa, teater berosilasi antara toleransi dan bahkan perlindungan dan penolakan pemerintah (dengan pengecualian) atau penganiayaan oleh Gereja. Teater itu berguna bagi pihak berwenang sebagai instrumen untuk menyebarkan perilaku dan model yang diinginkan, menghormati tatanan sosial dan monarki, sekolah dogma agama.[156]
Kandang diberikan untuk kepentingan rumah sakit yang berbagi manfaat dari representasi. Perusahaan keliling (atau "liga"), yang membawa teater dalam panggung terbuka improvisasi oleh daerah yang tidak memiliki penduduk setempat yang tetap, membutuhkan lisensi wakil raja untuk bekerja, yang harga orpinciónnya ditakdirkan untuk sedekah dan bekerja saleh.[156]Untuk perusahaan yang bekerja secara stabil di ibu kota dan kota-kota besar, salah satu sumber pendapatan utama mereka adalah partisipasi dalam perayaan Corpus Christi, yang memberi mereka tidak hanya manfaat ekonomi, tetapi juga pengakuan dan prestise sosial. Representasi di istana wakil raja dan rumah-rumah besar aristokrasi, di mana mereka mewakili komedi repertoar mereka dan produksi khusus dengan efek pencahayaan, pemandangan, dan panggung yang hebat, juga merupakan sumber penting dari karya yang dibayar dengan baik dan bergengsi.[156]
Lahir di Viceroyalty of New Spain[157]tetapi kemudian menetap di Spanyol, Juan Ruiz de Alarcón adalah tokoh paling menonjol di teater Barok Spanyol Baru. Terlepas dari akomodasinya untuk komedi baru Lope de Vega, "sekularisme yang ditandai", kebijaksanaan dan pengekangannya, dan kapasitas yang tajam untuk "penetrasi psikologis" sebagai fitur khas Alarcón melawan orang sezamannya di Spanyol telah dicatat. Patut dicatat di antara karya-karyanya La verdad sospechosa, sebuah komedi karakter yang mencerminkan tujuan moralisasinya yang konstan.[156]Produksi dramatis Sor Juana Inés de la Cruz menempatkannya sebagai tokoh kedua teater Barok Spanyol-Amerika. Perlu disebutkan di antara karya-karyanya auto sacramental El divino Narciso dan komedi Los empeños de una casa.
Taman Baroque, juga dikenal sebagai jardin à la française atau taman formal Prancis, pertama kali muncul di Roma pada abad ke-16, dan kemudian paling terkenal di Prancis pada abad ke-17 di taman Vaux le Vicomte dan Istana Versailles. Taman barok dibangun oleh Raja dan pangeran di Jerman, Belanda, Austria, Spanyol, Polandia, Italia, dan Rusia hingga pertengahan abad ke-18, ketika mereka mulai dibuat ulang oleh taman lanskap Inggris yang lebih alami.
Tujuan dari taman barok adalah untuk menggambarkan kekuatan manusia atas alam, dan kemuliaan pembangunnya, taman Barok ditata dalam pola geometris, seperti kamar rumah. Mereka biasanya paling baik dilihat dari luar dan melihat ke bawah, baik dari chateau atau teras. Unsur-unsur taman barok termasuk bagian dari hamparan bunga atau pagar rendah yang dipangkas menjadi desain Barok yang berornamen, dan jalur lurus dan gang-gang kerikil yang membagi dan melintasi taman. Teras, landai, tangga, dan kaskade ditempatkan di tempat yang memiliki perbedaan ketinggian, dan menyediakan titik pandang. Kolam bundar atau persegi panjang atau cekungan air adalah pengaturan untuk air mancur dan patung. Bosquets atau rumpun yang dipangkas dengan hati-hati atau garis-garis pohon yang identik, memberikan tampilan dinding tanaman hijau dan merupakan latar belakang untuk patung. Di tepinya, taman biasanya memiliki paviliun, jeruk, dan struktur lain di mana pengunjung dapat berlindung dari matahari atau hujan.[162]
Taman barok membutuhkan sejumlah besar tukang kebun, pemangkasan terus-menerus, dan air yang berlimpah. Pada bagian akhir periode Baroque, elemen formal mulai diganti dengan fitur yang lebih alami, termasuk jalur berliku, rumpun pohon yang bervariasi dibiarkan tumbuh tanpa dipangkas; arsitektur pedesaan dan struktur yang indah, seperti kuil Romawi atau pagoda Cina, serta "taman rahasia" di tepi taman utama, penuh dengan tanaman hijau, di mana pengunjung dapat membaca atau melakukan percakapan yang tenang. Pada pertengahan abad ke-18 sebagian besar taman Barok sebagian atau seluruhnya diubah menjadi variasi taman lanskap Inggris.[162]
Gaya Barok menggunakan kontras, gerakan, detail yang meriah, warna yang dalam, kemegahan, dan kejutan untuk mencapai rasa kagum. Gaya ini dimulai pada awal abad ke-17 di Roma, kemudian menyebar dengan cepat ke seluruh Italia, Prancis, Spanyol dan Portugal, kemudian ke Austria, Jerman selatan, dan Polandia. Pada 1730-an, itu telah berkembang menjadi gaya yang bahkan lebih flamboyan, yang disebut rocaille atau Rococo, yang muncul di Prancis dan Eropa Tengah hingga pertengahan hingga akhir abad ke-18. Di wilayah Kekaisaran Spanyol dan Portugis termasuk Semenanjung Iberia itu berlanjut, bersama dengan gaya baru, sampai dekade pertama abad ke-19.
Dalam seni dekoratif, gayanya menggunakan ornamen yang berlimpah dan rumit. Keberangkatan dari klasisisme Renaisans memiliki caranya sendiri di setiap negara. Tetapi fitur umum adalah bahwa di mana-mana titik awal adalah elemen hias yang diperkenalkan oleh Renaissance. Repertoar klasik ramai, padat, tumpang tindih, dimuat, untuk memancing efek kejut. Motif baru yang diperkenalkan oleh Baroque adalah: thecartouche, piala dan senjata, keranjang buah atau bunga, dan lainnya, dibuat dalam marquetry, plesteran, atau ukiran.[4]
Asal usul kata
Liontin dalam bentuk sirene, terbuat dari mutiara barok(torso) dengan dudukan emas berenamel yang dipasang dengan rubi, mungkin sekitar tahun 1860, di Museum Seni Metropolitan (Kota New York, New York).
Kata bahasa Inggris baroque berasal langsung dari bahasa Prancis. Beberapa sarjana menyatakan bahwa kata Prancis berasal dari istilah Portugis barroco ("mutiara cacat"), menunjuk ke bahasa Latin verruca,[5]("wart"), atau ke kata dengan akhiran -ǒccu (umum di Iberia pra-Romawi).[6][7][8]Sumber lain menyarankan istilah Latin Abad Pertengahan yang digunakan dalam logika, baroco, sebagai sumber yang paling mungkin.[9]
Pada abad ke-16, kata Latin Abad Pertengahanbaroco bergerak melampaui logika skolastik dan mulai digunakan untuk mengkarakterisasi apa pun yang tampak sangat kompleks. Filsuf Prancis Michel de Montaigne (1533–1592) mengaitkan istilah baroco dengan "Aneh dan rumit yang tidak berguna."[10]Sumber awal lainnya mengaitkan barbaro dengan sihir, kompleksitas, kebingungan, dan kelebihan.[9]
Kata barokjuga dikaitkan dengan mutiara tidak beraturan sebelum abad ke-18. Barroco barokPrancis dan Portugis adalah istilah yang sering dikaitkan dengan perhiasan. Contoh dari tahun 1531 menggunakan istilah tersebut untuk menggambarkan mutiara dalam inventarisasi harta karun Charles V dari Prancis.[11]Kemudian, kata itu muncul dalam edisi 1694 dari Le Dictionnaire de l'Académie Française, yang menggambarkan barok sebagai "hanya digunakan untuk mutiara yang tidak sempurna bulat."[12]Kamus Portugis 1728 juga menggambarkan barroco yang berkaitan dengan "mutiara kasar dan tidak rata".[13]
Turunan alternatif dari kata barokmenunjuk ke nama pelukis Italia Federico Barocci (1528-1612).[14]
Pada abad ke-18, istilah tersebut mulai digunakan untuk menggambarkan musik, dan bukan dengan cara yang menyanjung. Dalam ulasan satir anonim perdana Hippolyte et Aricie karya Jean-Philippe Rameau pada Oktober 1733, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menulis bahwa hal baru dalam opera ini adalah "du barocque", mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, tidak peduli dengan disonansi, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat berlari melalui setiap perangkat komposisi.[15]
Pada tahun 1762, Le Dictionnaire de l'Académie Française mencatat bahwa istilah tersebut dapat secara kiasan menggambarkan sesuatu yang "tidak teratur, aneh, atau tidak setara".[16]
Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer serta filsuf, menulis di Encyclopédie pada tahun 1768: "Musik Barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[10][17]
Istilah gaya Prancis barok dan musique barok muncul di Le Dictionnaire de l'Académie Française pada tahun 1835.[19]Pada pertengahan abad ke-19, kritikus seni dan sejarawan telah mengadopsi istilah "barok" sebagai cara untuk mengejek seni pasca-Renaisans. Ini adalah arti kata yang digunakan pada tahun 1855 oleh sejarawan seni terkemuka Jacob Burckhardt, yang menulis bahwa seniman barok "menghina dan menyalahgunakan detail" karena mereka tidak memiliki "menghormati tradisi".[20]
Pada tahun 1888, sejarawan seni Heinrich Wölfflin menerbitkan karya akademis serius pertama tentang gaya, Renaissance und Barock, yang menggambarkan perbedaan antara lukisan, patung, dan arsitektur Renaissance dan Baroque.[21]
Gaya arsitektur Barok adalah hasil dari doktrin yang diadopsi oleh Gereja Katolik di Konsili Trente pada tahun 1545–1563, sebagai tanggapan atas Reformasi Protestan. Fase pertama Kontra-Reformasi telah memberlakukan gaya akademis yang keras pada arsitektur keagamaan, yang telah menarik bagi para intelektual tetapi bukan massa pengunjung gereja. Konsili Trente malah memutuskan untuk menarik audiens yang lebih populer, dan menyatakan bahwa seni harus mengkomunikasikan tema-tema keagamaan dengan keterlibatan langsung dan emosional.[23][24]Demikian pula, seni Barok Lutheran berkembang sebagai penanda pengakuan identitas, sebagai tanggapan terhadap Ikonoklasme Besar Calvinis.[25]
Gereja-gereja barok dirancang dengan ruang pusat yang besar, di mana para jamaah bisa dekat dengan altar, dengan kubah atau kubah tinggi di atas kepala, memungkinkan cahaya menerangi gereja di bawah. Kubah adalah salah satu fitur simbolis utama dari arsitektur Barok yang menggambarkan penyatuan antara langit dan bumi. Bagian dalam kubah dihiasi dengan lukisan malaikat dan orang suci, dan dengan patung-patung malaikat plesteran, memberi kesan kepada mereka yang di bawah melihat ke surga.[26]Fitur lain dari gereja Baroque adalah quadratura; lukisan trompe-l'œil di langit-langit dalam bingkai plesteran, baik asli atau dicat, penuh dengan lukisan orang suci dan malaikat dan dihubungkan oleh detail arsitektur dengan langkan dan konsol. Lukisan Quadratura Atlantes di bawah cornice tampaknya menopang langit-langit gereja. Tidak seperti langit-langit Michelangelo yang dicat di Kapel Sistina, yang menggabungkan adegan yang berbeda, masing-masing dengan perspektifnya sendiri, untuk dilihat satu per satu, lukisan langit-langit Barok dibuat dengan hati-hati sehingga penonton di lantai gereja akan melihat seluruh langit-langit dalam perspektif yang benar, seolah-olah gambarnya nyata.
Interior gereja-gereja Barok menjadi semakin berornamen di High Baroque, dan fokus di sekitar altar, biasanya ditempatkan di bawah kubah. Karya dekoratif barok yang paling terkenal dari High Baroque adalah Kursi Santo Petrus (1647–1653) dan Baldachino dari St. Peter (1623-1634), keduanya oleh Gian Lorenzo Bernini, di St. Basilika Petrus di Roma. Baldequin dari St. Peter adalah contoh keseimbangan yang berlawanan dalam seni Barok; proporsi raksasa dari karya itu, dengan cahaya kanopi yang tampak; dan kontras antara kolom bengkok yang kokoh, perunggu, emas, dan marmer dari karya itu dengan tirai malaikat yang mengalir di kanopi.[27]Dresden Frauenkirche berfungsi sebagai contoh menonjol dari seni Barok Lutheran, yang selesai pada tahun 1743 setelah ditugaskan oleh dewan kota Lutheran Dresden dan "dibandingkan oleh pengamat abad kedelapan belas dengan St Peter's di Roma".[3]
Kolom bengkok di bagian dalam gereja adalah salah satu fitur khas Barok. Ini memberikan rasa gerak dan juga cara baru yang dramatis untuk memantulkan cahaya.
Cartouche adalah fitur karakteristik lain dari dekorasi Barok. Ini adalah plakat besar yang diukir dari marmer atau batu, biasanya oval dan dengan permukaan bulat, yang membawa gambar atau teks dalam huruf berlapis emas, dan ditempatkan sebagai dekorasi interior atau di atas pintu bangunan, menyampaikan pesan kepada orang-orang di bawah. Mereka menunjukkan berbagai macam penemuan, dan ditemukan di semua jenis bangunan, dari katedral dan istana hingga kapel kecil.[28]
Arsitek barok terkadang menggunakan perspektif paksa untuk menciptakan ilusi. Untuk Palazzo Spada di Roma, Borromini menggunakan kolom dengan ukuran yang semakin berkurang, lantai yang menyempit dan patung miniatur di taman di luar untuk menciptakan ilusi bahwa lorong itu panjangnya tiga puluh meter, padahal sebenarnya hanya sepanjang tujuh meter. Sebuah patung di ujung lorong tampak seukuran aslinya, meskipun tingginya hanya enam puluh sentimeter. Borromini merancang ilusi dengan bantuan seorang matematikawan.
Bangunan pertama di Roma yang memiliki fasad Barok adalah Gereja Gesù pada tahun 1584; itu polos oleh standar Barok kemudian, tetapi menandai istirahat dengan fasad Renaissance tradisional yang mendahuluinya. Bagian dalam gereja ini tetap sangat keras sampai Barok tinggi, ketika itu dihiasi dengan mewah.
Di Roma pada tahun 1605, Paul V menjadi yang pertama dari serangkaian paus yang menugaskan basilika dan bangunan gereja yang dirancang untuk menginspirasi emosi dan kekaguman melalui proliferasi bentuk, dan kekayaan warna dan efek dramatis.[33]Di antara monumen paling berpengaruh dari Barok Awal adalah fasad St. Basilika Petrus (1606-1619), dan nave dan loggia baru yang menghubungkan fasad ke kubah Michelangelo di gereja sebelumnya. Desain baru menciptakan kontras dramatis antara kubah yang menjulang tinggi dan fasad lebar yang tidak proporsional, dan kontras pada fasad itu sendiri antara kolom Doric dan massa besar serambi.[34]
Pada pertengahan hingga akhir abad ke-17 gaya mencapai puncaknya, kemudian disebut High Baroque. Banyak karya monumental ditugaskan oleh Paus UrbanusVIII dan Alexander VII. Pematung dan arsitek Gian Lorenzo Bernini merancang barisan tiang empat kali lipat baru di sekitar St. Lapangan Petrus (1656 hingga 1667). Tiga galeri kolom dalam elips raksasa menyeimbangkan kubah besar dan memberi Gereja dan alun-alun kesatuan dan perasaan teater raksasa.[35]
Inovator utama lainnya dari Barok Tinggi Italia adalah Francesco Borromini, yang karya utamanya adalah Gereja San Carlo alle Quattro Fontane atau Saint Charles dari Empat Air Mancur (1634-1646). Rasa gerakan diberikan bukan oleh dekorasi, tetapi oleh dinding itu sendiri, yang bergelombang dan oleh elemen cekung dan cembung, termasuk menara oval dan balkon yang dimasukkan ke dalam lintasan cekung. Interiornya sama-sama revolusioner; ruang utama gereja berbentuk oval, di bawah kubah oval.[35]
Langit-langit yang dicat, penuh dengan malaikat dan orang-orang kudus dan efek arsitektur trompe-l'œil, adalah fitur penting dari Barok Tinggi Italia. Karya-karya utama termasuk The Entry of Saint Ignatius into Paradise oleh Andrea Pozzo (1685-1695) di Gereja Saint Ignatius di Roma, dan The triumph of the name of Jesus oleh Giovanni Battista Gaulli di Church of the Gesù di Roma (1669–1683), yang menampilkan tokoh-tokoh yang tumpah keluar dari bingkai foto dan pencahayaan miring yang dramatis dan kontras terang-gelap.[36]
Gereja Katolik di Spanyol, dan khususnya Yesuit, adalah kekuatan pendorong arsitektur Barok Spanyol. Karya besar pertama dalam gaya ini adalah Kapel San Isidro di Madrid, dimulai pada tahun 1643 oleh Pedro de la Torre. Ini kontras dengan kekayaan ornamen ekstrim di eksterior dengan kesederhanaan di interior, dibagi menjadi beberapa ruang dan menggunakan efek cahaya untuk menciptakan rasa misteri.[41]Katedral di Santiago de Compostela dimodernisasi dengan serangkaian tambahan Barok yang dimulai pada akhir abad ke-17, dimulai dengan menara lonceng yang sangat berornamen (1680), kemudian diapit oleh dua menara yang lebih tinggi dan lebih berornamen, yang disebut Obradorio, ditambahkan antara 1738 dan 1750 oleh Fernando de Casas Novoa. Tengara lain dari Barok Spanyol adalah menara kapel Istana San Telmo di Seville oleh Leonardo de Figueroa.[42]
Granada baru ditaklukkan dari Moor pada abad ke-15, dan memiliki variasi Barok yang berbeda. Pelukis, pematung, dan arsitek Alonso Cano merancang interior Barok Katedral Granada antara tahun 1652 dan kematiannya pada tahun 1657. Ini menampilkan kontras dramatis dari kolom putih besar dan dekorasi emas.
Arsitektur Barok Spanyol yang paling hias dan didekorasi dengan mewah disebut gaya Churrigueresque, dinamai menurut saudara-saudara Churriguera, yang bekerja terutama di Salamanca dan Madrid. Karya-karya mereka termasuk bangunan di alun-alun utama kota, Plaza Mayor of Salamanca (1729).[42]Gaya Barok yang sangat hias ini berpengaruh di banyak gereja dan katedral yang dibangun oleh Spanyol di Amerika.
Arsitek barok Spanyol terkenal lainnya dari akhir Barok termasuk Pedro de Ribera, murid Churriguera, yang merancang Rumah Sakit Kerajaan San Fernando di Madrid, dan Narciso Tomé, yang merancang altarpiece El Transparente yang terkenal di Katedral Toledo (1729-1732) yang memberikan ilusi, dalam cahaya tertentu, mengambang ke atas.[42]
Arsitek Barok Spanyol memiliki efek jauh melampaui Spanyol; karya mereka sangat berpengaruh di gereja-gereja yang dibangun di koloni Spanyol di Amerika Latin dan Filipina. Gereja yang dibangun oleh Yesuituntuk sebuah perguruan tinggi di Tepotzotlán, dengan fasad dan menara Barok yang berornamen, adalah contoh yang baik.[43]
Istana Rogalin, Rogalin, Polandia, arsitek tidak dikenal, 1768–1774[49]
Dari 1680 hingga 1750, banyak katedral, biara, dan gereja ziarah yang sangat berornamen dibangun di Eropa Tengah, di Bavaria, Austria, Bohemia, dan Polandia barat daya. Beberapa berada dalam gaya Rococo, gaya yang berbeda, lebih flamboyan dan asimetris yang muncul dari Barok, kemudian menggantikannya di Eropa Tengah pada paruh pertama abad ke-18, sampai digantikan secara bergantian oleh klasisisme.[50]
Salah satu contoh terbaik dari gereja rococo adalah Basilika Vierzehnheiligen, atau Basilika Empat Belas Pembantu Suci, sebuah gereja ziarah yang terletak di dekat kota Bad Staffelstein dekat Bamberg, di Bavaria, Jerman selatan. Basilika ini dirancang oleh Balthasar Neumann dan dibangun antara 1743 dan 1772, rencananya serangkaian lingkaran yang saling terkait di sekitar oval tengah dengan altar ditempatkan di tengah gereja. Bagian dalam gereja ini menggambarkan puncak dekorasi Rococo.[52]Contoh penting lainnya dari gaya ini adalah Gereja Ziarah Wies (Jerman: Wieskirche). Itu dirancang oleh saudara-saudara J. B. dan Dominikus Zimmermann. Itu terletak di kaki bukit Alpen, di kotamadya Steingaden di distrik Weilheim-Schongau, Bavaria, Jerman. Konstruksi berlangsung antara 1745 dan 1754, dan interiornya dihiasi dengan lukisan dinding dan dengan plesteran dalam tradisi Sekolah Wessobrunner. Sekarang menjadi Situs Warisan Dunia UNESCO.
Contoh penting lainnya adalah St. Gereja Nicholas (Malá Strana) di Praha (1704-1755), dibangun oleh Christoph Dientzenhofer dan putranya Kilian Ignaz Dientzenhofer. Dekorasi menutupi semua dinding interior gereja. Altar ditempatkan di bagian tengah di bawah kubah pusat, dan dikelilingi oleh kapel, cahaya turun dari kubah di atas dan dari kapel di sekitarnya. Altar seluruhnya dikelilingi oleh lengkungan, kolom, langkan melengkung dan pilaster dari batu berwarna, yang kaya dihiasi dengan patung, menciptakan kebingungan yang disengaja antara arsitektur asli dan dekorasi. Arsitekturnya diubah menjadi teater cahaya, warna, dan gerakan.[27]
Barok di Prancis berkembang sangat berbeda dari versi lokal Barok yang berornamen dan dramatis dari Italia, Spanyol, dan seluruh Eropa. Itu tampak parah, lebih terpisah dan terkendali dengan perbandingan, mendahului Neoklasikisme dan arsitektur Pencerahan. Tidak seperti bangunan Italia, bangunan Barok Prancis tidak memiliki pedimen yang rusak atau fasad lengkung. Bahkan bangunan religius menghindari drama spasial intens yang ditemukan dalam karya Borromini. Gaya ini terkait erat dengan karya-karya yang dibangun untuk Louis XIV (memerintah 1633-1715), dan karena ini, ia juga dikenal sebagai gaya Louis XIV. Louis XIV mengundang master Baroque, Bernini, untuk menyerahkan desain untuk sayap baru Louvre, tetapi menolaknya demi desain yang lebih klasik oleh Claude Perrault dan Louis Le Vau.[67][68]
Arsitek utama gaya tersebut termasuk François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (Gereja Val-de-Grace, 1645–1665) dan Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661). Mansart adalah arsitek pertama yang memperkenalkan gaya Barok, terutama penggunaan tatanan terapan dan rusticasi berat, ke dalam kosakata arsitektur Prancis. Atap mansard tidak ditemukan oleh Mansart, tetapi telah dikaitkan dengannya, karena dia sering menggunakannya.[69]
Proyek kerajaan utama pada periode itu adalah perluasan Istana Versailles, dimulai pada tahun 1661 oleh Le Vau dengan dekorasi oleh pelukis Charles Le Brun. Taman dirancang oleh André Le Nôtre secara khusus untuk melengkapi dan memperkuat arsitektur. Galerie des Glaces (Hall of Mirrors), pusat château, dengan lukisan karya Le Brun, dibangun antara 1678 dan 1686. Mansart menyelesaikan Grand Trianon pada tahun 1687. Kapel, yang dirancang oleh de Cotte, selesai pada tahun 1710. Setelah kematian Louis XIV, Louis XV menambahkan Petit Trianon yang lebih intim dan teater yang sangat berornamen. Air mancur di taman dirancang untuk dilihat dari interior, dan untuk menambah efek dramatis. Istana itu dikagumi dan disalin oleh raja-raja Eropa lainnya, khususnya Peter the Great dari Rusia, yang mengunjungi Versailles pada awal masa pemerintahan Louis XV, dan membangun versinya sendiri di Istana Peterhof dekat Saint Petersburg, antara 1705 dan 1725.[70]
Arsitektur barok di Portugal berlangsung sekitar dua abad (akhir abad ketujuh belas dan abad kedelapan belas). Pemerintahan John V dan Joseph I telah meningkatkan impor emas dan berlian, dalam periode yang disebut Royal Absolutism, yang memungkinkan Barok Portugis berkembang.
Arsitektur barok di Portugal menikmati situasi khusus dan garis waktu yang berbeda dari seluruh Eropa.
Itu dikondisikan oleh beberapa faktor politik, artistik, dan ekonomi, yang berasal dari beberapa fase, dan berbagai jenis pengaruh luar, menghasilkan perpaduan yang unik,[75]sering disalahpahami oleh mereka yang mencari seni Italia, sebaliknya menemukan bentuk dan karakter tertentu yang memberikan variasi unik Portugis. Faktor kunci lainnya adalah keberadaan arsitektur Jesuit, juga disebut "gaya polos" (Estilo Chão atau Estilo Plano)[76]yang seperti namanya membangkitkan, lebih sederhana dan tampak agak keras.
Bangunannya adalah basilika single-room, kapel utama yang dalam, kapel lateral (dengan pintu kecil untuk komunikasi), tanpa dekorasi interior dan eksterior, portal dan jendela sederhana. Ini adalah bangunan praktis, memungkinkannya untuk dibangun di seluruh kekaisaran dengan penyesuaian kecil, dan disiapkan untuk didekorasi nanti atau ketika sumber daya ekonomi tersedia.
Faktanya, Barok Portugis pertama tidak kekurangan dalam membangun karena "gaya polos" mudah diubah, dengan cara dekorasi (lukisan, ubin, dll.), mengubah area kosong menjadi skenario barok yang sombong dan rumit. Hal yang sama bisa diterapkan pada eksterior. Selanjutnya, mudah untuk menyesuaikan bangunan dengan selera waktu dan tempat, dan menambahkan fitur dan detail baru. Praktis dan ekonomis.
Dengan lebih banyak penduduk dan sumber daya ekonomi yang lebih baik, utara, khususnya daerah Porto dan Braga,[77][78][79]menyaksikan pembaruan arsitektur, terlihat dalam daftar besar gereja, biara, dan istana yang dibangun oleh aristokrasi.
Debut Baroque Rusia, atau Petrine Baroque, mengikuti kunjungan panjang Peter the Great ke Eropa barat pada tahun 1697–1698, di mana ia mengunjungi Chateaux of Fontainebleau dan Versailles serta monumen arsitektur lainnya. Dia memutuskan, sekembalinya ke Rusia, untuk membangun monumen serupa di St. Petersburg, yang menjadi ibu kota baru Rusia pada tahun 1712. Monumen utama awal di Petrine Baroque termasuk Katedral Peter dan Paul dan Istana Menshikov.
Di Moskow, Naryshkin Baroque menjadi tersebar luas, terutama dalam arsitektur gereja-gereja Ortodoks Timur pada akhir abad ke-17. Itu adalah kombinasi dari Barok Eropa barat dengan gaya rakyat tradisional Rusia.
Lukisan dinding kolonial yang diawetkan tahun 1802 menggambarkan Neraka,[95][96][97]oleh Tadeo Escalante, di dalam Gereja San Juan Bautista diHuaro, Peru
Karena penjajahan Amerika oleh negara-negara Eropa, Barok secara alami pindah ke Dunia Baru, menemukan tanah yang sangat menguntungkan di wilayah yang didominasi oleh Spanyol dan Portugal, kedua negara menjadi monarki Katolik yang terpusat dan tidak dapat direduksi, dengan perluasan tunduk pada Roma dan penganut Barok Kontra-reformis yang paling khas. Seniman Eropa bermigrasi ke Amerika dan bersekolah, dan seiring dengan penetrasi misionaris Katolik yang meluas, banyak di antaranya adalah seniman yang terampil, menciptakan Barok multiform yang sering dipengaruhi oleh selera populer. TheCriollodan perajin pribumi berbuat banyak untuk memberikan fitur unik Baroque ini. Pusat utama budidaya Barok Amerika, yang masih berdiri, adalah (dalam urutan ini) Meksiko, Peru, Brasil, Ekuador, Kuba, Kolombia, Bolivia, Guatemala, Nikaragua, Panama, dan Puerto Riko.
Catatan khusus adalah apa yang disebut "Barok Misi", dikembangkan dalam kerangka pengurangan Spanyol di daerah yang membentang dari Meksiko dan bagian barat daya Amerika Serikat saat ini hingga sejauh selatan Argentina dan Chili, pemukiman pribumi yang diselenggarakan oleh misionaris Katolik Spanyol untuk mengubah mereka menjadi iman Kristen dan mengakulturasi mereka dalam kehidupan Barat, membentuk Barok hibrida yang dipengaruhi oleh budaya Pribumi, di mana Criollos berkembang dan banyak pengrajin dan musisi pribumi, bahkan melek huruf, beberapa kemampuan dan bakat hebat mereka sendiri. Kisah para misionaris sering mengulangi bahwa seni Barat, terutama musik, memiliki dampak hipnotis pada rimb, dan gambar orang-orang kudus dipandang memiliki kekuatan besar. Banyak penduduk asli bertobat, dan bentuk pengabdian baru diciptakan, dengan intensitas yang penuh gairah, sarat dengan mistisisme, takhayul, dan sandiwara, yang senang dengan massa meriah, konser suci, dan misteri.[98][99]
Di Filipina, yang merupakan koloni Spanyol selama lebih dari tiga abad, sejumlah besar konstruksi Barok dilestarikan. Empat di antaranya serta kota Baroque dan Neoklasik Vigan keduanya adalah Situs Warisan Dunia UNESCO; dan meskipun mereka tidak memiliki klasifikasi formal, Kota Berdinding Manila bersama dengan kota Tayabas keduanya mengandung tingkat arsitektur era Barok yang signifikan.
Cartouche di atas batu yang rusak di halaman Biara Antim, Bucharest, pematung tidak dikenal, akhir abad ke-17-awal abad ke-18
Seperti yang kita lihat, Baroque adalah gaya Barat, lahir di Italia. Melalui hubungan komersial dan budaya Italia dengan negara-negara di Semenanjung Balkan, termasuk Moldavia dan Wallachia, pengaruh Barok tiba di Eropa Timur. Pengaruh ini tidak terlalu kuat, karena biasanya terjadi dalam arsitektur dan ornamen pahatan batu, dan juga dicampur secara intens dengan detail yang diambil dari seni Bizantium dan Islam.
Sebelum dan sesudah jatuhnya Kekaisaran Bizantium, semua seni Wallachia dan Moldavia terutama dipengaruhi oleh seni Konstantinopel. Sampai akhir abad ke-16, dengan sedikit modifikasi, rencana gereja dan biara, mural, dan ornamen yang diukir di batu tetap sama seperti sebelumnya. Dari periode yang dimulai dengan pemerintahan Matei Basarab (1632-1654) dan Vasile Lupu (1634-1653), yang bertepatan dengan mempopulerkan Barok Italia, ornamen baru ditambahkan, dan gaya furnitur religius berubah. Ini sama sekali tidak acak. Elemen dan prinsip dekoratif dibawa dari Italia, melalui Venesia, atau melalui wilayah Dalmatian, dan mereka diadopsi oleh arsitek dan pengrajin dari timur. Kusen jendela dan pintu, pisanie dengan dedikasi, batu nisan, kolom dan pagar, dan bagian dari furnitur perunggu, perak atau kayu, menerima peran yang lebih penting daripada yang mereka miliki sebelumnya. Mereka juga ada sebelumnya, terinspirasi oleh tradisi Bizantium, tetapi mereka memiliki tampilan yang lebih realis, menunjukkan motif bunga yang halus.Kelegaan yang ada sebelumnya juga, menjadi lebih menonjol, memiliki volume dan konsistensi sekarang. Sebelum periode ini, relief dari Wallachia dan Moldavia, seperti yang dari Timur, hanya memiliki dua tingkat, pada jarak yang kecil satu dari yang lain, satu di permukaan dan yang lainnya secara mendalam. Bunga besar, mungkin mawar, peony atau thistles, daun tebal, acanthus atau tanaman serupa lainnya, memutar pada kolom, atau mengelilingi pintu dan jendela. Tempat di mana Barok memiliki pengaruh yang kuat adalah kolom dan pagar. Ibu kota lebih dihiasi dari sebelumnya dengan dedaunan. Kolom sering memiliki poros yang memutar, interpretasi ulang lokal dari kolom Solomonic. Pagar maksimal ditempatkan di antara kolom-kolom ini, dihiasi dengan rinceaux. Beberapa yang dari Istana Mogoșoaia juga dihiasi dengan lumba-lumba. Cartouches juga kadang-kadang digunakan, sebagian besar pada batu nisan, seperti pada salah satu Konstantin Brâncoveanu. Gerakan ini, dikenal sebagai gaya Brâncovenesc, setelah Constantin Brâncoveanu, penguasa Wallachia yang pemerintahannya (1654-1714) sangat terkait dengan arsitektur dan desain semacam ini. Gaya ini juga hadir selama abad ke-18, dan di bagian abad ke-19. Banyak gereja dan tempat tinggal yang didirikan oleh boyard dan voivodes pada periode ini adalah Brâncovenesc. Meskipun pengaruh Baroque dapat dilihat dengan jelas, gaya Brâncovenesc mengambil lebih banyak inspirasi dari tradisi lokal.
Saat abad ke-18 berlalu, dengan Phanariot (anggota keluarga Yunani terkemuka di Phanar, Istanbul) memerintah di Wallachia dan Moldavia, pengaruh Barok juga datang dari Istanbul. Mereka juga datang sebelumnya, selama abad ke-17, tetapi dengan Phanariots, lebih banyak motif Barok Barat yang tiba di Kekaisaran Ottoman memiliki tujuan akhir mereka di Rumania saat ini. Di Moldavia, elemen Barok juga berasal dari Rusia, di mana pengaruh seni Italia sangat kuat.[108]
Vanitas Masih Hidup; oleh Maria van Oosterwijck; 1668; minyak di atas kanvas; 73 x 88,5 cm; Museum Kunsthistorisches[117]
Pelukis barok bekerja dengan sengaja untuk membedakan diri mereka dari pelukis Renaisans dan periode Mannerisme setelahnya. Dalam palet mereka, mereka menggunakan warna yang intens dan hangat, dan secara khusus menggunakan warna primer merah, biru dan kuning, sering menempatkan ketiganya dalam jarak dekat.[118]Mereka menghindari pencahayaan yang merata dari lukisan Renaissance dan menggunakan kontras yang kuat antara cahaya dan kegelapan pada bagian-bagian tertentu dari gambar untuk mengarahkan perhatian pada tindakan atau tokoh sentral. Dalam komposisi mereka, mereka menghindari adegan tenang dari lukisan Renaissance, dan memilih momen dari gerakan dan drama terbesar. Berbeda dengan wajah-wajah tenang lukisan Renaisans, wajah-wajah dalam lukisan-lukisan Barok dengan jelas mengekspresikan emosi mereka. Mereka sering menggunakan asimetri, dengan aksi yang terjadi jauh dari pusat gambar, dan menciptakan sumbu yang tidak vertikal atau horizontal, tetapi miring ke kiri atau kanan, memberikan rasa ketidakstabilan dan gerakan. Mereka meningkatkan kesan gerakan ini dengan membuat kostum tokoh-tokoh tertiup angin, atau digerakkan oleh gerakan mereka sendiri. Kesan keseluruhannya adalah gerakan, emosi dan drama.[119]Elemen penting lain dari lukisan barok adalah alegori; setiap lukisan menceritakan sebuah cerita dan memiliki pesan, sering dienkripsi dalam simbol dan karakter alegoris, yang diharapkan untuk diketahui dan dibaca oleh pemirsa yang berpendidikan.[120]
Bukti awal ide-ide Barok Italia dalam lukisan terjadi di Bologna, di mana Annibale Carracci, Agostino Carracci dan Ludovico Carracci berusaha mengembalikan seni visual ke Klasisisme Renaisans yang teratur. Seni mereka, bagaimanapun, juga memasukkan ide-ide yang menjadi pusat Counter-Reformasi; ini termasuk emosi yang intens dan citra agama yang lebih menarik hati daripada kecerdasan.[121]
Peter Paul Rubens adalah pelukis paling penting dari gaya Baroque Flemish. Komposisi Rubens yang sangat bermuatan referensi aspek terpelajar dari sejarah klasik dan Kristen. Gaya Baroknya yang unik dan sangat populer menekankan gerakan, warna, dan sensualitas, yang mengikuti gaya artistik langsung dan dramatis yang dipromosikan dalam Kontra-Reformasi. Rubens mengkhususkan diri dalam membuat altarpieces, potret, lanskap, dan lukisan sejarah subjek mitologis dan alegoris.
Salah satu domain penting dari lukisan Barok adalah Quadratura, atau lukisan di trompe-l'œil, yang secara harfiah "menipu mata". Ini biasanya dilukis di plesteran langit-langit atau dinding atas dan langkan, dan memberi kesan kepada mereka yang melihat ke atas adalah bahwa mereka melihat langit dipenuhi dengan kerumunan malaikat, orang suci dan tokoh surgawi lainnya, diatur melawan langit yang dicat dan arsitektur imajiner.[50]
Di Italia, seniman sering berkolaborasi dengan arsitek dalam dekorasi interior; Pietro da Cortona adalah salah satu pelukis abad ke-17 yang menggunakan cara melukis ilusionis ini. Di antara komisi terpentingnya adalah lukisan dinding yang dia lukis untuk Istana keluarga Barberini (1633-39), untuk memuliakan masa pemerintahan Paus Urbanus VIII. Komposisi Pietro da Cortona adalah lukisan dinding dekoratif terbesar yang dieksekusi di Roma sejak karya Michelangelo di Kapel Sistina.[122]
François Boucher adalah tokoh penting dalam gaya Rococo Prancis yang lebih halus, yang muncul selama periode Barok akhir. Dia merancang permadani, karpet dan dekorasi teater serta lukisan. Karyanya sangat populer dengan Madame Pompadour, Nyonya Raja Louis XV. Lukisan-lukisannya menampilkan tema mitologis romantis, dan agak erotis.[123]
Pada abad ke-18 altar pahatan mulai digantikan oleh lukisan, berkembang terutama lukisan Barok di Amerika. Demikian pula, permintaan untuk pekerjaan sipil, terutama potret kelas aristokrat dan hierarki gerejawi, tumbuh. Pengaruh utamanya adalah Murillesque, dan dalam beberapa kasus – seperti dalam criollo Cristóbal de Villalpando – pengaruh Valdés Leal. Lukisan era ini memiliki nada yang lebih sentimental, dengan bentuk yang manis dan lembut. Ini menyoroti Gregorio Vásquez de Arce di Kolombia, dan Juan Rodríguez Juárez dan Miguel Cabrera di Meksiko.
Tokoh dominan dalam patung barok adalah Gian Lorenzo Bernini. Di bawah perlindungan Paus Urbanus VIII, dia membuat serangkaian patung monumental yang luar biasa dari orang-orang kudus dan tokoh-tokoh yang wajah dan gerak tubuhnya mengekspresikan emosi mereka dengan jelas, serta potret patung realisme yang luar biasa, dan karya-karya yang sangat dekoratif untuk Vatikan seperti Kursi St. yang mengesankan. Peter di bawah kubah di St. Basilika Petrus. Selain itu, ia merancang air mancur dengan kelompok patung monumental untuk menghias alun-alun utama Roma.[126]
Patung barok terinspirasi oleh patung Romawi kuno, terutama oleh patung Laocoön abad pertama Masehi yang terkenal, yang digali pada tahun 1506 dan dipajang di galeri Vatikan. Ketika dia mengunjungi Paris pada tahun 1665, Bernini berbicara kepada para siswa di akademi lukisan dan patung. Dia menyarankan para siswa untuk bekerja dari model klasik, bukan dari alam. Dia memberi tahu para siswa, "Ketika saya memiliki masalah dengan patung pertama saya, saya berkonsultasi dengan Antinous seperti oracle."[127]Patung Antinous itu sekarang dikenal sebagai Hermes dari Museo Pio-Clementino.
Di Spanyol, pematung Francisco Salzillo bekerja secara eksklusif pada tema agama, menggunakan kayu polikrom. Beberapa kerajinan pahatan barok terbaik ditemukan di altar plesteran berlapis emas gereja-gereja koloni Spanyol di Dunia Baru, dibuat oleh pengrajin lokal; contohnya termasuk Kapel Rosario Gereja Santo Domingo di Oaxaca (Meksiko), 1724-1731.
Tempat tidur empat tiang dari Château d'Effiat;c.1650; kenari alami, beludru sutra Genoa yang dipahat dan sutra bersulam; 295 cm;Louvre[128]
Caryatids Baroque dari sebuah kabinet; c.1675; kayu hitam, kingwood, marquetry dari batu keras, perunggu emas, timah, kaca, cermin berwarna dan tanduk; dimensi yang tidak diketahui; Museum Seni Dekoratif, Strasbourg, Prancis[129]
Meja dermaga; 1685–1690; diukir, gessoed, dan kayu berlapis emas, dengan bagian atas marmer; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Institut Seni Chicago, AS[130]
Lemari; oleh André Charles Boulle;c.1700; kayu hitam dan veneer bayam, kayu polikrom, kuningan, timah, cangkang, dan marquetry tanduk pada bingkai kayu ek, perunggu emas; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[131]
Commode; oleh André Charles Boulle;c.1710–1732; veneer kenari dengan kayu hitam dan marquetry dari kuningan terukir dan kulit kura-kura, dudukan perunggu gilt, bagian atas marmer antik; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)[132]
Meja depan miring Jerman; oleh Heinrich Ludwig Rohde atau Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry dengan maple, bayam, mahoni, dan kenari pada pohon cemara dan ek; 90 × 84 × 44,5 cm; Institut Seni Chicago[133]
Selama periode pertama pemerintahan Louis XIV, furnitur mengikuti gaya Louis XIII sebelumnya, dan sangat besar, dan didekorasi dengan patung dan penyepuhan. Setelah 1680, sebagian besar berkat desainer furnitur André Charles Boulle, gaya yang lebih orisinal dan halus muncul, kadang-kadang dikenal sebagai karya Boulle. Itu didasarkan pada tatahan kayu hitam dan kayu langka lainnya, teknik yang pertama kali digunakan di Florence pada abad ke-15, yang disempurnakan dan dikembangkan oleh Boulle dan lainnya yang bekerja untuk Louis XIV. Furnitur bertatahkan plakat kayu hitam, tembaga, dan kayu eksotis dengan warna berbeda.[136]
Jenis furnitur baru dan sering bertahan lama muncul; toilet, dengan dua hingga empat laci, menggantikan coffre lama, atau peti. Canape, atau sofa, muncul, dalam bentuk kombinasi dua atau tiga kursi. Jenis kursi berlengan baru muncul, termasuk fauteuil en confessionale atau "Kursi berlengan pengakuan", yang memiliki bantalan empuk di kedua sisi belakang kursi. Meja konsol juga membuat penampilan pertamanya; itu dirancang untuk ditempatkan di dinding. Jenis furnitur baru lainnya adalah table à gibier, meja dengan marmer untuk menampung piring. Varietas awal meja muncul; meja Mazarin memiliki bagian tengah yang diatur kembali, ditempatkan di antara dua kolom laci, dengan empat kaki di setiap kolom.[136]
Istilah Baroque juga digunakan untuk menunjuk gaya musik yang disusun selama periode yang tumpang tindih dengan seni Barok. Penggunaan pertama dari istilah 'barok' untuk musik adalah kritik. Dalam ulasan anonim dan satir tentang pemutaran perdana pada Oktober 1733 dari Hippolyte et Aricie karya Rameau, yang dicetak di Mercure de France pada Mei 1734, kritikus menyiratkan bahwa kebaruan opera ini adalah "du barocque," mengeluh bahwa musiknya tidak memiliki melodi yang koheren, dipenuhi dengan disonansi yang tak henti-hentinya, terus-menerus mengganti kunci dan meteran, dan dengan cepat dengan penuh dendam melalui setiap perangkat komposisi.[137]Jean-Jacques Rousseau, yang merupakan seorang musisi dan komposer terkenal serta filsuf, membuat pengamatan yang sangat mirip pada tahun 1768 dalam Encyclopédie yang terkenal dari Denis Diderot: "Musik barok adalah di mana harmoninya membingungkan, dan sarat dengan modulasi dan disonansi. Nyanyiannya keras dan tidak wajar, intonasinya sulit, dan gerakannya terbatas. Tampaknya istilah itu berasal dari kata 'baroco' yang digunakan oleh ahli logika."[17]
Penggunaan umum istilah untuk musik pada periode tersebut baru dimulai pada tahun 1919, oleh Curt Sachs,[138]dan baru pada tahun 1940 pertama kali digunakan dalam bahasa Inggris dalam sebuah artikel yang diterbitkan oleh Manfred Bukofzer.[137]
Barok adalah periode eksperimen dan inovasi musik yang menjelaskan jumlah ornamen dan improvisasi yang dilakukan oleh para musisi. Bentuk baru ditemukan, termasuk konser dan sinfonia. Opera lahir di Italia pada akhir abad ke-16 (dengan Dafne Jacopo Peri yang sebagian besar hilang, diproduksi di Florence pada tahun 1598) dan segera menyebar ke seluruh Eropa: Louis XIV menciptakan Akademi Musik Kerajaan pertama, Pada tahun 1669, penyair Pierre Perrin membuka akademi opera di Paris, teater opera pertama di Prancis yang terbuka untuk umum, dan menayangkan perdana Pomone, opera besar pertama dalam bahasa Prancis, dengan musik oleh Robert Cambert, dengan lima babak, mesin panggung yang rumit, dan balet.[139]Heinrich Schütz di Jerman, Jean-Baptiste Lully di Prancis, dan Henry Purcell di Inggris semuanya membantu membangun tradisi nasional mereka di abad ke-17.
Beberapa instrumen baru, termasuk piano, diperkenalkan selama periode ini. Penemuan piano dikreditkan ke Bartolomeo Cristofori (1655-1731) dari Padua, Italia, yang dipekerjakan oleh Ferdinando de' Medici, Pangeran Agung Tuscany, sebagai Penjaga Instrumen.[140][141]Cristofori menamai instrumen itu un cimbalo di cipresso di piano e forte ("keyboard cemara dengan lembut dan keras"), disingkat dari waktu ke waktu sebagai pianoforte, fortepiano, dan kemudian, secara sederhana, piano.[142]
Balet klasik juga berasal dari era Barok. Gaya tarian istana dibawa ke Prancis oleh Marie de Medici, dan pada awalnya anggota istana itu sendiri adalah para penarinya. Louis XIV sendiri tampil di depan umum di beberapa balet. Pada bulan Maret 1662, Académie Royale de Danse, didirikan oleh Raja. Itu adalah sekolah dansa dan perusahaan profesional pertama, dan menetapkan standar dan kosakata untuk balet di seluruh Eropa selama periode tersebut.[139]
Teori sastra
Heinrich Wölfflin adalah orang pertama yang mentransfer istilah Baroque ke sastra.[143]Konsep kunci teori sastra Barok, seperti "solusif" (concetto), "wit" (acutezza, ingegno), dan "keajaiban" (meraviglia), tidak sepenuhnya dikembangkan dalam teori sastra sampai publikasi Il Cannocchiale aristotelico (The Aristotelian Telescope) karya Emanuele Tesauro pada tahun 1654. Risalah mani ini - terinspirasi oleh epik Giambattista Marino Adone dan karya filsuf Yesuit Spanyol Baltasar Gracián - mengembangkan teori metaforasebagai bahasa gambar universal dan sebagai tindakan intelektual tertinggi, sekaligus sebuah kecerdasan dan mode akses istimewa epistemologis ke kebenaran.[144]
Teater
Desain set untuk Andromedé oleh Pierre Corneille, (1650)Desain untuk set teater yang dibuat oleh Giacomo Torelli untuk balet Les Noces de Thétis, dari Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal
Selama periode Baroque, seni dan gaya teater berkembang pesat, di samping perkembangan opera dan balet. Desain teater yang lebih baru dan lebih besar, penemuan penggunaan mesin yang lebih rumit, penggunaan lengkungan proscenium yang lebih luas, yang membingkai panggung dan menyembunyikan mesin dari penonton, mendorong efek dan tontonan yang lebih indah.[145]
Barok memiliki karakter Katolik dan konservatif di Spanyol, mengikuti model sastra Italia selama Renaisans.[146]Teater Hispanik Barok bertujuan untuk konten publik dengan realitas ideal yang memanifestasikan tiga sentimen mendasar: agama Katolik, monarkis dan kebanggaan serta kehormatan nasional yang berasal dari dunia ksatria ksatria.[147]
Lope de Vega memperkenalkan melalui Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) komedi baru. Dia menetapkan formula dramatis baru yang mematahkan tiga kesatuan Aristoteles dari sekolah puisi Italia (aksi, waktu, dan tempat) dan kesatuan keempat Aristoteles yang tentang gaya, pencampuran elemen tragis dan komik yang menunjukkan berbagai jenis ayat dan bait atas apa yang diwakili.[150]Meskipun Lope memiliki pengetahuan yang besar tentang seni plastik, dia tidak menggunakannya selama sebagian besar karirnya atau di teater atau skenografi. Komedi Lope memberikan peran kedua pada aspek visual dari representasi teater.[151]
Tirso de Molina, Lope de Vega, dan Calderón adalah penulis drama terpenting di Spanyol Era Emas. Karya-karya mereka, yang dikenal karena kecerdasan halus dan pemahaman mendalam tentang kemanusiaan seseorang, dapat dianggap sebagai jembatan antara komedi primitif Lope dan komedi Calderón yang lebih rumit. Tirso de Molina terkenal karena dua karya, The Convicted Suspicions dan The Trickster of Seville, salah satu versi pertama dari mitos Don Juan.[152]
Setibanya di Madrid, Cosimo Lotti membawa ke pengadilan Spanyol teknik teater paling canggih di Eropa. Teknik dan pengetahuan mekaniknya diterapkan dalam pameran istana yang disebut "Fiestas" dan dalam pameran mewah sungai atau air mancur buatan yang disebut "Naumaquias". Dia bertanggung jawab untuk menata Taman Buen Retiro, Zarzuela, dan Aranjuez dan pembangunan gedung teater Coliseo del Buen Retiro.[153]Formula Lope dimulai dengan sebuah syair yang tidak sesuai dengan fondasi teater istana dan kelahiran konsep baru yang memulai karir beberapa penulis drama seperti Calderón de la Barca. Menandai inovasi utama dari Komedi Lopesian Baru, gaya Calderón menandai banyak perbedaan, dengan banyak perhatian konstruktif dan perhatian pada struktur internalnya. Karya Calderón dalam kesempurnaan formal dan bahasa yang sangat lirik dan simbolis. Kebebasan, vitalitas, dan keterbukaan Lope memberikan langkah bagi refleksi intelektual dan ketepatan formal Calderón. Dalam komedinya itu mencerminkan niat ideologis dan doktrinnya di atas gairah dan tindakan, karya Autos sacramentales mencapai peringkat tinggi.[154]Genre Comedia adalah politik, multi-artistik dan dalam arti hibrida. Teks puitis yang terjalin dengan Media dan sumber daya yang berasal dari arsitektur, musik, dan lukisan yang membebaskan penipuan yang ada dalam komedi Lopesian dibuat dari kurangnya pemandangan dan melibatkan dialog aksi.[155]
Tragedi barok Italia terkemuka adalah Federico Della Valle. Aktivitas sastranya diringkas oleh empat drama yang dia tulis untuk teater istana: tragicomedy Adelonda di Frigia (1595) dan terutama tiga tragedinya, Judith (1627), Esther (1627) dan La reina di Scotia (1628). Della Valle memiliki banyak peniru dan pengikut yang menggabungkan dalam karya mereka rasa Barok dan tujuan didak dari Yesuit(Pallavicino, Graziani, dll.)
Amerika kolonial Spanyol
Mengikuti evolusi yang ditandai dari Spanyol, pada akhir abad ke-16, perusahaan komedian, pada dasarnya transhumant, mulai memprofesionalkan. Dengan profesionalisasi datang regulasi dan sensor: seperti di Eropa, teater berosilasi antara toleransi dan bahkan perlindungan dan penolakan pemerintah (dengan pengecualian) atau penganiayaan oleh Gereja. Teater itu berguna bagi pihak berwenang sebagai instrumen untuk menyebarkan perilaku dan model yang diinginkan, menghormati tatanan sosial dan monarki, sekolah dogma agama.[156]
Kandang diberikan untuk kepentingan rumah sakit yang berbagi manfaat dari representasi. Perusahaan keliling (atau "liga"), yang membawa teater dalam panggung terbuka improvisasi oleh daerah yang tidak memiliki penduduk setempat yang tetap, membutuhkan lisensi wakil raja untuk bekerja, yang harga orpinciónnya ditakdirkan untuk sedekah dan bekerja saleh.[156]Untuk perusahaan yang bekerja secara stabil di ibu kota dan kota-kota besar, salah satu sumber pendapatan utama mereka adalah partisipasi dalam perayaan Corpus Christi, yang memberi mereka tidak hanya manfaat ekonomi, tetapi juga pengakuan dan prestise sosial. Representasi di istana wakil raja dan rumah-rumah besar aristokrasi, di mana mereka mewakili komedi repertoar mereka dan produksi khusus dengan efek pencahayaan, pemandangan, dan panggung yang hebat, juga merupakan sumber penting dari karya yang dibayar dengan baik dan bergengsi.[156]
Lahir di Viceroyalty of New Spain[157]tetapi kemudian menetap di Spanyol, Juan Ruiz de Alarcón adalah tokoh paling menonjol di teater Barok Spanyol Baru. Terlepas dari akomodasinya untuk komedi baru Lope de Vega, "sekularisme yang ditandai", kebijaksanaan dan pengekangannya, dan kapasitas yang tajam untuk "penetrasi psikologis" sebagai fitur khas Alarcón melawan orang sezamannya di Spanyol telah dicatat. Patut dicatat di antara karya-karyanya La verdad sospechosa, sebuah komedi karakter yang mencerminkan tujuan moralisasinya yang konstan.[156]Produksi dramatis Sor Juana Inés de la Cruz menempatkannya sebagai tokoh kedua teater Barok Spanyol-Amerika. Perlu disebutkan di antara karya-karyanya auto sacramental El divino Narciso dan komedi Los empeños de una casa.
Taman Baroque, juga dikenal sebagai jardin à la française atau taman formal Prancis, pertama kali muncul di Roma pada abad ke-16, dan kemudian paling terkenal di Prancis pada abad ke-17 di taman Vaux le Vicomte dan Istana Versailles. Taman barok dibangun oleh Raja dan pangeran di Jerman, Belanda, Austria, Spanyol, Polandia, Italia, dan Rusia hingga pertengahan abad ke-18, ketika mereka mulai dibuat ulang oleh taman lanskap Inggris yang lebih alami.
Tujuan dari taman barok adalah untuk menggambarkan kekuatan manusia atas alam, dan kemuliaan pembangunnya, taman Barok ditata dalam pola geometris, seperti kamar rumah. Mereka biasanya paling baik dilihat dari luar dan melihat ke bawah, baik dari chateau atau teras. Unsur-unsur taman barok termasuk bagian dari hamparan bunga atau pagar rendah yang dipangkas menjadi desain Barok yang berornamen, dan jalur lurus dan gang-gang kerikil yang membagi dan melintasi taman. Teras, landai, tangga, dan kaskade ditempatkan di tempat yang memiliki perbedaan ketinggian, dan menyediakan titik pandang. Kolam bundar atau persegi panjang atau cekungan air adalah pengaturan untuk air mancur dan patung. Bosquets atau rumpun yang dipangkas dengan hati-hati atau garis-garis pohon yang identik, memberikan tampilan dinding tanaman hijau dan merupakan latar belakang untuk patung. Di tepinya, taman biasanya memiliki paviliun, jeruk, dan struktur lain di mana pengunjung dapat berlindung dari matahari atau hujan.[162]
Taman barok membutuhkan sejumlah besar tukang kebun, pemangkasan terus-menerus, dan air yang berlimpah. Pada bagian akhir periode Baroque, elemen formal mulai diganti dengan fitur yang lebih alami, termasuk jalur berliku, rumpun pohon yang bervariasi dibiarkan tumbuh tanpa dipangkas; arsitektur pedesaan dan struktur yang indah, seperti kuil Romawi atau pagoda Cina, serta "taman rahasia" di tepi taman utama, penuh dengan tanaman hijau, di mana pengunjung dapat membaca atau melakukan percakapan yang tenang. Pada pertengahan abad ke-18 sebagian besar taman Barok sebagian atau seluruhnya diubah menjadi variasi taman lanskap Inggris.[162]
Rococo, gaya dalam desain interior, seni dekoratif, lukisan, arsitektur, dan patung yang berasal dari Paris pada awal abad ke-18 tetapi segera diadopsi di seluruh Prancis dan kemudian di negara lain, terutama Jerman dan Austria. Hal ini ditandai dengan ringan, elegan, dan penggunaan yang meriah dari bentuk-bentuk alami melengkung dalam ornamen. Kata Rococo berasal dari kata Prancis rocaille, yang menunjukkan karya batu yang dilapisi cangkang yang digunakan untuk menghias gua buatan.
Pada awalnya gaya Rococo mewakili reaksi terhadap desain berat Istana Versailles Louis XIV dan seni Barok resmi pada masa pemerintahannya. Beberapa desainer interior, pelukis, dan pengukir, di antaranya Pierre Le Pautre, J.-A. Meissonier, Jean Berain, dan Nicolas Pineau, mengembangkan gaya dekorasi yang lebih ringan dan lebih intim untuk tempat tinggal baru para bangsawan di Paris. Dalam gaya Rococo, dinding, langit-langit, dan cetakan dihiasi dengan interlacing halus dari kurva dan countercurves berdasarkan bentuk dasar "C" dan "S," serta dengan bentuk cangkang dan bentuk alami lainnya. Desain asimetris adalah aturannya. Pastel ringan, putih gading, dan emas adalah warna yang dominan, dan dekorator Rococo sering menggunakan cermin untuk meningkatkan rasa ruang terbuka.
Contoh luar biasa dari Rococo Prancis adalah Salon de Monsieur le Prince (selesai 1722) di Petit Château di Chantilly, didekorasi oleh Jean Aubert, dan salon (dimulai 1732) dari Hôtel de Soubise, Paris, oleh Germain Boffrand. Gaya Rococo juga terwujud dalam seni dekoratif. Bentuk asimetris dan ornamen rocaille dengan cepat disesuaikan dengan perak dan porselen, dan furnitur Prancis pada periode itu juga menampilkan bentuk melengkung, cangkang naturalistik dan ornamen bunga, dan penggunaan yang lebih rumit dan menyenangkan dari perunggu emas dan ornamen porselen.
Lukisan Rococo di Prancis dimulai dengan lukisan Antoine Watteau yang anggun dan melankolis, memuncak dalam telanjang François Boucher yang menyenangkan dan sensual, dan diakhiri dengan adegan genre yang dilukis secara bebas dari Jean-Honoré Fragonard. Potret Rococo memiliki praktisi terbaiknya di Jean-Marc Nattier dan Jean-Baptiste Perroneau. Lukisan Rococo Prancis secara umum dicirikan oleh perawatan tema mitologis dan pacaran yang santai dan ringan, kuas yang kaya dan halus, kunci tonal yang relatif ringan, dan pewarnaan yang sensual. Patung Rococo terkenal karena skalanya yang intim, naturalismenya, dan efek permukaannya yang bervariasi.
Dari Prancis, gaya Rococo menyebar pada tahun 1730-an ke tanah berbahasa Jerman Katolik, di mana ia disesuaikan dengan gaya arsitektur religius yang brilian yang menggabungkan keanggunan Prancis dengan fantasi Jerman selatan serta dengan minat Barok yang tersisa dalam efek spasial dan plastik yang dramatis. Beberapa bangunan Rococo yang paling indah di luar Prancis dapat dilihat di Munich—misalnya, Amalienburg yang halus dan halus (1734–39), di taman Nymphenburg, danResidenztheater(1770-53; dibangun kembali setelah Perang Dunia II), keduanya oleh François de Cuvilliés. Di antara gereja ziarah Rococo Jerman terbaik adalah Vierzehnheiligen (1743–72), dekat Lichtenfels, di Bavaria, dirancang oleh Balthasar Neumann, dan Wieskirche (mulai 1745–54), dekat Munich, dibangun oleh Dominikus Zimmermann dan didekorasi oleh kakak laki-lakinya Johann Baptist Zimmermann. G.W. von Knobelsdorff dan Johann Michael Fischer juga menciptakan bangunan terkenal dengan gaya, yang memanfaatkan banyaknya plesteran dan dekorasi lainnya.
Di Italia gaya Rococo terkonsentrasi terutama di Venesia, di mana itu dicontohkan oleh lukisan dekoratif skala besar Giovanni Battista Tiepolo. Pemandangan kota Francesco Guardi dan Canaletto juga dipengaruhi oleh Rococo. Sementara itu, di Prancis gayanya sudah mulai menurun pada tahun 1750-an ketika diserang oleh para kritikus karena hal sepele dan ekses hiasnya, dan pada tahun 1760-an gerakan Neoklasikisme yang baru dan lebih keras mulai menggantikan Rococo di Prancis.
Dapatkan langganan Britannica Premium dan dapatkan akses ke konten eksklusif.
Istilah Rococo kadang-kadang digunakan untuk menunjukkan musik yang ringan, elegan, dan sangat hias yang disusun pada akhir periode Barok—yaitu, dari tahun 1740-an hingga 1770-an. Musik awal Joseph Haydn dan Wolfgang Amadeus Mozart muda dengan demikian dapat disebut Rococo, meskipun karya para komposer ini lebih tepat milik gaya Klasik yang muncul.
Antoine Pesne, (lahir 23 Mei 1683, Paris, Prancis—meninggal 5 Agustus 1757, Berlin, Prusia [Jerman]), pelukis Rococo kelahiran Prancis dari subjek sejarah dan potret yang merupakan seniman paling penting di Prusia pada paruh pertama abad ke-18.
Ayahnya, pelukis Thomas Pesne, dan paman buyut dari pihak ibu, Charles de La Fosse, mungkin adalah guru pertamanya. Saat belajar di Paris, dia dipengaruhi oleh pelukis Prancis terkemuka, Hyacinthe Rigaud dan Nicolas de Largillière. Di Roma dan Napoli dan khususnya di Venesia, di mana dia belajar dengan Andrea Celesti, Pesne mengembangkan bakat yang ditandai sebagai pewarna.
Pada tahun 1707 potret panjang penuh Pesne tentang duta besar Prusia untuk Venesia, baron von Knyphausen, menarik perhatian Frederick I dari Prusia, yang menunjuknya sebagai potret istana. Ketika Frederick II dewasa, Pesne mampu memberikan ruang lingkup penuh untuk hadiah warna-warnanya dalam lukisan dan mural langit-langit mitologis dan alegoris, dieksekusi untuk interior istana Rheinsberg, Charlottenburg, Berlin, Potsdam, dan Sanssouci. Dia terus melukis potret, beberapa di antaranya dicapai dengan sapuan kuas dan pewarnaan brilian efek yang hampir impresionistik yang mengantisipasi Pierre-Auguste Renoir. Yang menarik adalah berbagai representasi, dalam gaya Antoine Watteau, penari dan aktris Italia dan Prancis yang dilibatkan Frederick II untuk Opera Berlin. Potret-potret ini sering dikutip karena karakterisasi perseptifnya.
Jacob de Wit, (dibaptis 19 Desember 1695, Amsterdam, Belanda—meninggal 12 November 1754, Amsterdam), pelukis dan juru gambar Belanda yang bekerja terutama di Amsterdam dan dikenal karena lukisan langit-langit gaya Rococo dan karya grisaille yang ahli, beberapa di antaranya masih dapat dilihat di abad ke-21 di lokasi aslinya.
De Wit memulai studi seninya pada usia 9 tahun sebagai magang pelukis Amsterdam Albert van Spiers, dengan siapa dia tinggal sampai usia 13 tahun. Dia melanjutkan studinya di Antwerp dengan dukungan keuangan dari pamannya, seorang pedagang seni. De Wit menghadiri Royal Academy di Antwerp dari 1711 hingga 1713 dan pada waktu itu mengasah keterampilan menggambarnya dan memulai studi seumur hidupnya tentang Peter Paul Rubens, yang karyanya dapat ditemukan di gedung-gedung keagamaan dan publik di seluruh kota itu. Rubens tetap menjadi satu-satunya artis paling berpengaruh untuk de Wit. De Wit membuat salinan dari banyak karya Rubens, terutama lukisan langit-langit Rubens di gereja Yesuit di Antwerp (sekarang St. Gereja Carolus Borromeus). Set salinan aslinya dihancurkan oleh api pada tahun 1718, meskipun de Wit membuat set kedua yang lebih selesai yang kemudian direproduksi sebagai ukiran. Selama hidupnya, ia mengumpulkan koleksi seni yang besar, termasuk banyak karya Rubens, beberapa oleh Anthony van Dyck, dan yang lainnya oleh orang-orang sezaman Belanda dan Flemish dan Old Masters. Pada tahun 1713 de Wit bergabung dengan Persekutuan Antwerp dari St. Lukas.
Sekitar tahun 1715 de Wit kembali ke Amsterdam, di mana ia menjalin hubungan penting dengan Pastor Aegidius de Glabbais, seorang imam Katolik Roma dari schuilkerk (gereja tersembunyi) Musa dan Harun. Pada tahun 1716 dan selama beberapa tahun berikutnya, ia melukis beberapa karya, termasuk altarpiece untuk Moses dan Aaron schuilkerk, sebuah altarpiece berjudulBaptism of Christ for Het Hart schuilkerk (sekarang Museum Ons' Lieve Heer op Solder), dan potret Pastor de Glabbais pada tahun 1718.
Schloss Schönbrunn, Rococo-style 1.440-room istana musim panas Habsburg di Wina.Desain pertama Johann Bernhard Fischer von Erlach untuk bangunan tersebut, yang dimaksudkan untuk menyaingi Istana Versailles Prancis, dilakukan pada tahun 1690. Rencana kedua, yang agak kurang berornamen, bagaimanapun, yang berasal dari tahun 1695–96 diadopsi, dan istana selesai pada tahun 1711. Istana dan tamannya ditetapkan sebagai situs Warisan Dunia UNESCO pada tahun 1996.
Ini pertama kali dimodifikasi pada 1737 oleh putra Johann Josef Emanuel Fischer von Erlach dan lagi pada 1744 oleh Nikolaus Pacassi. Taman formal awalnya ditata c. 1705–06 oleh Jean-Nicolas Jadot de Ville-Issey dan dari 1765 didesain ulang oleh Ferdinand von Hohenberg. Schönbrunn Tiergarten, mungkin kebun binatang tertua di Eropa, didirikan di dalam lahan pada tahun 1752. Seluruh kompleks taman, terbuka untuk umum sejak 1918, mencakup lebih dari 2 km persegi (3/4 sq mi).
François Boucher, (lahir 29 September 1703, Paris, Prancis—meninggal 30 Mei 1770, Paris), pelukis, pengukir, dan desainer yang karyanya dianggap sebagai ekspresi sempurna dari rasa Prancis pada periode Rococo.
Dilatih oleh ayahnya, seorang desainer renda, Boucher memenangkan Prix de Rome pada tahun 1723. Dia dipengaruhi oleh karya-karya Giovanni Battista Tiepolo, Peter Paul Rubens, dan gurunya François Le Moyne. Komisi besar pertama Boucher adalah untuk ukiran 125 gambar oleh Antoine Watteau. Setelah mengilustrasikan edisi karya Molière, dia menggambar kartun adegan halaman pertanian danchinoiserieuntuk pabrik permadani Beauvais.
Boucher pertama kali mendapatkan ketenaran dengan lukisan mitologis dan lanskap pastoralnya yang sensual dan ringan. Dia mengeksekusi komisi dekoratif penting untuk ratu di Versailles dan untuk teman dan pelindungnya, Mme de Pompadour, di Versailles, Marly, dan Bellevue. Dia menjadi anggota Royal Academy pada tahun 1734 dan kemudian menjadi produsen utama desain untuk pabrik porselen kerajaan, serta direktur pabrik permadani Gobelins. Pada 1765 ia menjadi direktur Royal Academy dan memegang gelar pelukis pertama untuk Raja Louis XV.
Selama tahun 1740-an dan 50-an gaya Boucher yang elegan dan halus namun menyenangkan menjadi ciri khas istana Louis XV. Karyanya dicirikan oleh penggunaan warna-warna halus, bentuk-bentuk yang dimodelkan dengan lembut, teknik yang mudah, dan materi pelajaran yang ringan. Boucher umumnya diakui sebagai salah satu juru gambar hebat abad ke-18, terutama dalam penanganannya terhadap wanita telanjang.
Meskipun sangat sukses, Boucher kehilangan keunggulan artistiknya menjelang akhir hidupnya; kelebihan produksi, terjemahan yang buruk dari lukisannya ke dalam permadani, kesterawanan yang berkembang dari karyanya sendiri, dan munculnya Neoklasikisme menyebabkan dia kehilangan dukungan, baik dengan publik maupun dengan kritikus seni terkemuka seperti Denis Diderot.
Johann Michael Fischer, (lahir 1692, Burglengenfeld, Bavaria [Jerman]—meninggal 6 Mei 1766, Munich), arsitek Jerman, salah satu desainer paling kreatif dan produktif dari gereja-gereja Barok dan Rococo akhir di Jerman selatan.
Fischer dilatih oleh ayahnya, seorang tukang batu. Sebagai magang di Bohemia dan Moravia mulai tahun 1713, ia menjadi akrab dengan gereja-gereja keluarga Dientzenhofer dan kembali ke Munich pada tahun 1718 untuk menjadi mandor arsitektur kota. Salah satu proyek independennya yang paling awal adalah renovasi gereja biara Premonstratensian Osterhofen (1726–29). Elemen utama gereja Fischer adalah denah tanah terpusat, dengan sudut interior rounded-off, ruang yang saling terhubung, dan tambalan dekorasi subur yang bergelombang secara berirama, keseluruhan diterangi dengan cemerlang oleh jendela besar. Produktivitasnya mencengangkan; pada tahun 1735 saja dia merencanakan tiga gereja yang luar biasa—St. Michael di Berg-am-Laim, gereja ziarah di Aufhausen, dan gereja Agustinian di Ingolstadt.
Karya terbesar Fischer umumnya dianggap sebagai gereja biara Benediktin di Ottobeuren (1748-55), sebuah struktur Rococo yang luas yang berpusat pada tiga kubah berturut-turut dan didekorasi dengan mewah—tetapi elegan—dengan patung, plesteran, dan cat. Gereja biara Benediktin St. Marius dan St. Arianus di Rott-am-Inn (1759–62) mungkin secara gaya lebih signifikan, karena kesederhanaan relatifnya menandakan pendekatan Neoklasikisme.
Aleijadinho, dengan nama Antônio Francisco Lisboa, (lahir 9 Agustus 1738?, Villa Rica [sekarang Ouro Prêto], Brasil—meninggal 18 November 1814, Mariana), pematung dan arsitek Brasil yang produktif dan berpengaruh yang patung Rococo dan artikel keagamaannya melengkapi ketenangan dramatis gereja-gerejanya.
Aleijadinho, putra arsitek Portugis Manoel Francisco Lisboa dan seorang wanita Afrika, lahir dengan penyakit degeneratif yang menyebabkan deformasi anggota badannya (sobriquetnya berarti "Little Cripple"). Dia akhirnya kehilangan penggunaan tangannya, tetapi dia terus bekerja dengan alat-alat yang diikatkan ke lengannya sepanjang sisa karirnya. Karya besar pertama Aleijadinho, Gereja São Francisco de Assis, Ouro Prêto (1766–94), menampilkan menara lonceng bundar dramatis yang garis-garisnya mengimbangi garis lurus yang lebih umum dari tradisi Portugis. Dia juga merancang, membangun, dan mendekorasi Sanctuary of Bom Jesus de Matosinhos, Congonhas (mulai 1757), yang mungkin merupakan karyanya yang paling terkenal. Di jalan zig-zag ke gereja, Aleijadinho membuat beberapa struktur kecil di mana ia mengeksekusi 64 patung kayu dalam tujuh pengelompokan yang mewakili episode dalam Sengsara Kristus. Patung-patung besar dan sangat detail dari Dua Belas Nabi, diukir di batu sabun, melapisi tembok pembatas di sepanjang tangga eksterior.
Balthasar Neumann, secara penuh Johann Balthasar Neumann, (lahir 1687, Eger, Bohemia, domain Habsburg Austria [sekarang Cheb, Republik Ceko]—meninggal 19 Agustus 1753, Würzburg [Jerman]), arsitek Jerman yang merupakan master terkemuka dari gaya Barok akhir.
Neumann magang dengan seorang pendiri lonceng dan pada tahun 1711 beremigrasi ke Würzburg, di mana ia mendapatkan perlindungan dari pangeran-uskup kota yang berkuasa, seorang anggota keluarga Schönborn, setelah bekerja di benteng militer. Pada tahun 1719 Neumann mulai mengarahkan pembangunan tahap pertama Residenz (istana) baru untuk pangeran-uskup di Würzburg, dan dia segera dipercayakan dengan perencanaan dan desain seluruh struktur. Pekerjaan di Residenz berlanjut pada interval setelah kematian Neumann sendiri pada tahun 1753, meskipun pada tahun 1740-an itu telah berkembang cukup jauh untuk pelukis G.B. Tiepolo untuk menghias langit-langit istana yang sangat besar.
Neumann mulai merancang bangunan lain juga, dimulai pada 1720-an dengan Kapel Schönborn (1721–36) di Katedral Würzburg, gereja biara di Holzkirchen (1726–30) di luar Würzburg, dan gereja biara di Münsterschwarzach (1727–43). Dia membangun bangunan untuk anggota lain dari keluarga Schönborn dan akhirnya ditugaskan untuk semua proyek bangunan besar di Würzburg dan Bamberg, termasuk istana, bangunan umum, jembatan, sistem air, dan lebih dari selusin gereja. Neumann merancang banyak istana untuk Schönborns, termasuk untuk pangeran-uskup di Bruchsal (1728–50) dan Werneck (c. 1733–45). Pada tahun 1740-an ia merancang mahakaryanya, gereja ziarah di Vierzehnheiligen (1743-53), serta gereja ziarah yang dikenal sebagai Käppele (1740–52) dekat Würzburg dan gereja biara di Neresheim (1747-53).
Neumann menunjukkan dirinya sebagai master komposisi yang hebat di interior gereja dan istananya. Dinding dan kolom di gedungnya berkurang, disamarkan, atau dibuka untuk menciptakan efek yang mengejutkan dan sering menyenangkan sambil tetap mempertahankan rasa simetri dan harmoni. Neumann menggunakan kubah dan kubah barel yang cerdik untuk menciptakan urutan ruang bulat dan oval yang cahayanya, keanggunan yang lapang disorot oleh cahaya matahari yang mengalir melalui jendela besar. Interaksi bebas dan hidup dari elemen-elemen ini beraksen oleh penggunaan plester dekoratif, penyepuhan, dan patung dan mural dinding dan langit-langit yang mewah.
Dari tahun 1720-an dan seterusnya, de Wit menikmati aliran komisi yang stabil, publik dan swasta. Dia menciptakan banyak lukisan langit-langit dan dinding di mana dia memasukkan grisaille, lukisan abu-abu dan putih yang memberikan ilusi tiga dimensi, atau relief. Dia menyebut grisailles-nya "witjes"—sebuah permainan kata Belanda untuk "putih" dan nama keluarganya. Interior yang terkenal termasuk Balai Kota Amsterdam (sekarang Istana Kerajaan), yang ia hias dengan lukisan monumental Moses Choosing the Seventy Elders (1737) dan sekitar 13 lukisan grisaille subjek dari Alkitab Ibrani. Pada tahun 1738 ia menghiasi Aula Alderman di Balai Kota Tua Den Haag dengan lukisan langit-langit yang dibingkai oleh putti alegoris (Kebebasan, Industri, Kesederhanaan, dan Ketabahan) yang dilakukan di grisaille di empat sudut. Karya penting lainnya oleh de Wit adalah lukisan interior untuk tempat tinggal pribadi, seperti seri lima lukisannya tentang kisah Jefta di alamat Amsterdam Herengracht 168, sebuah tempat tinggal yang pada abad ke-21 adalah museum teater.Komisi swasta lainnya termasuk Flora dan Zephyr (1743) dan Apollo dan Four Seasons (1750), keduanya dibuat untuk rumah-rumah di sepanjang kanal Herengracht di Amsterdam. Gambar dan studi minyak untuk interiornya serta kanvas tidak lagi in situ ditemukan dalam koleksi di seluruh Eropa dan Amerika Utara.
Jean-Antoine Houdon, (lahir 20 Maret 1741, Versailles, Prancis—meninggal 15 Juli 1828, Paris), pematung Prancis yang karya keagamaan dan mitologisnya merupakan ekspresi definitif dari gaya patung Rococo abad ke-18. Unsur-unsur klasisisme dan naturalisme juga terbukti dalam karyanya, dan kejelasan yang dengannya ia mengekspresikan fisiognomi dan karakter menempatkannya di antara pematung potret terbesar dalam sejarah.
Houdon mulai memahat pada usia sembilan tahun dan menjalani pelatihan panjang yang ditentukan oleh Académie Royale. Pada 1761 ia memenangkan Prix de Rome, dan sementara di Roma (1764-68) ia membangun reputasinya dengan patung marmer besar St. Bruno (1767) dan studi anatomi seorang pria yang terkelupas, L'Écorché (1767), yang memberinya ketenaran langsung dan kemudian berfungsi sebagai dasar untuk replika yang banyak digunakan untuk instruksi.
Houdon menciptakan empat patung Voltaire yang berbeda selain sosok duduk terkenal di Commédie-Française, di mana pematung membuat studi pertama sesaat sebelum kematian filsuf tua pada tahun 1778. Lima minggu kemudian, setelah mendengar kematian Jean-Jacques Rousseau, Houdon bergegas ke rumah filsuf di Ermenonville dan mengambil wajah orang mati, dari mana ia mengembangkan patung perunggu yang sekarang ada di Louvre. Pada tahun 1785 Houdon menyeberangi Atlantik untuk melaksanakan komisi untuk patung George Washington. Beberapa minggu yang dihabiskan di rumah Washington di Mount Vernon sudah cukup baginya untuk menyelesaikan studinya, yang dia bawa kembali ke Prancis. Patung marmer, ditandatangani dan bertanggal 1788, didirikan di ibukota negara bagian Virginia di Richmond pada 1796.
Houdon mencontoh patung-patungnya di tanah liat, meskipun versi selanjutnya mungkin dari marmer, perunggu, atau plester. Seorang teknisi terampil di semua media ini, Houdon bertanggung jawab penuh atas pengulangan atau membatasi dirinya untuk menyelesaikan pekerjaan asistennya. Dia lebih suka mempertahankan tanda alat di patungnya daripada memolesnya, memilih untuk menyarankan rasa kesegaran dalam eksekusi yang sesuai dengan kepeduliannya akan pose karakteristik dan untuk efek pandangan langsung dan jelas.
Karya mitologi Houdon yang paling terkenal adalah patung Diana yang kenyal dan elegan, pertama kali ditampilkan pada tahun 1777, meskipun tidak di Salon—mungkin untuk menghindari pertanyaan tentang kesopanan karena perlakuan jujur sang seniman terhadap sosok yang tidak diperkosa seukuran aslinya. Di Salon tahun 1791 Houdon memamerkan patung- patung marquis de Lafayette, Benjamin Franklin, comtede Mirabeau, bankir Jacques Necker, dan astronom J.-S. Bailly. PrestiseHoudon berlanjut selama turbulensi Revolusi Prancis dan era Napoleon. Namun, setelah kejatuhan Kekaisaran Prancis pada tahun 1815, ia pingsan karena mode untuk sementara waktu.
David Roentgen, (lahir 11 Agustus 1743—meninggal 12 Februari 1807, Wiesbaden, Kadipaten Nassau), pembuat lemari untuk Ratu Marie-Antoinette dari Prancis; di bawah arahannya bengkel keluarga di Neuwied (dekat Cologne), yang didirikan oleh ayahnya, Abraham Roentgen, mungkin menjadi perusahaan produksi furnitur paling sukses di abad ke-18.
Setelah menggantikan ayahnya sebagai kepala bengkel Neuwied pada tahun 1772, Roentgen berusaha untuk memperluas klien mereka, sebuah ambisi yang membawanya pertama ke Hamburg dan akhirnya ke Paris (1774), di mana pada tahun 1779 dia secara spektakuler berhasil menjual furnitur terbaiknya kepada Raja Louis XVI dari Prancis seharga £3,300 hingga £4,000, jumlah yang belum pernah terjadi sebelumnya untuk saat itu.
Diangkat sebagai pembuat kabinet untuk ratu, Roentgen diberikan penerimaan (1780) asmaître-ébéniste (pembuat kabinet utama) ke perusahaan perdagangan pembuat kabinet Paris, sehingga memungkinkan dia untuk menyimpan stok furnitur yang diproduksi di Neuwied di Paris. Dengan demikian dia mampu bersaing dengan pembuat kabinet hebat seperti Jean-Henri Riesener dan Adam Weisweiler, konon mantan muridnya di Neuwied. Setelah kunjungan pertamanya ke St. Petersburg, Permaisuri Catherine II yang Agung membeli furniturnya dalam jumlah besar; Raja Frederick William II dari Prusia juga kliennya. Ketika pada tahun 1795 tentara Revolusioner Prancis mengancam akan menyeberangi Rhine, Roentgen mengevakuasi pendiriannya dan memindahkan stoknya lebih jauh ke pedalaman. Sayangnya, dia kehilangan segalanya di salon Paris dan di bengkel Neuwied-nya, keduanya dipecat oleh pasukan Republik. Dia hancur, meskipun dia ditunjuk sebagai furnisher istana untuk raja Prusia. Meskipun dia tidak pernah berhasil memulai produksi lagi, mantan magangnya yang dia bantu bangun di kota-kota Jerman Berlin (David Hacker) dan Brunswick (Christian Härder) berhasil.
Roentgen telah memulai karirnya dengan melanjutkan dan mengembangkan furnitur Rococo yang diperkenalkan ayahnya. Furnitur gaya "Prancis"-nya ditandai dengan garis melengkung, terkadang dihiasi dengan ukiran yang kaya. Lemari "Inggris"-nya didasarkan pada elemen-elemen yang berasal dari tahun-tahun awal Raja George III dan kadang-kadang dipengaruhi oleh produsen furnitur terkenal Thomas Chippendale. Kedua tipe nasional sering dihiasi dengan tatahan kaya pesona dan keanggunan yang luar biasa yang terdiri dari berbagai kayu, beberapa diwarnai dan dibuat untuk membentuk komposisi figural dan bunga, seringkali dengan cara chinoiserie (motif Cina). Antara 1775 dan 1780 Roentgen meninggalkan gaya sebelumnya demi bentuk klasik yang kaku, efeknya sering didasarkan pada mahoni yang kontras dengan applique perunggu yang kaya, diwakili dalam secretaire gabungan monumental dan kabinet medali sekitar 1785-89. Bengkelnya menikmati perangkat mekanis, bakat karakteristik yang dimulai oleh ayahnya, yang membuat laci dan cermin muncul dan menghilang dengan menekan rilis tersembunyi; Peter Kinzing menemukan banyak gadget ini dan menyediakan bengkel dengan jam.
Seni neoklasik, juga disebut Neoklasikisme dan Klasisisme, gerakan yang luas dan berpengaruh dalam lukisan dan seni visual lainnya yang dimulai pada 1760-an, mencapai puncaknya pada 1780-an dan 90-an, dan berlangsung hingga 1840-an dan 50-an. Dalam lukisan itu umumnya mengambil bentuk penekanan pada desain linier yang keras dalam penggambaran tema dan materi pelajaran Klasik, menggunakan pengaturan dan pakaian yang benar secara arkeologis. Neoklasikisme dalam seni adalah sikap estetika yang didasarkan pada seni Yunani dan Roma di zaman kuno, yang membangkitkan harmoni, kejelasan, pengekangan, universalitas, dan idealisme. Dalam konteks tradisi, Klasikisme mengacu pada seni yang diproduksi di zaman kuno atau seni kemudian yang terinspirasi oleh zaman kuno, sementara Neoklasikisme selalu mengacu pada seni yang diproduksi kemudian tetapi terinspirasi oleh zaman kuno. Seniman yang mengklasikkan cenderung lebih memilih kualitas yang agak lebih spesifik, yang mencakup garis di atas warna, garis lurus di atas kurva, frontalitas dan komposisi tertutup di atas komposisi diagonal ke ruang dalam, dan umum di atas yang khusus.
Neoklasikisme muncul sebagian sebagai reaksi terhadap gaya Rococo yang sensual dan sembrono dekoratif yang telah mendominasi seni Eropa sejak tahun 1720-an. Tetapi stimulus yang bahkan lebih mendalam adalah minat baru dan lebih ilmiah dalam zaman kuno Klasik yang muncul pada abad ke-18. Neoklasikisme diberi dorongan besar oleh penemuan arkeologi baru, khususnya eksplorasi dan penggalian kota-kota Romawi yang terkubur di Herculaneum dan Pompeii (penggalian yang dimulai masing-masing pada tahun 1738 dan 1748). Dan, dari dekade kedua abad ke-18, sejumlah publikasi berpengaruh oleh Bernard de Montfaucon, Giovanni Battista Piranesi, thecomte de Caylus, dan antik Robert Wood memberikan pandangan terukir dari monumen Romawi dan barang antik lainnya dan semakin mempercepat minat di masa lalu Klasik. Pemahaman baru yang disuling dari penemuan dan publikasi ini pada gilirannya memungkinkan para sarjana Eropa untuk pertama kalinya untuk membedakan periode kronologis yang terpisah dan berbeda dalam seni Yunani-Romawi, dan rasa baru dari pluralitas gaya kuno ini menggantikan pemujaan seni Romawi yang lebih tua dan tidak memenuhi syarat dan mendorong minat yang muncul pada barang antik murni Yunani. Tulisan dan teori canggih sarjana Jerman Johann Joachim Winckelmann sangat berpengaruh dalam hal ini. Winckelmann melihat dalam patung Yunani "kesederhanaan yang mulia dan kemegahan yang tenang" dan memanggil seniman untuk meniru seni Yunani. Dia mengklaim bahwa dengan melakukan itu seniman seperti itu akan mendapatkan penggambaran ideal dari bentuk-bentuk alami yang telah dilucuti dari semua aspek sementara dan individualistik, dan gambar mereka dengan demikian akan mencapai makna universal dan pola dasar.
Neoklasikisme seperti yang dimanifestasikan dalam lukisan pada awalnya tidak berbeda secara gaya dari Rococo Prancis dan gaya lain yang mendahului itu. Ini sebagian karena, padahal arsitektur dan patung mungkin dimodelkan pada prototipe di media ini yang benar-benar bertahan dari zaman Klasik kuno, beberapa lukisan Klasik yang bertahan adalah karya kecil atau hanya ornamen—sampai, yaitu, penemuan yang dibuat di Herculaneum dan Pompeii. Pelukis Neoklasik paling awal adalah Joseph-Marie Vien, Anton Raphael Mengs, Pompeo Batoni, Angelica Kauffmann, dan Gavin Hamilton, Seniman-seniman itu aktif selama tahun 1750-an, 60-an, dan 70-an. Masing-masing pelukis itu, meskipun mereka mungkin telah menggunakan pose dan pengaturan figural dari patung kuno dan lukisan vas, sangat dipengaruhi oleh tren gaya sebelumnya. Sebuah karya Neoklasik awal yang penting seperti Mengs Parnassus (1761) berutang banyak inspirasinya pada Klasikisme abad ke-17 dan Raphael untuk pose figurnya dan komposisi umumnya. Banyak lukisan awal seniman Neoklasik Benjamin West mendapatkan komposisi mereka dari karya Nicolas Poussin, dan subjek sentimental Kafuffmann yang mengenakan pakaian antik pada dasarnya Rococo dalam kecantikan dekoratifnya yang lembut. Hubungan erat Mengs dengan Winckelmann menyebabkan dia dipengaruhi oleh keindahan ideal yang paling banyak diuraikan, tetapi langit-langit gereja dan istana yang didekorasi oleh Mengs lebih banyak berutang pada tradisi Barok Italia yang ada daripada apa pun yang Yunani atau Romawi.
Gaya lukisan Neoklasik yang lebih ketat muncul di Prancis pada 1780-an di bawah kepemimpinan Jacques-Louis David. Dia dan Jean-François-Pierre Peyron kontemporernya tertarik pada lukisan naratif daripada keanggunan ideal yang mempesona Mengs. Tepat sebelum dan selama Revolusi Prancis, ini dan pelukis lainnya mengadopsi materi pelajaran moral yang mengaduk dari sejarah Romawi dan merayakan nilai-nilai kesederhanaan, penghematan, kepahlawanan, dan kebajikan tabah yang secara tradisional dikaitkan dengan Republik Romawi, sehingga menggambar paralel antara waktu itu dan perjuangan kontemporer untuk kebebasan di Prancis. Lukisan sejarah David Sumpah Horatii (1784) dan Lictors Bringing to Brutus the Bodies of His Sons (1789) menampilkan gravitasi dan kesopanan yang berasal dari tragedi Klasik, kualitas gerakan retoristertentu, dan pola gorden yang dipengaruhi oleh patung kuno. Sampai batas tertentu elemen-elemen ini diantisipasi oleh seniman Inggris dan Amerika seperti Hamilton dan West, tetapi dalam karya-karya David konfrontasi dramatis dari tokoh-tokoh itu lebih starker dan dalam profil yang lebih jelas pada bidang yang sama, pengaturannya lebih monumental, dan gerakan komposisi diagonal, pengelompokan besar tokoh-tokoh, dan tirai Barok yang bergejolak hampir seluruhnya ditolak. Gaya ini sangat keras dan tanpa kompromi, dan tidak mengherankan bahwa itu dikaitkan dengan Revolusi Prancis (di mana David berpartisipasi aktif).
Neoklasikisme seperti yang umumnya dimanifestasikan dalam lukisan Eropa pada tahun 1790-an menekankan kualitas garis besar dan desain linier di atas warna, suasana, dan efek cahaya. Ukiran patung Klasik dan lukisan vas Yunani yang disebarluaskan secara luas membantu menentukan bias itu, yang terlihat jelas dalam ilustrasi garis besar yang dibuat oleh pematung Inggris John Flaxman pada 1790-an untuk edisi karya Homer, Aeschylus, dan Dante. Ilustrasi-ilustrasi itu terkenal karena penyederhanaan tubuh manusia yang drastis dan kuat, penyangkalan ruang bergambar mereka, dan pengaturan panggung minimal mereka. Linearitas keras ketika menggambarkan bentuk manusia diadopsi oleh banyak seniman figural Inggris lainnya, termasuk Henry Fuseli dan William Blake yang lahir di Swiss.
Pelukis neoklasik sangat mementingkan menggambarkan kostum, pengaturan, dan detail materi pelajaran Klasik mereka dengan akurasi historis sebanyak mungkin. Ini bekerja cukup baik ketika menggambarkan insiden yang ditemukan di halaman Homer, tetapi itu menimbulkan pertanyaan apakah pahlawan modern atau orang terkenal harus digambarkan dalam pakaian Klasik atau kontemporer. Masalah ini tidak pernah diselesaikan dengan memuaskan, kecuali mungkin dalam potret David yang sangat menggugah dari pengasuh yang mengenakan pakaian antik yang modis, seperti dalam Potret Madame Récamier (1800)-nya.
Sejarah dan mitologi klasik menyediakan sebagian besar materi pelajaran dari karya Neoklasik. Puisi Homer, Virgil, dan Ovid, drama Aeschylus, Sophocles, dan Euripides, dan sejarah yang dicatat oleh Pliny, Plutarch, Tacitus, dan Livy menyediakan sebagian besar sumber Klasik, tetapi sumber tunggal yang paling penting adalah Homer. Untuk penekanan sastra umum ini ditambahkan minat yang berkembang pada sumber abad pertengahan, seperti puisi pseudo-Celtic dari Ossian, serta insiden dari sejarah abad pertengahan, karya-karya Dante, dan kekaguman terhadap seni abad pertengahan itu sendiri pada orang-orang Giotto, Fra Angelico, dan lainnya. Memang, Neoklasik sangat berbeda dari pendahulu akademis mereka dalam kekaguman mereka terhadap seni Gotik dan Quattrocento secara umum, dan mereka berkontribusi terutama pada evaluasi ulang positif dari seni tersebut.
Akhirnya, perlu dicatat bahwa Neoklasikisme hidup berdampingan di sebagian besar perkembangannya kemudian dengan kecenderungan Romantisisme yang tampaknya berlawanan dan berlawanan. Tapi, jauh dari berbeda dan terpisah, kedua gaya ini berbaur satu sama lain dengan cara yang kompleks; banyak lukisan Neoklasik yang seolah-olah menunjukkan kecenderungan Romantis, dan sebaliknya. Situasi kontradiktif ini sangat jelas dalam karya-karya pelukis Neoklasik besar terakhir, Jean-Auguste-Dominique Ingres, yang melukis telanjang wanita Romantis yang sensual sambil juga menghasilkan lukisan sejarah yang linier dan agak tidak bernyawa dalam mode Neoklasik yang disetujui.
Gavin Hamilton—pelukis, arkeolog, dan dealer Skotlandia—menghabiskan sebagian besar kehidupan kerjanya di Roma, dan lukisannya mencakup dua seri kanvas besar dan berpengaruh dari subjek Homeric. West dan Kauffmann kelahiran Swiss- adalah peserta pameran karya sejarah yang paling konsisten di London selama tahun 1760-an. James Barry dan Fuseli juga penting. Blake, penyair dan pelukis, adalah seorang Neoklasikisme sampai batas tertentu.
Selain menjadi pelukis, Joseph-Marie Vien adalah teman arkeolog Caylus dan direktur Akademi Prancis di Roma. Generasi itu juga termasuk Jean-Baptiste Greuze, yang melukis beberapa subjek sejarah Klasik serta adegan-adegan dari kehidupan kontemporer yang paling dikenalnya; Louis-Jean-François Lagrenée the Elder, seperti Vien seorang direktur Akademi Prancis di Roma; dan Nicolas-Guy Brenet.
Yang luar biasa dan paling berpengaruh dari semua Neoklasikisme Prancis dan salah satu seniman besar di Eropa adalah murid Vien Jacques-Louis David. Karya-karya awal David pada dasarnya adalah Rococo, dan karya-karya terakhirnya juga kembali ke tipe awal abad ke-18. Ketenarannya sebagai seorang Neoklasikis bertumpu pada lukisan tahun 1780-an dan 90-an. Setelah memenangkan Prix de Rome dari Akademi Prancis pada tahun 1774 (penting dalam sejarah lukisan Prancis karena diberikan tinggal di Roma, di mana para pemenang mempelajari lukisan Italia secara langsung), dia berada di kota itu pada tahun 1775-81, dan dia kembali ke sana pada tahun 1784 untuk melukis Sumpah Horatii. Orang-orang sezaman David dan hampir kontemporer termasuk Jean-Germain Drouais, yang lukisan sejarahnya hampir menyamai lukisan David sendiri dalam tingkat keparahan dan intensitas.
Generasi pelukis yang sedikit lebih muda termasuk Jean-Baptiste Regnault, Louis-Léopold Boilly, dan Louis Gauffier. Mereka diikuti oleh kelompok yang lebih penting termasuk Pierre-Paul Prud'hon, yang memadukan dalam lukisannya Classicisme ringan dan suasana liris dan cahaya lembut Correggio. Prud'hon dilindungi oleh permaisuri Josephine dan Marie-Louise. Baron Pierre-Narcisse Guérin melukis dengan gaya yang dekat dengan Neoklasikisme David, meskipun dia bukan salah satu murid David.
Dari murid David, tiga menjadi terkenal dan satu menjadi sangat terkenal. Baron François-Pascal-Simon Gérard memiliki reputasi tinggi sebagai potret di bawah Napoleon dan Louis XVIII. Antoine-Jean Gros mengeksekusi banyak kanvas besar Napoleon dan setelah kematian David adalah Neoklasik terkemuka di Prancis. Anne-Louis Girodet memenangkan Prix de Rome tetapi berhenti melukis setelah 1812 ketika dia mewarisi kekayaan dan beralih ke menulis. Murid yang terkenal adalah Ingres, yang penting sebagai Neoklasik dalam lukisan subjeknya tetapi tidak dalam potretnya.
Anton Raphael Mengs lahir di Aussig di Bohemia (modern Ústí nad Labem, Republik Ceko) pada tahun 1728, putra pelukis istana di sana. Dia sendiri ditunjuk sebagai pelukis pengadilan Dresden pada tahun 1745. Pada tahun 1755 ia bertemu Winckelmann, dan kemudian ia menjadi tokoh terkemuka di kalangan Neoklasik Romawi. Mengs penting baik sebagai pelukis maupun sebagai ahli teori. Selain dia, kontribusi utama Jerman dan Austria terhadap Neoklasikisme bersifat teoretis, tidak praktis. Neoklasik awal termasuk Cristoph Unterberger; Anton von Maron, yang menikah dengan saudara perempuan Mengs; dan Friedrich Heinrich Füger. Setelah Unterberger, pelukis yang paling menarik adalah Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, yang mengeksekusi potret dan potongan subjek. Dia adalah direktur akademi seni di Naples dan mengawasi publikasi ukiran vas Yunani dalam koleksi Sir William Hamilton, duta besar Inggris untuk Naples, yang merupakan penikmat terkenal.
Pelukis Jerman Asmus Jacob Carstens bekerja di Berlin dan menjadi profesor di Akademi Berlin. Anggota lingkaran artistiknya termasuk pelukis Karl Ludwig Fernow, Eberhard Wächter, Joseph Anton Koch (yang paling menonjol dari kelompok Jerman ini), dan Gottlieb Schick.
Salah satu Neoklasik paling awal, dan salah satu pelukis terkemuka dari generasinya di Italia, adalah Pompeo Batoni. Gayanya memadukan Rococo dengan elemen Neoklasik, dan karyanya mencakup potongan subjek Klasik serta potret dalam pakaian kontemporer, pengasuh berpose dengan patung dan guci antik dan terkadang di tengah reruntuhan. Pelukis Domenico Corvi dipengaruhi oleh Batoni dan Mengs dan penting sebagai guru dari tiga Neoklasikis terkemuka generasi berikutnya: Giuseppe Cades, Gaspare Landi, dan Vincenzo Camuccini. Seniman-seniman ini sebagian besar bekerja di Roma, dua yang pertama membuat reputasi sebagai potret, Landi terutama terkenal karena kelompok kontemporer yang baik.
Roma memang kota di mana pelukis utama Italia dari periode Neoklasik paling aktif. Salah satunya adalah Felice Giani, yang banyak dekorasinya termasuk istana Napoleon di sana dan di tempat lain di Italia (terutama Faenza) dan di Prancis.
Pelukis penting di luar Roma termasuk Andrea Appiani the Elder di Milan, yang menjadi pelukis resmi Napoleon dan mengeksekusi beberapa lukisan dinding terbaik di Italia utara. Dia juga seorang potret yang baik. Salah satu muridnya adalah Giuseppe Bossi. Pelukis Lombard terkemuka lainnya adalah Giovanni Battista dell'Era, yang lukisan encausticnya dibeli oleh Catherine the Great dan lainnya. Contoh bagus lainnya dari skema dekoratif Neoklasik di luar Roma adalah di Florence di Istana Pitti oleh Florentine Luigi Sabatelli dan oleh Pietro Benvenuti, yang lahir di Arezzo, dan di Venesia di Basilika San Marco oleh Giuseppe Borsato, yang lahir di kota itu dan merupakan pelukis dan arsitek. Neoklasik utama di selatan adalah orang Sisilia Giuseppe Velasco, yang membuat lukisan dinding penting di istana di Palermo, dan Giuseppe Errante.
Pelukis utama Denmark yang menghasilkan karya Neoklasik asli adalah Nicolai Abraham Abildgaard. Pelukis Denmark lainnya termasuk murid Abildgaard dan David Christoffer Wilhelm Eckersberg. David sangat berpengaruh di Brussels, di mana dia pensiun terlambat. Lukisan muridnya dari Belgia François-Joseph Navez, misalnya, adalah Neoklasikisme Prancis murni. Dua seniman Neoklasik utama di Belanda adalah Humbert de Superville dan Jan Willem Pieneman. Neoklasikis utama di Spanyol adalah José de Madrazo y Agudo.
Investigasi arkeologis dari dunia Mediterania Klasik ditawarkan kepada cognoscenti abad ke-18 yang meyakinkan sebagai saksi keteraturan dan ketenangan seni Klasik dan memberikan latar belakang yang pas untuk Pencerahan dan Zaman Alasan. Bentuk dan tema antik yang baru ditemukan dengan cepat menemukan ekspresi baru.
Penggalian yang berhasil berkontribusi pada pertumbuhan cepat koleksi patung antik. Pengunjung asing ke Italia mengekspor kelereng yang tak terhitung jumlahnya ke seluruh bagian Eropa atau mempekerjakan agen untuk membangun koleksi mereka. Aksesibilitas patung kuno, di museum dan rumah pribadi dan juga melalui ukiran dan gips, memiliki pengaruh formatif yang luas pada lukisan dan patung abad ke-18. Sebagian besar patung kuno yang dikumpulkan adalah Romawi, meskipun banyak dari mereka disalin dari aslinya Yunani dan diyakini sebagai Yunani.
Dalam tulisan Johann Joachim Winckelmann, seni Yunani dianggap jauh lebih unggul dari Romawi. Namun, sangat mengherankan betapa sedikit pengaruh positif dari kelereng yang dibawa Lord Elgin ke Inggris dari Parthenon di Athena pada patung di Eropa barat, meskipun mereka memiliki pengaruh besar pada para sarjana. Cita-cita patung Neoklasik—penekanannya pada kejelasan kontur, di tanah datar, tidak menyaingi lukisan baik dalam imitasi perspektif udara atau linier dalam kelegaan atau rambut terbang dan gorden yang berkibar dalam figur berdiri bebas—dii terutama terinspirasi oleh teori dan oleh karya neo-Attic Romawi, atau memang oleh seni pseudo-Archaik Romawi. Kelas seni yang terakhir memberikan pengaruh pada John Flaxman, yang sangat dikagumi karena gaya keras ukiran dan ukiran reliefnya.
Ahli teori akademis, terutama dari Prancis dan Italia selama abad ke-17, berpendapat bahwa ekspresi, kostum, detail, dan pengaturan sebuah karya harus sesesuai mungkin dengan subjek mereka. Neoklasikis abad ke-18 mewarisi teori "decorum" ini tetapi, memberikan preferensi pada cita-cita universal, alih-alih menerapkannya dalam bentuk terbatas—membagi semua tindakan dan ekspresi menjadi istirahat Klasik, mengidealkan wajah dan tubuh menjadi pahlawan Klasik, dan mengubah semua kostum, jika ada, menjadi pakaian ketat untuk menghindari referensi ke waktu singkat.
Serangkaian monumen untuk jenderal dan laksamana abad ke-18 dan awal abad ke-19 dari Perang Napoleon di St. Katedral Paul dan Westminster Abbey menunjukkan dilema penting yang dihasilkan: apakah seorang pahlawan atau orang terkenal harus digambarkan dalam kostum Klasik atau kontemporer. Banyak pematung bervariasi antara menunjukkan sosok-sosok berseragam dan menunjukkan mereka benar-benar telanjang. Konsep pahlawan modern dalam pakaian antik milik tradisi teori akademik, dicontohkan oleh pelukis Inggris Sir Joshua Reynolds dalam salah satu Royal Academy Discourses-nya:
Keinginan untuk mentransmisikan kepada anak cucu bentuk pakaian modern harus diakui untuk dibeli dengan harga yang luar biasa, bahkan harga segala sesuatu yang berharga dalam seni.
Bahkan pahlawan yang hidup dapat diidealkan sepenuhnya telanjang, seperti dalam dua figur berdiri kolosal Napoleon (1808–11) oleh pematung Italia Antonio Canova. Salah satu patung Neoklasik yang paling terkenal adalah Canova'sPaolinaBorghese Bonaparte sebagai Venus Victrix (1805–08). Dia ditampilkan telanjang, terbungkus ringan, dan berbaring dengan sensual di sofa—baik potret kontemporer yang menawan maupun Venus antik yang diidealkan.
Hubungan dengan Barokdan Rococo
Teori akademis klasik yang beredar di Renaissance, terutama pada abad ke-17, menyukai barang antik dan para seniman yang mengikuti tradisi itu. Para seniman yang dipuji termasuk Raphael, Michelangelo, Giulio Romano, dan Annibale Carracci. Generasi penulis yang sedikit kemudian menambahkan nama pelukis Prancis Nicolas Poussin ke dalam daftar. Kegembiraan dan "kejahatan" dari Barok harus dihindari, itu diperdebatkan, karena mereka mengarah pada karya-karya "barbar" dan "jau". Melanjutkan tradisi ini, Winckelmann, misalnya, berpendapat bahwa pematung dan arsitek Barok Italia Gian Lorenzo Bernini telah "disalahpatkan" dengan mengikuti alam.
Permusuhan terhadap karya-karya Barok, bagaimanapun, tidak segera menghilangkan pengaruh mereka pada seniman abad ke-18, seperti yang dapat dilihat dalam karya awal Canova, Daedalus dan Icarus (1779), dieksekusi sebelum dia pergi ke Roma. Di makam Canova PopeClement XIV (1784–87; Santi XII Apostoli basilika, Roma), paus, duduk di atas takhta di atas sarkofagus, diperlakukan dengan gaya yang sangat realistis dengan tangan terangkat dalam gerakan kuat yang mengingatkan pada makam kepausan abad ke-17.
Meskipun para seniman dan penulis Neoklasik menyatakan penghinaan terhadap apa yang mereka anggap sebagai aspek sembrono dari Rococo, ada pengaruh kuat Rococo Prancis pada gaya awal beberapa pematung Neoklasik. Étienne-Maurice Falconet, Flaxman, dan Canova semuanya mulai mengukir dan memodelkan kecenderungan Rococo, yang kemudian secara bertahap diubah menjadi elemen yang lebih Klasik.
Kritikus permusuhan dari patung Neoklasik cenderung membandingkan karya-karya seperti itu dengan "lembah tulang kering." Beberapa seniman dan ahli teori salah memahami advokasiWinckelmann dan sekolahnya untuk meniru seni kuno. Maksud Winckelmann—seperti halnya para ahli teori abad ke-17 sebelum dia, dan penulis seperti Shaftesbury dan Jonathan Richardson, yang sangat mempengaruhinya—beriru menjadi sarana untuk menemukan keindahan ideal dan menyampaikan semangat aslinya. Dia tidak menganjurkan penyalinan barang antik yang hamba atau menghilangkan kefasihan tindakan persuasif dan ekspresi yang intens. Sayangnya, salinan tanpa semangat dibuat, dan ini mengarah pada klasifikasi karya idealis sebagai "dingin." Dalam patung beberapa komisi penting sayangnya menghasilkan konsep Neoklasikisme yang tak bernyawa ini. Di antara contohnya adalah kelereng besar Kristus dan Para Rasul (1821–42) dan perunggu St. Yohanes Pembaptis (1822) oleh pematung Denmark Bertel Thorvaldsen di Gereja Our Lady, Kopenhagen. Kelereng Thorvaldsen, tidak seperti Canova, sama netralnya dengan model plester; memang, permukaan patung itu sengaja dibiarkan netral.
Gerakan dan emosi dalam karya Neoklasik biasanya ditahan untuk mengutamakan ketenangan, kebangsawanan spiritual, dan keindahan. Dalam adegan bacchanalian, keriangan ditahan di cek, tidak pernah meledak menjadi kegembiraan. Dalam adegan tragis, Andromache tidak meneteskan air mata saat dia berduka atas kematian Hector. Ketika Flaxman memang mencoba teror, seperti dalam marmer The Fury of Athamas (1790–94), kekerasan itu tampaknya dipaksakan dan tidak meyakinkan. Memang, ada dalam patung Neoklasik hampir tidak ada gambar kemarahan yang meyakinkan. Konsep ketenangan antik meresapi seni Eropa. Canova, dengan Hercules dan Lichas-nya (1796), menghasilkan marmer besar ekspresi berlebihan di luar jangkauan normalnya dan, sampai batas tertentu, di luar kemampuannya. Seperti Flaxman, dia jauh lebih sukses ketika mengukir gambar ekspresi halus, yang bahkan juara gairah Romantis bertepuk tangan sebagai tujuan untuk patung, sebuah seni di mana mereka menganjurkan kehalusan ekspresif yang memicu imajinasi. Penonton yang sensitif, menurut mereka, akan menemukan ekspresi yang kuat dan aktivitas yang kuat dalam patung monumental yang berdiri bebas yang tidak logis (yaitu, marmer tidak boleh menggeliat atau terbang) dan teater yang kisi-kisi.
Pematung Neoklasik Inggris awal yang terkenal termasuk John Wilton, Joseph Nollekens, John Bacon the Elder, John Deare, dan Christopher Hewetson—dua yang terakhir bekerja sebagian besar di Roma. Seniman terkemuka dari generasi muda adalah John Flaxman, profesor patung di Royal Academy dan salah satu dari sedikit seniman Inggris pada periode tersebut dengan reputasi internasional. Generasi terakhir Neoklasik termasuk pematung Sir Richard Westmacott, John Bacon the Younger, Sir Francis Chantrey, Edward Hodges Baily, John Gibson, dan William Behnes.
Sementara Neoklasikisme di Prancis didominasi oleh lukisan dan arsitektur, gerakan itu memang menemukan sejumlah eksponen terkenal dalam patung. Ini termasuk Claude Michel, yang disebut Clodion, pencipta banyak tokoh Klasik kecil yang ekspresif dengan jelas, terutama nimfa; Augustin Pajou; dan Pierre Julien. Murid Pigalle Jean-Antoine Houdon adalah pematung Prancis abad ke-18 yang paling terkenal, menghasilkan banyak tokoh Klasik dan potret kontemporer dengan cara patung antik. Pematung kontemporer lainnya termasuk Louis-Simon Boizot dan Étienne-Maurice Falconet, yang merupakan direktur patung di pabrik Sèvres. Generasi yang sedikit lebih muda termasuk pematung Joseph Chinard, Joseph-Charles Marin, Antoine-Denis Chaudet, dan Baron François-Joseph Bosio. Patung awal François Rude kontemporer Ingres yang terkenal adalah Neoklasik.
Eropa Tengah
Penting di antara pematung Eropa tengah di awal periode adalah Johann Heinrich von Dannecker. Neoklasik berikutnya termasuk Gottfried Schadow, yang juga seorang pelukis tetapi lebih dikenal sebagai pematung; muridnya, pematung Christian Friedrich Tieck; pelukis dan pematung Martin von Wagner; dan pematung Christian Daniel Rauch.
Neoklasikis Italia yang paling penting adalah Antonio Canova, pematung terkemuka—memang, sejauh ini seniman paling terkenal dalam bentuk apa pun—di Eropa pada akhir abad ke-18. Posisi Canova dalam 20 tahun ke depan dapat dibandingkan hanya dengan yang dinikmati oleh Bernini di abad ke-17. Perbedaan antara karir mereka, bagaimanapun, sangat penting. Hanya pada awal karirnya Bernini mengukir patung galeri untuk kolektor pangeran, tetapi sebagian besar karya Canova termasuk dalam kategori ini. Kedua seniman tetap tinggal di Roma untuk sebagian besar hidup mereka, tetapi, sementara Bernini dikendalikan oleh para paus dan hanya jarang diizinkan untuk bekerja untuk penguasa asing, pelanggan utama Canova adalah orang asing, dan dia memasok patung ke semua pengadilan Eropa. Seorang pematung yang baik dengan berbagai gaya, termasuk keras, sentimental, dan mengerikan, Canova menghasilkan karya yang luas yang mencakup kelompok dan dekorasi Klasik, makam, dan potret, banyak dalam pakaian antik. Murid dan kolaboratornya Antonio d'Este adalah salah satu pematung Neoklasik Italia yang lebih menarik. Pematung Neoklasik lainnya di Roma termasuk Giuseppe Angelini, yang terkenal dengan makam pengamen dan arsitek Giovanni Battista Piranesi di gereja Santa Maria del Priorato, Roma.
Di Milan, Camillo Pacetti mengarahkan dekorasi pahatan Arco della Pace. Karya Gaetano Monti, lahir di Ravenna, dapat dilihat di banyak gereja Italia utara. Pematung Tuscan Lorenzo Bartolini mengeksekusi beberapa komisi Napoleon yang penting.Amal marmer adalah salah satu contoh yang lebih terkenal dari Neoklasikismenya yang kemudian. Perlu dicatat, bagaimanapun, bahwa dia tidak melihat dirinya sebagai seniman Neoklasik dan bahwa dia menantang idealisme yang disukai oleh Canova dan para pengikutnya.
Denmark dan Swedia
Swedia Johan Tobias Sergel, pematung istana untuk raja Swedia Gustav III, dan Dane Bertel Thorvaldsen, yang menjalani sebagian besar hidupnya di Roma, termasuk di antara pematung Neoklasik paling terkenal di Eropa. Thorvaldsen adalah saingan utama Canova dan akhirnya menggantikannya dengan bantuan kritis. Karyanya lebih parah, kadang-kadang bahkan archaizing, dalam karakter, dan patung religiusnya, terutama sosok besar Kristus di Gereja Our Lady di Kopenhagen, menunjukkan gaya sublimlim yang sengaja dingin yang masih menunggu penilaian ulang simpatik. Di antara murid-muridnya yang lebih terkenal adalah pematung Swedia Johan Byström.
Rusia
Kedua Neoklasikis Rusia terkemuka adalah pematung. Ivan Petrovich Martos belajar di bawah Mengs, Thorvaldsen, dan Batoni di Roma dan menjadi direktur St. Akademi Petersburg. Karya terbaiknya adalah makam. Mikhail Kozlovsky berkontribusi pada dekorasi ruang tahta di Pavlovsk.
Terlepas dari pelukis Benjamin West, yang bekerja hampir seluruhnya di London, Neoklasikis terkemuka di antara seniman Amerika adalah pematung. William Rush menghasilkan tokoh-tokoh Klasik yang berdiri, termasuk yang sebelumnya mendekorasi saluran air di Philadelphia. Pada tahun-tahun pertengahan abad ke-19, ada empat pematung yang terkenal: Horatio Greenough, yang mengeksekusi beberapa komisi pemerintah di Washington, D.C. ; Hiram Powers, yang dikenal terutama karena patung potretnya; Thomas Crawford, yang melakukan patung monumental; dan William Wetmore Story, yang tinggal dan bekerja di Roma, di mana ia dikaitkan dengan beberapa orang Amerika abad ke-19 terkemuka lainnya. Lingkaran pematung wanita Amerika yang bekerja dengan gaya Neoklasik muncul di Roma pada abad ke-19 juga—di antaranya Harriet Hosmer, Anne Whitney, dan Edmonia Lewis.
Bertel Thorvaldsen, Thorvaldsen juga mengeja Thorwaldsen, (lahir 19 November 1770, atau 13 November 1768, Kopenhagen, Den.—meninggal 24 Maret 1844, Kopenhagen), pematung, menonjol pada periode Neoklasik, yang merupakan seniman Denmark pertama yang diakui secara internasional. Terkemuka di kalangan intelektual dan artistik Romawi, ia mempengaruhi banyak seniman baru dari Eropa dan Amerika Serikat.
Thorvaldsen adalah putra seorang pengukir kayu Islandia yang telah menetap di Denmark. Dia belajar di Akademi Kopenhagen dan memenangkan beasiswa perjalanan ke Roma, di mana dia menjalani sebagian besar hidupnya. Di Italia antusiasme yang berlaku untuk patung klasik sangat memicu imajinasinya sehingga dia kemudian merayakan tanggal kedatangannya pada tahun 1797 sebagai "ulang tahun Romawi"-nya. Keberhasilan model Thorvaldsen untuk patung Jason (1803) menarik perhatian pematung Italia Antonio Canova dan meluncurkan Thorvaldsen pada salah satu karir paling sukses di abad ke-19. Ketika dia kembali mengunjungi Kopenhagen pada tahun 1819, kemajuannya melalui Eropa, di Berlin, Warsawa, dan Wina, seperti prosesi kemenangan. Kembalinya dia dari Roma pada tahun 1838, ketika dia akhirnya memutuskan untuk menetap di Kopenhagen, dianggap sebagai peristiwa nasional dalam sejarah Denmark. Sebagian besar kekayaannya pergi ke sumbangan museum Neoklasik di Kopenhagen (dimulai pada tahun 1839), yang dirancang untuk menampung koleksi karya seninya, model untuk semua patungnya; atas keinginannya sendiri, Thorvaldsen akan dimakamkan di sana.
Sebagian besar patung Thorvaldsen yang paling khas adalah reinterpretasi dari tokoh atau tema zaman kuno klasik. Frieze Alexander tahun 1812 di Palazzo del Quirinale, Roma, yang dimodelkan hanya dalam tiga bulan untuk mengantisipasi kunjungan Napoleon, adalah contoh energi demam yang kadang-kadang bisa dia gunakan untuk bekerja. Patung-patung religius termasuk serangkaian patung Kristus dan Dua Belas Rasul yang kolosal (1821–27) di Vor Frue Kirke di Kopenhagen. Dia juga membuat banyak potret patung orang-orang sezaman yang terhormat.
Robert Adam, (lahir 3 Juli 1728, Kirkcaldy,Fife, Scot.—meninggal 3 Maret 1792, London, Eng.), arsitek dan desainer Skotlandia yang, bersama saudaranya James (1730-94), mengubah Neoklasikisme Palladian di Inggris menjadi gaya lapang, ringan, elegan yang menyandang nama mereka. Karya arsitektur utamanya termasuk bangunan umum (terutama di London), dan desainnya digunakan untuk interior rumah-rumah pedesaan seperti Syon House (1762-69) di Middlesex (sekarang diHounslow, London).
Kehidupan awal
Robert adalah putra kedua dari William Adam, arsitek Skotlandia terkemuka pada masanya. William, yang sebagai master mason untuk Dewan Ordnance di Inggris Utara mengawasi desain bangunan militer, juga merancang banyak rumah pedesaan dalam gaya Palladian konservatif—gaya Romawi klasik yang dimodifikasi yang awalnya dikembangkan oleh arsitek abad ke-16 Andrea Palladio. Anak-anak Adam tumbuh dalam suasana berbudaya keluarga abad ke-18 yang memiliki properti dan terhubung dengan baik. Tak lama setelah kelahiran Robert, keluarga itu pindah ke Edinburgh, di mana pada usia enam tahun ia masuk Sekolah Menengah Edinburgh. Pada 1743 ia mendaftar di Town's College (sekarang University of Edinburgh), tetapi pada 1745 ia meninggalkan studinya dan tahun berikutnya memasuki kantor ayahnya sebagai magang dan asisten.
William Adam meninggal pada tahun 1748, dan jabatan Dewan Persenjataannya diserahkan kepada putra sulungnya, John, yang mengambil Robert ke dalam kemitraan. Dalam beberapa tahun berikutnya keduanya diuntungkan dari kontrak menguntungkan yang dihasilkan dari penunjukan. Selain membangun Fort George di Moray Firth dekat Inverness, Adam bersaudara juga bertunangan untuk menyelesaikan interior rumah earl Hopetoun. Dalam interior mereka, saudara-saudara memperkenalkan ke Skotlandia gaya dekorasi baru, lebih ringan, hampir Rococo. Komisi pribadi penting lainnya tahun-tahun ini adalah Dumfries House, Ayrshire, untuk earl Dumfries.
Pengaruh Eropa
Pada tahun 1754 Robert Adam, yang pada saat itu menganggap dirinya bernilai £5.000, diundang untuk menemani Yang Terhormat Charles Hope, earl adik laki-laki Hopetoun, ke Italia. Dengan demikian dia memiliki kesempatan untuk mewujudkan mimpi yang telah dia selamatkan sejak kematian ayahnya, dan, sama pentingnya, dia memiliki keuntungan sosial bepergian dengan saudara seorang earl. Dia sangat peduli dengan bertemu bangsawan muda di luar negeri seperti dengan memperoleh lebih banyak pengetahuan arsitektur dari studi tentang monumen-monumen kuno Romawi. Surat-surat yang dia tulis kepada keluarganya selama bertahun-tahun di luar negeri menunjukkan Adam sebagai seorang pemuda yang sangat ambisius, seorang pendaki sosial yang sombong, namun masih seorang seniman yang berdedikasi.
Dia bertemu Hope di Brussels, dan mereka melanjutkan ke Paris, di mana Adam melengkapi dirinya dengan mode terbaru dan berangkat untuk "meletakkan stok kenalan baik yang mungkin berguna bagi saya di akhirat." Setelah kurang dari tiga minggu di Paris, mereka berangkat ke Italia melalui selatan Prancis, mengunjungi dalam perjalanan situs-situs Romawi kuno Arles, Nîmes, Pont du Gard, dan Montpellier. Mereka mencapai Genoa pada awal Januari 1755 dan melanjutkan ke Florence melalui Livorno. Sesampainya di akhir bulan, mereka langsung terjebak dalam pusaran sosial yang diharapkan Adam.
Saat di Florence, Adam bertemu dengan seorang pria yang memiliki pengaruh profesional yang penting padanya. Ini adalah arsitek dan juru gambar muda Prancis yang berbakat Charles-Louis Clérisseau, yang setuju untuk menemaninya sebagai instruktur dan juru gambar dalam tur. Clérisseau pernah menjadi mahasiswa di Akademi Prancis di Roma, tetapi dia pergi pada tahun 1754 setelah perselisihan dengan direkturnya. Sebagai hasil dari persahabatannya dengan Clérisseau, Adam bersentuhan dengan teori arsitektur avant-garde di Roma. Dia menulis:Saya berharap ide-ide saya sangat diperbesar dan selera saya terbentuk di atas fondasi yang kuat dari zaman kuno yang asli.
Clérisseau setuju untuk
Sajikan [dia] sebagai seorang antik...ajarkan [dia] perspektif dan gambar...[dan] berikan [dia] salinan dari semua [Clérisseau] studi barang antik, relief dan ornamen lainnya.
Adam meninggalkan Florence pada bulan Februari 1755 dan melakukan perjalanan ke Roma, di mana dia harus memilih apakah akan mengabdikan dirinya untuk masyarakat yang elegan atau arsitektur:
Jika saya dikenal di Roma sebagai seorang arsitek, jika saya terlihat menggambar atau dengan pensil di tangan saya, saya tidak bisa masuk ke perusahaan sopan yang tidak akan menerima seorang seniman atau, jika mereka mengakuinya, kemungkinan besar akan menghinanya untuk mencegahnya muncul di permainan kartu, bola, dan konser mereka.
Dia harus memutuskan:
Haruskah saya kehilangan Harapan dan perkenalan saya dengan yang hebat, atau haruskah saya kehilangan Clérisseau dan selera saya untuk yang agung?
Dia bertengkar dengan Hope, dan keduanya berpisah. Mengambil kamar untuk dirinya sendiri dan Clérisseau, Adam duduk untuk belajar serius, mengunjungi, membuat sketsa, dan mengukur monumen kuno. Di antara tokoh-tokoh penting yang dia temui di Roma adalah kolektor seni Kardinal Giuseppe Albani dan pengukir Giambattista Piranesi, yang mendedikasikan kepadanya rencana Roma kunonya dalam bukunya Il Campo Marzio (1762), yang berisi potret terukir Adam.
Pada Mei 1757 Adam dan Clérisseau meninggalkan Roma dan melakukan perjalanan ke Dalmatia melalui Venesia untuk mengunjungi reruntuhan istana Diocletian di Spalato (S Split modern, Kroasia). Adam merasa dia
Tidak bisa tidak mempertimbangkan pengetahuan saya tentang Arsitektur sebagai tidak sempurna, kecuali jika saya harus dapat menambahkan pengamatan bangunan pribadi Orang Kuno ke studi saya tentang pekerjaan umum mereka.
Mereka menghabiskan lima minggu di Spalato, menyiapkan gambar yang akan diterbitkan pada tahun 1764 sebagai Reruntuhan Istana Kaisar Diocletian di Spalatro di Dalmatia.
Gaya Adam
Setelah hampir kehabisan uang dan ingin kembali ke Inggris, Adam harus melupakan kesenangan dari ekspedisi lebih lanjut ke Yunani dan Mesir. Dia kembali ke London pada Januari 1758, kepalanya penuh dengan detail barang antik Romawi.Palladianisme kehilangan daya tariknya, dan publik siap untuk gaya arsitektur baru. Adam tidak kehilangan waktu dalam membuat reputasinya, dan pada pertengahan 1760-an ia memiliki, dengan bantuan adik laki-lakinya James, yang bergabung dengannya di London pada tahun 1763, menciptakan dan sepenuhnya mengembangkan gaya Adam. Mereka kemudian mengklaim bahwa itu "membawa, di negara ini... semacam revolusi di seluruh sistem seni yang berguna dan elegan ini." Gaya Adam ditandai dengan cahaya dan kebebasan baru dalam penggunaan elemen arsitektur klasik—kombinasi segar dari banyak elemen arsitektur. Di gedung Royal Society of Arts (1772-74), misalnya, Adam menempatkan ibu kota Ionik di bawah dekorasi triglyph Doric, sebuah kebebasan yang tidak akan pernah berani diambil oleh Palladian. Berbagai pengaruh termasuk Palladianisme Richard Boyle, earl ke-3 Burlington, dan William Kent, keduanya arsitek; gerakan dan kekuatan arsitektur Sir John Vanbrugh; karya Prancis kontemporer, dapat dilihat terutama dalam detail, perencanaan, dan desain furnitur; arkeologi Romawi; dan dekorasi Renaisans Italia, khususnya ornamen fantastis abad ke-16. Kejeniusan Adam terletak pada sintesisnya dari berbagai jalur perkembangan ini. Gaya Adam pada dasarnya adalah gaya dekoratif, dan sebagai desainer interior itulah Adam terutama diingat. Dia memberikan perhatian yang cermat pada setiap bagian dari setiap ruangan, dari karpet hingga dekorasi yang paling tidak mencolok.
Karya penting pertama Adam di London adalah Admiralty Screen (c. 1760). Melalui pengaruh John Stuart, earl ke-3 Bute, teman Raja George III, ia diangkat sebagai arsitek King's Works pada November 1761 bersama dengan William Chambers, saingan arsitektur utamanya. Pada awal 1760-an ia memiliki banyak komisi domestik; hampir tanpa kecuali ini terdiri dari penyelesaian atau dekorasi ulang rumah-rumah sebelumnya. Sungguh ironis bahwa, terlepas dari ketenaran dan kemampuannya, Adam jarang dipanggil untuk membangun rumah yang benar-benar baru, dia juga tidak menyadari ide-ide muluknya untuk bangunan umum sampai akhir hayatnya.
Interior Adam pertama di Hatchlands (1758–61), Surrey, dan Shardeloes (1759–61), Buckinghamshire, masih mendekati-Palladian, tetapi pada 1761 gaya dewasanya berkembang. Komisi dari saat ini termasuk Harewood House, Yorkshire; Croome Court, Worcestershire; Kedleston Hall, Derbyshire; Bowood House, Wiltshire; dan Osterley Park, Middlesex (sekarang di Hounslow, London).
Pada tahun 1762 ia dipekerjakan untuk mendesain ulang interior Syon House. Adam menghasilkan rencana penting yang mengusulkan untuk mengisi pengadilan pusat tua dengan aula yang luas, berkubah, seperti pantheon; namun itu tidak dieksekusi. Aula masuk Syon, berdasarkan basilika—sebuah bangunan persegi panjang yang dibagi menjadi tiga area oleh dua baris kolom—dengan ujung setengah kubah, adalah salah satu interior Neoklasik paling signifikan di Inggris. Rumah lain dari fase awal ini termasuk rumah baru pertama Adam, Mersham-le-Hatch (1762–72), Kent; Lansdowne House (1762–68), Berkeley Square, London; Luton Hoo (1766–74), Bedfordshire; Newby Hall (c. 1767–80), Yorkshire; dan Kenwood House (1767–68), Hampstead (sekarang di Camden), London.
Bagian depan selatan Kedleston Hall (1757–59) memberikan contoh perawatan eksterior Adam. Temanya tentang lengkungankemenangan sebagai ekspresi eksterior aula interior berkubah adalah penggunaan pertama dari bentuk Romawi khusus ini dalam arsitektur domestik. Serambi ganda (ruang terbuka yang dibuat oleh atap yang dipegang oleh kolom) di Osterley Park, berasal dari Portico of Octavia, Roma, adalah motif Neoklasik yang serupa.
Pada tahun 1768 Robert dan James Adam menyewa sebuah situs di Sungai Thames untuk pengembangan spekulatif yang dikenal sebagai Adelphi (hampir hancur total pada tahun 1936). Mereka menginvestasikan sejumlah besar untuk tanggul situs dan membangun beberapa teras rumah (1768–72) di mana gaya interior Adam dari pilaster ramping yang mendukung dekorasi dan cornice dangkal—bagian tengah dan paling atas dari sebuah entablature—dibawa ke luar ruangan. Namun, itu adalah bencana keuangan. Pada tahun 1773 mereka kembali berspekulasi tidak berhasil dalam sekelompok teras plesteran di Portland Place, London.
Keluarga Adams membangun tiga rumah besar di London pada tahun 1770-an, yang merupakan contoh luar biasa dari gaya dewasa mereka—Wynn House (1772–74), No. 20, St. James's Square, untuk Sir Watkin Williams-Wynn; Home House (1775–77), No. 20, Portman Square, untuk comtesse of Home (situs asli dari Courtauld Institute of Art [lihat Courtauld Institute Galleries]); dan Derby House (1773–74; dihancurkan 1862) di Grosvenor Square untuk earl ke-12 Derby.
Pada tahun 1773–79 mereka menerbitkan The Works in Architecture of Robert dan James Adam dalam dua volume. Yang ketiga diterbitkan secara anumerta pada tahun 1822. Dalam kata pengantar untuk volume pertama mereka menjelaskan ide mereka tentang "gerakan," aspek penting dari gaya Adam:
Gerakan dimaksudkan untuk mengekspresikan, naik dan turun, maju dan istirahat, dengan keragaman bentuk lainnya, di bagian bangunan yang berbeda, sehingga menambah sangat indahnyakomposisi.
Pada tahun 1780 popularitas Robert Adam mulai menurun, dan Horace Walpole, setelah mengunjungi Carlton House baru arsitek Henry Holland, menulis, "Betapa sakitnya seseorang, setelah istana suci ini, dari roti jahe dan sippet bordir Tuan Adam."
Sebagai seorang desainer furnitur, juga, Adam memainkan peran utama dan produktif, membalikkan tangannya ke segala hal mulai dari kotak organ dan kursi sedan hingga saltcellars dan perlengkapan pintu. Gaya furnitur yang dia kembangkan, dipopulerkan oleh pembuat lemari George Hepplewhite, selalu dimaksudkan untuk selaras dengan bagian rumah lainnya. Ini adalah salah satu fitur luar biasa dari interior Adam bahwa semuanya, bahkan detail terkecil, adalah bagian dari skema terpadu yang dibuat oleh arsitek.
Nanti bekerja
Robert Adam merancang dan membangun sejumlah kastil neo-Gothic yang romantis, sebagian besar berasal dari tahun 1780-an, di Skotlandia. Yang paling penting adalah Culzean (1777–92), Ayrshire, untuk earl Cassilis. Karya neo-Gotik lainnya adalah interior Kastil Alnwick (c. 1770–80; dihancurkan pada abad ke-19), Northumberland.
Menjelang akhir hidupnya, Adam membangun Register House (1772-92), Edinburgh, di mana dia menyadari konsepsi aula berkubah monumental di dalam alun-alun, yang dibayangkan di Syon beberapa tahun sebelumnya. Pada tahun 1789 ia merancang Universitas Edinburgh, yang bagian depan pintu masuknya mungkin merupakan eksteriornya yang paling sukses. Di Fitzroy Square (1790–94), London, dan Charlotte Square (1791–1807), Edinburgh, ia bereksperimen untuk terakhir kalinya dengan pengenalan gerakan ke dalam arsitektur jalanan.
Adam dimakamkan di Westminster Abbey. Sebagian besar dari hampir 9.000 gambar yang dia tinggalkan dibeli oleh arsitek Sir John Soane pada tahun 1833 dan berada di Museum Sir John Soane, London.
Beberapa gerakan seni memiliki dampak yang sama besarnya pada lintasan seni dan lukisan sejak era Renaisans seperti Romantisisme dan Realisme.
Kedua periode seni ini terjadi pada abad ke-19 dan sangat dipengaruhi oleh dunia baru dan berkembang pesat yang telah diubah oleh Revolusi Industri.
Seniman mulai berusaha untuk menangkap dunia di sekitar mereka dengan sangat akurat sementara yang lain berusaha untuk menggambarkan karya-karya yang berpusat di sekitar hubungan emosional seseorang dengan dunia.
Rasa Romantisisme yang baru ditemukan ini mendorong seniman untuk melukis karya-karya di mana mereka akan mengeksplorasi imajinasi mereka sendiri dan mendorong batas-batas apa yang nyata dan apa yang fiksi.
Dalam artikel ini, kita akan mengeksplorasi Realisme dan Romantisisme saat kita melihat lebih dekat pada faktor pendorong di balik kedua gerakan seni dan mengapa mereka menjadi sangat populer selama tahun 1800-an.
Romantisisme vs Realisme
Perbedaan utama antara Romantisisme dan Realisme adalah bahwa Realisme berkaitan dengan apa yang sering nyata adegan dari kehidupan kelas bawah sementara Romantisisme sebagian besar difiksionalkan dan sering digambarkan adegan yang murni fantasi.
Gambaran Romantisisme
Yang pertama dari dua gerakan seni ini adalah Romantisisme, yang dimulai pada beberapa tahun pertama abad ke-19. Gerakan ini diperkirakan dipicu oleh puisi tokoh sastra besar seperti William Wordsworth dan Samuel Taylor Coleridge, yang menulis karya-karya ahli jenius sastra dalam beberapa dekade terakhir tahun 1700-an.
Puisi-puisi ini mendapat pujian luas karena framing mereka tentang bagaimana dunia memandang orang miskin, serta alam dan bagaimana semuanya mulai berubah dengan pertumbuhan industri di Eropa.
Ciri khas Romantisisme adalah bahwa seniman bebas untuk mengekspresikan diri dengan cara apa pun yang mereka sukai. Itu adalah gerakan yang didefinisikan oleh langkah-langkah spontan dan eksploratif dari seniman yang bekerja dengan pena, serta kuas.
Era Romantisisme akan muncul dalam bentuk seni di Inggris dan akan segera terjadi di Jerman dan negara-negara terdekat lainnya juga.
Beberapa lukisan pertama era Romantisisme difokuskan pada lanskap atau bentang laut di mana pelukis akan menciptakan adegan yang akan melibatkan manusia dan hewan.
Adegan-adegan ini sering memanggil gambar-gambar yang bersifat Gotik dan tampaknya membawa kembali berbagai tema dan tokoh dari mitologi Yunani atau Romawi.
Banyak seniman akan menggambarkan tokoh dan lanskap modern mereka dengan sentuhan mitologis yang khas dengan wanita muncul seperti dewi berjubah dan pria yang memiliki tubuh berotot yang umum di antara penggambaran dewa-dewa Yunani.
Romantisisme menghidupkan kembali rasa tema agama atau nasionalis dengan menggunakan metode penggambaran yang dibumbui ini yang memanggil mitologi Yunani atau Romawi dalam lukisan mereka.
Hasilnya adalah litani karya yang sangat dramatis dan menceritakan bagaimana perasaan seniman tentang ide atau peristiwa tertentu.
Gambaran Realisme
Realisme tidak benar-benar muncul sampai pertengahan abad ke-19 ketika Revolusi Industri mulai mengambil uap yang cukup besar di seluruh Eropa.
Romantisisme telah menjadi bentuk ekspresi artistik yang dominan di seluruh Eropa selama beberapa generasi dan seniman sangat bosan dengan gaya penggambaran dan citra klasik yang sama yang umum.
Realisme menerobos gaya penggambaran yang fantastis ini dan menghadirkan dunia persis seperti apa.
Sebagian besar seniman dengan cepat menyadari bahwa dengan melukis dunia di sekitar mereka dengan detail yang tepat dan akurat, mereka akan menciptakan karya yang benar-benar belum pernah dilakukan sebelumnya karena banyak dunia industri tidak pernah ditangkap dalam lukisan.
Fotografi belum terjadi dan pelukislah yang pertama kali berusaha menangkap dunia di sekitar mereka dengan cara yang mendokumentasikan orang, tempat, benda, dan peristiwa dengan cara yang menceritakan kisah kepada mereka yang melihat karya-karya ini.
Para seniman yang bekerja selama periode Realisme ini dapat sangat dekat dibandingkan dengan jurnalis karena mereka merasakan rasa kewajiban yang kuat kepada sesama mereka untuk menampilkan adegan atau materi pelajaran tertentu dengan cara yang memberi pemirsa pandangan yang jujur dan akurat tentang mereka—terlepas dari bagaimana perasaan artis tentang mereka.
Ini adalah pendekatan baru yang tumbuh seperti api di seluruh Eropa dan di Amerika Serikat.
Ketika Realisme tumbuh dan berubah, seniman akan bergerak lebih jauh dari menggambarkan pemandangan yang lebih menyenangkan dari kota-kota dan lanskap Eropa dan Amerika dan bergerak lebih dekat ke arah menggambarkan dunia dalam semua kemegahannya, serta kepausan.
Setelah Realisme telah ada selama beberapa dekade, para seniman semakin bergerak ke arah melukis adegan kesulitan dan keputusasaan yang mengganggu kelas orang miskin dan kehilangan haknya yang sering diabaikan oleh publik secara keseluruhan.
Perbedaan Utama dalam Romantisisme dan Realisme
Romantisisme muncul melalui seniman yang mengejar keinginan mereka sendiri untuk mendorong batas-batas ekspresi emosional dalam lukisan mereka.
Era Romantisisme didefinisikan oleh afinitas yang mendalam terhadap alam selama masa ketika dunia industri tampaknya merayap ke setiap bagian kehidupan bagi orang Eropa dan Amerika.
Kompleks industri ini terikat dengan pandangan duniawi bahwa manusia harus mengandalkan keterampilan dan kecakapannya sendiri untuk memajukan dirinya dan sesama manusia.
Romantisisme, bagaimanapun, membalikkan pandangan itu dan menempatkan lebih banyak penekanan pada alam sebagai kekuatan paling kuat di dunia. Banyak lukisan yang berasal dari tahun-tahun awal gerakan Romantisisme melibatkan penggambaran petak-petak lanskap alam yang luas.
Banyak dari lanskap ini dilukis sebagai mengalami peristiwa cuaca yang kuat seperti badai, angin, atau hujan. Penambahan cuaca yang keras dan kuat ini dimaksudkan untuk lebih menekankan bahwa alam—bukan manusia—yang merupakan kekuatan paling kuat di dunia.
Romantisisme memeluk gagasan bahwa manusia adalah yang terbaik ketika dia lebih dekat dengan alam. Semakin jauh manusia dari alam dan semakin dekat mereka ke pusat industri buatan manusia, semakin tertekan dan melankolis mereka.
Seniman dari era Romantisisme menggunakan alam sebagai simbol kebaikan sementara dunia industri mewakili karakteristik manusia yang kurang diinginkan.
Realisme muncul dari gerakan Romantisisme sebagai sarana bagi seniman untuk merangkul kebenaran tentang dunia di sekitar mereka alih-alih mendorong sistem kepercayaan yang akan menjadi lebih fantastis seiring berjalannya gerakan.
Realisme menawarkan kesempatan bagi seniman untuk melukis subjek dan pemandangan mereka tanpa tekanan untuk menghiasinya dengan hubungan emosional mereka sendiri atau kekurangannya. Sebaliknya, seniman didorong untuk menangkap dunia di sekitar mereka seperti apa yang terlihat untuk menunjukkan kepada orang lain seperti apa dunia sebenarnya.
Menurut banyak sejarawan dan kritikus seni, era Realisme ini sudah lama tertunda dan sangat menghirup udara segar bagi seniman yang telah lama mempelajari banyak gerakan dan gaya seni yang berbeda.
Gerakan seni sebelumnya ini selalu melibatkan menempatkan sangat penting pada kebutuhan untuk memasukkan emosi dan pandangan seniman sendiri ke dalam materi pelajaran.
Realisme kemudian ada sebagai sarana bagi seniman untuk secara akurat menangkap dunia di sekitar mereka dengan tujuan yang besar. Banyak seniman melihat rasa kewajiban kepada sesama manusia untuk secara akurat menggambarkan dunia di sekitar mereka dan mengungkap hal-hal tertentu yang sering disembunyikan dari pandangan.
Aspek masyarakat yang paling lazim dari aspek-aspek masyarakat yang sebelumnya tersembunyi ini adalah betapa sulitnya hidup bagi orang miskin. Seniman melihat kemampuan mereka untuk melukis kehidupan dan aktivitas orang miskin sebagai sarana untuk menyoroti penderitaan mereka dan berharap untuk memicu semacam perubahan yang akan membawa mereka keluar dari kemiskinan.
Kesimpulan
Sementara perbedaan antara Romantisisme dan Realisme sering bermuara pada apa yang dibayangkan dan apa yang nyata, ada banyak perbedaan mendalam lainnya antara kedua gerakan ini.
Tidak pernah ada dua gaya seni gerakan yang pada dasarnya sangat berbeda dalam filsafat dan penggambaran aktual sebagai Realisme dan Romantisisme.
Seperti yang telah dicatat oleh banyak sejarawan seni, Realisme adalah era yang akan terus menginspirasi banyak seniman modern untuk fokus pada penggambaran subjek dalam upaya untuk meningkatkan keberadaan manusia dan menghilangkan kemiskinan.
Pergeseran dari yang dibayangkan ke yang nyata ini adalah salah satu perubahan paling drastis antara dua gerakan seni dalam sejarah. Sebagian besar upaya saat ini untuk memberantas kemiskinan dan kelaparan di dunia dapat secara langsung dikaitkan kembali dengan seniman era Realisme dan keinginan mereka untuk berubah.
Analisis Transisi dari Romantisisme ke Realisme dalam Seni
Pada akhir abad ke-18, sebuah gerakan menyebar ke seluruh dunia yang dikenal sebagai Era Romantis. Karya penulis, seniman dan musisi dipengaruhi oleh emosi dan imajinasi. Karakter dalam literatur selama periode waktu itu bergantung pada sebagian besar dorongan untuk membimbing mereka dalam keputusan mereka. Entah itu pilihan logis atau tidak, mereka mengikuti hati mereka. Citra yang diciptakan Romantisisme adalah gaya hidup yang sempurna dan tidak realistis karena pemujaan keindahan alam dan emosi manusia. Meskipun beberapa karya romantis berakhir dengan tragedi, itu karena emosi yang kita rasakan kuat. Romantisisme mempromosikan gagasan bahwa orang akan mengikuti hati mereka. Ini, bagaimanapun, secara bertahap berakhir pada pertengahan abad ke-19.
Pemerintahan Ratu Victoria dimulai pada tahun 1937 dan mulai mengalami banyak perubahan. Seiring dengan aturan baru, sebuah gerakan baru datang. Era baru ini menghasilkan periode Victoria dan bertepatan dengan realisme. Gerakan Realisme adalah 'reaksi terhadap idealisasi romantis dan klasik dan penolakan terhadap mata pelajaran akademik klasik'. Oleh karena itu, opini yang realistis menjadi titik fokus dalam bekerja di luar negeri. Musik dan sastra menjadi kurang romantis dan lebih logis. Musik di Rusia lebih didasarkan pada bangsanya daripada sebelumnya, dan sastra di seluruh dunia mempromosikan cara berpikir baru yang berkembang. Alih-alih berfokus pada isu-isu era romantis, seperti cinta, perhatian terfokus pada kehidupan sehari-hari dan pemikiran rasional. Karena transisi dari romantisme ke realisme, sastra dan musik dari berbagai budaya yang berbeda menjadi lebih logis daripada terlibat secara emosional.
Dari awal realisme, sastra menjadi lebih dari tantangan terhadap era sebelumnya. 'Orang-orang romantis menghargai imajinasi kreatif sebagai motif sastra yang terinspirasi dan sebagai sarana potensial untuk sepenuhnya mengarahkan kembali budaya manusia'. Realis hampir sebaliknya; Tekankan pentingnya kebenaran di dalam rumah dan di dalam masyarakat. Sebagai efek dari perubahan dramatis dalam pemikiran, sastra cenderung menyampaikan transformasi proses pemikiran. Itu ditunjukkan dengan membandingkan beberapa tindakan logis dari karakter dengan perilaku tidak logis dari karakter lainnya. Karakter dalam karya jelas berbeda dari yang lain untuk mewakili realis dan romantisme dengan cara yang jelas. Beberapa pandangan tentang pendapat realistis sangat kuat tentang masalah emosional. Orang-orang romantis mempercayai cinta, bahkan ketika itu bukan kualitas positif. Oleh karena itu, berbeda dengan yang romantis, kaum royalis menghindari cinta karena mereka lebih khawatir dengan kehidupan mereka sendiri. Karakter realistis dengan berani menunjukkan dan mengolok-olok bentuk romantis yang konyol, persis seperti yang dia lakukan selama periode waktu ini.
Ketika menangani masalah dengan situasi yang realistis dan relatable, Henrik Ibsen adalah salah satu penulis yang memamerkan karakter dengan pemikiran yang berlawanan. Dramanya berbicara tentang banyak masalah kontroversial yang ada pada periode waktu itu, tetapi tidak disukai. Dengan menulis tentang isu-isu ini dengan cara yang pragmatis, dia mencoba membuka pikiran masyarakat terhadap isu-isu tersebut. Pada awalnya, karya-karyanya ditolak, tetapi seiring waktu mereka lebih dipuji. Rumah boneka, misalnya, adalah peregangan dalam cara berpikir tentang era Victoria. Gagasan tentang seorang wanita mengambil kendali dan tidak patuh kepada istrinya tidak dapat diterima. Namun, Ibsen mengangkat masalah ini dengan santai, tetapi dengan simbolisme terbuka. 'Metafora karakteristiknya tentang korupsi dan penularan, bersama dengan kekerasan mabuk dalam karya-karyanya, diinformasikan oleh gangguan Eropa abad kesembilan belas, mempertahankan relevansinya' (Klein).
Beberapa pelajaran dari karya Ibsen bisa dipelajari. Di seluruh A Doll's House, jelas bahwa suami Nora memperlakukannya seperti boneka atau bahkan perempuan. Peran suami adalah untuk menyediakan, dan peran istri adalah untuk membesarkan anak-anak. Ketika Nora melampaui batasnya dengan membantu suaminya secara finansial, Torvald marah. Ketika Nora menyadari bahwa dia hanya terbatas pada kehidupan penurut di rumahnya, dia menutup pintu dan meninggalkan semuanya (Rumah boneka). Pada periode ini, setiap wanita seperti Nora, korban mentalitas masyarakat Victoria. Tidak ada pemahaman antara pria dan wanita; Mereka bisa menganggap satu sama lain sebagai setara. Meskipun Nora senang dengan hidupnya pada awalnya, dia menyadari pentingnya menjadi seseorang. Mirip dengan Nora, Nyonya Alving de Ghosts, yang pendiam dan penurut sepanjang hidup suaminya, perlahan-lahan mencapai kesimpulan yang sama dengan Nora; Kehidupan yang lebih baik menanti mereka selama mereka jujur dengan diri mereka sendiri. Mereka mengambil tindakan dengan mengambil kendali atas hidup mereka dan menjadi contoh bagi perempuan di mana-mana.
Hedda Gabler, karya Ibsen lainnya, menjadi sumber inspirasi lain bagi wanita. Gabler adalah wanita yang kuat dan mandiri yang menyerah pada norma-norma masyarakatnya. Meskipun dia bisa mengatur hidupnya sendirian, dia memutuskan untuk menikah dengan kesepakatan sosial. Meskipun tidak bahagia seperti dia, dia memanipulasi semua orang di sekitarnya hanya untuk menenangkan kebosanannya. Ini juga tidak terpikirkan di era Victoria. Orang-orang itu seharusnya memiliki kekuatan, tetapi Gabler yang memegang kendali sementara suaminya memandangnya dengan sangat memujanya. Seolah-olah peran gender diubah dalam pekerjaan ini. Ibsen menyebutkan masalah sosial yang berkembang terkait dengan peran gender dalam semua karyanya. Dia mengungkapkan cacat yang dimiliki masyarakat bersama dengan solusi untuk meninggalkan situasi itu. Nora meninggalkan suaminya; Bu Alving belajar untuk jujur; Gabler bunuh diri. Solusi ini, tentu saja, ekstrem, tetapi mereka mengajarkan bahwa tidak ada yang harus menanggungnya.
Seorang pria yang realistis tanpa begitu banyak kontroversi adalah John Millington Synge. Dalam periode waktu ini, karyanya, Riders to the Sea, tidak kontroversial seperti karya sastranya yang lain. Namun, perspektif yang berbeda berlaku dalam situasi ini, seperti visualisasi karakter. Setelah kehilangan begitu banyak pria di laut, Maurya tidak berharap lebih banyak pria kembali menghadapi laut. Bagaimanapun, pendeta itu dengan naif berpikir bahwa putranya akan pulang hidup-hidup. Putri-putri Maurya mencoba untuk tetap optimis, tetapi mereka tahu apa yang akan terjadi. 'Kematian Bartley menjadi simbol kematian semua manusia, sama seperti laut menjadi simbol kematian yang keras kepala yang membuat keberadaan tidak berarti dan kepercayaan Kristen (diwakili oleh imam muda pekerjaan) tidak relevan'. Oleh karena itu, game ini mempertanyakan banyak masalah yang sebelumnya dibeli orang. Di masa lalu, seorang pendeta konon mahatahu dan semua orang mempercayainya. Namun, seiring berjalannya waktu, publik mulai menyadari bahwa para imam tidak selalu benar.
Synge mengajarkan bahwa hidup adalah tentang bagaimana individu memandangnya. Kesenangan dan kesejahteraan dapat datang dari sudut pandang di mana situasi dilihat. Bagi sebagian orang, sepertinya akan lebih mudah untuk berpikir bahwa seorang pria yang tersesat di laut masih hidup. Orang lain bisa lebih tenang mengetahui bahwa manusia tidak hidup dan menderita. Dalam periode waktu ini, wanita menemukan diri mereka dalam situasi ini sangat sering karena pria dalam hidup mereka perlu berolahraga di laut. Meskipun kebanyakan orang tidak harus berada dalam situasi yang tepat hari ini, pelajaran tentang persepsi dapat diterapkan pada sebagian besar situasi. Beberapa orang mungkin mendefinisikan persepsi sebagai negatif dan positif, tetapi pada akhirnya, persepsi harus ditentukan oleh manfaat yang diberikannya.
Penulis lain yang berkontribusi pada sastra realisme adalah Anton Chekhov. Namun, dia mengambil pendekatan yang berbeda untuk karyanya. Dia memperlakukan masalah 'dari perspektif komik yang menyedihkan'. Chekhov berfokus pada karakter lebih dari apa pun. Dalam The Cherry Orchard, karakternya mewakili romantisme dan realis. Itu juga milik kelompok-kelompok yang berkuasa pada waktu itu. Misalnya, kelas sosial berubah di Rusia selama Gerakan Realisme. Kelas menengah meningkat karena bangsawan mulai kehilangan kekayaan mereka. Realis menyadari fakta bahwa bekerja dan menghasilkan uang dapat membawa mereka ke suatu tempat. Lopakhin adalah ilustrasi sempurna dari itu; Dia bekerja dengan komitmen dan mendapat untung dari pengeluarannya sampai dia punya uang yang bisa dia keluarkan. Namun, sebagai seorang realis, dia masih berusaha membantu orang lain agar tidak kehilangan pekerjaan hidup mereka. Sementara itu, romantis dan kelas atas, seperti Lubov, kehilangan semua yang mereka miliki. Mereka diberi solusi, tetapi ditolak karena harga diri mereka.
Saat Era Realis menyapu dunia, mentalitasnya menyesuaikan diri untuk bertahan hidup. Orang-orang dipaksa untuk memiliki pikiran yang lebih terbuka agar berhasil dan karakter The Cherry Orchard mulai menyadari hal ini. Di masyarakat, menjadi umum untuk menyaksikan orang-orang berjuang dalam situasi sosial yang putus asa, dan itulah yang Chekhov coba gambarkan. Mirip dengan transisi periode waktu, romantisme jatuh dari kekuasaan sementara royalis naik ke kekuasaan. Sepertinya semua karakter sudah memiliki takdir yang ditakdirkan untuk mereka jalani. Pemikiran modern mengambil alih karya sastra, serta kehidupan nyata.
Sastra bukan satu-satunya bentuk humaniora yang dipengaruhi oleh Gerakan Realisme. Di Rusia, bahkan musiknya berubah drastis. "Setelah Revolusi, ekspresi musik populer dikendalikan agar tetap dapat diakses oleh massa dan dapat diterima secara ideologis. 'Lagu besar' berkembang, dan pawai dan himne sekuler tetap menonjol'. Dengan kata lain, musik Rusia menjadi lebih patriotik. Sebagian besar waktu, nasionalisme lebih jelas. dalam musik populer (Stapleton-Corcoran). Anehnya, komposer amatir adalah orang-orang yang mulai menulis musik nasionalis yang menarik massa. Namun, komposer lain masih menulis musik dalam genre romantis. Selera musik mulai berkembang ke berbagai genre dengan pengecualian jazz, tango, dan foxtrot, yang dianggap tidak pantas. Pada tahun 1920-an selama Gerakan Realisme, opera baru mulai berkembang. Hari ini, opera Rusia menjadi populer lagi.
Bentuk-bentuk humaniora lainnya juga mengalami perubahan yang signifikan. Filosofi dan penemuan ilmiah sedang dibuat. "Realisme ilmiah" menegaskan keberadaan beberapa entitas yang dapat diamati dan tidak dapat diamati yang diklaim dapat memberikan representasi terbaik "Sejak Abad Pertengahan, realisme telah menjadi bertentangan dengan idealisme. Di sini realisme berarti bahwa realitas ada terlepas dari ide-ide tentangnya dalam pikiran, dan idealisme mewakili pendapat bahwa kita tidak dapat mengetahui apa pun yang tidak ada dalam pikiran kita”. Realisme dalam filsafat adalah tentang isu-isu yang belum dipahami. Plato dan Aristoteles sekarang sudah ketinggalan zaman dan para filsuf sibuk meneliti dan menemukan hal-hal yang tidak kita ketahui. Orang-orang tidak lagi berpura-pura memiliki pengetahuan tentang humaniora; Sebaliknya, manusia membuat kemajuan untuk menjadi lebih realistis tentang pandangan mereka. Evolusi masalah ini adalah penyebab dari berbagai cara berpikir yang meledak dalam Gerakan Realisme.
Seni juga berubah selama Zaman Realisme. Pada periode romantis, diketahui bahwa lukisan-lukisan itu milik manusia dan alam. Para pria dilukis hampir malaikat dan banyak seniman benar-benar melukis malaikat. Lukisan-lukisan itu terinspirasi oleh imajinasi seniman. Seperti yang dikatakan sebelumnya, periode waktu ini hampir terobsesi dengan gagasan kesempurnaan dalam manusia dan alam. Namun, beberapa artis mulai berpikir secara berbeda. 'Realisme diprakarsai oleh Courbet, yang menjelaskan bahwa dia ingin jujur dengan pengalamannya sendiri dan bahwa, setelah tidak pernah melihat malaikat, dia pasti tidak akan pernah bisa melukisnya' . Setelah Courbet mencapai kesimpulan itu, artis lain mulai beralih ke realisme. Karya-karya seni ini tampak nyata seperti dunia kita sendiri. Tentu saja, banyak keributan terbangun dalam jenis seni baru ini. Subjek tidak selalu disetujui, tetapi segera, dunia seni diambil oleh lukisan yang bisa menipu mata.
Meskipun Gerakan Realisme dimulai bertahun-tahun yang lalu, itu masih ada di abad ke-21. Realisme telah berkembang sejak periode waktu itu. Masalah sosial baru telah lebih umum dalam literatur saat ini dan masih ada banyak masalah kontroversial. Misalnya, Stephen Chbosky adalah penulis Perks of Being a Wallflower, yang merupakan buku tentang seorang remaja polos yang menemukan masalah stereotip di sekolah menengah. Ini melibatkan seks, narkoba, homoseksualitas dan depresi, yang merupakan masalah sensitif bagi orang-orang tertentu. Chbosky berkata: 'Saya tidak menulisnya untuk menjadi buku yang kontroversial' . Dalam kehidupan remaja, mereka menghadapi beberapa, jika tidak semua, situasi itu. Chbosky bersikap realistis, tetapi beberapa orang masih menolak untuk menerimanya. Meskipun tidak semua remaja berpartisipasi dalam hal-hal ini, banyak yang masih menjadi saksi dari keadaan ini.
Di abad ke-21, realisme masih hidup dan sehat di dunia seni. Seni juga telah menjadi superrealisme, yang 'dilukis dengan cermat dalam gaya naturalisme ekstrem, seperti fotografi warna dengan fokus yang tajam' (fotorealisme). Jenis lukisan ini menjadi sangat populer di Amerika Serikat dan masih begitu. Jenis lukisan ini benar-benar dapat terlihat seperti foto, dan mereka disebut fotorealisme.
Kemanusiaan dipengaruhi oleh setiap gerakan baru. Bahkan sampai saat ini, humaniora masih memiliki pengaruh yang berasal dari romantisme dan realisme, tetapi masih terus berkembang. Gerakan realisme tetap relevan dan kontemporer. Filsafat dan sains adalah subjek yang manusia tidak akan pernah cukup tahu, tetapi langkah-langkah masih diambil untuk memberi manfaat bagi umat manusia.
Karya yang Dikutip:
Baron-Cohen, S. (1995). Mindblindness: Sebuah Esai tentang Autisme dan Teori Pikiran. Pers MIT.
CAFOD. (n.d.). Badan Katolik untuk Pembangunan Luar Negeri. Diperoleh dari https://cafod.org.uk/
Dr Kruger. (n.d.). Dr Kruger - Toko Pakaian. Diperoleh dari https://www.drkruger.co.uk/
Kalia, V. (2019). Pentingnya Komunikasi dalam Psikologi Klinis. Jurnal Psikologi, 153(8), 811-819.
Nisbett, R. E., & Ross, L. (1980). Inferensi manusia: Strategi dan kekurangan penilaian sosial. Prentice-Hall.
Perner, J. (1991). Memahami Pikiran Representasional. Pers MIT.
Rigby, S. E., & Newns, K. (2019). Mengatasi tantangan umum yang dihadapi dalam penelitian psikologi anak: Refleksi dari lapangan. Jurnal Studi Anak dan Keluarga, 28(2), 523-533.
Santrock, J. W. (2017). Perkembangan anak. Pendidikan McGraw-Hill.
Kehidupan Rahasia Anak Usia 4 Tahun. (n.d.). Diperoleh dari https://www.channel4.com/programmes/the-secret-life-of-4-and-5-year-olds
Velasquez-Manoff, M. (2019). Koneksi Gut-Brain: Bagaimana Makan untuk Bahan Bakar dan Melindungi Mikrobioma Dapat Meningkatkan Kesehatan Mental. Penerbitan Kesehatan Harvard.
Romantisisme adalah sebuah gerakan seni, sastra dan intelektual yang berasal dari Eropa Baratabad ke-18 pada masa Revolusi Industri. Gerakan ini sebagian merupakan revolusi melawan norma-norma kebangsawanan, sosial dan politik dari periode Pencerahan dan reaksi terhadap rasionalisasi terhadap alam, dalam seni dan sastra. Gerakan ini menekankan emosi yang kuat sebagai sumber dari pengalaman estetika, memberikan tekanan baru terhadap emosi-emosi seperti rasa takut, ngeri, dan takjub yang dialami ketika seseorang menghadapi yang sublim dari alam. Gerakan ini mengangkat seni rakyat, alam dan kebiasaan, serta menganjurkan epistemologi yang didasarkan pada alam, termasuk aktivitas manusia yang dikondisikan oleh alam dalam bentuk bahasa, kebiasaan dan tradisi. Ia dipengaruhi oleh gagasan-gagasan Pencerahan dan mengagungkan medievalisme serta unsur-unsur seni dan narasi yang dianggap berasal dari periode Pertengahan. Nama "romantik" sendiri berasal dari istilah "romans" yaitu narasi heroik prosa atau puitis yang berasal dari sastra Abad Pertengahan dan Romantik.
Ideologi dan kejadian-kejadian sekitar Revolusi Prancis dan Revolusi Industri dianggap telah memengaruhi gerakan ini. Romantisisme mengagungkan keberhasilan-keberhasilan dari apa yang dianggapnya sebagai tokoh-tokoh heroic dan seniman-seniman yang keliru dipahami, dan yang telah mengubah, masyarakat. Ia juga mengesahkan imajinasi individu sebagai otoritas kritis yang memungkinkan kebebasan dari pemahaman klasik tentang bentuk dalam seni. Dalam penyampaian gagasan-gagasannya gerakan ini cenderung untuk kembali kepada apa yang dianggapnya sebagai keniscayaan sejarah dan alam.
Realisme dalam seni umumnya merupakan upaya untuk mewakili materi pelajaran dengan jujur, tanpa artifisialitas dan menghindari elemen spekulatif dan supranatural. Istilah ini sering digunakan secara bergantian dengan naturalisme, meskipun istilah-istilah ini tidak identik. Naturalisme, sebagai ide yang berkaitan dengan representasi visual dalam seni Barat, berusaha untuk menggambarkan objek dengan jumlah distorsi sesedikit mungkin dan terkait dengan perkembangan perspektif linier dan ilusionisme di Renaissance Eropa.[1]Realisme, sementara didasarkan pada representasi naturalistik dan keberangkatan dari idealisasi seni akademis sebelumnya, sering mengacu pada gerakan sejarah seni tertentu yang berasal dari Prancis setelah Revolusi Prancis tahun 1848. Dengan seniman seperti Gustave Courbet memanfaatkan hal-hal duniawi, jelek atau kotor, realisme dimotivasi oleh minat baru pada orang biasa dan munculnya politik kiri.[2]Pelukis realis menolak Romantisisme, yang mendominasi sastra dan seni Prancis, dengan akar pada akhir abad ke-18.
Di Eropa abad ke-19, "Naturalisme" atau "sekolah Naturalis" agak artifisial didirikan sebagai istilah yang mewakili sub-gerakan realisme yang memisahkan diri, yang berusaha (tidak sepenuhnya berhasil) untuk membedakan dirinya dari orang tuanya dengan menghindari politik dan masalah sosial, dan suka memproklamirkan dasar ilmiah kuasi, bermain dalam arti "naturalis" sebagai mahasiswa sejarah alam, karena ilmu biologi kemudian dikenal secara umum.
Ketika digunakan sebagai kata sifat, "realistis" (biasanya terkait dengan penampilan visual) membedakan dirinya dari seni "realis" yang menyangkut materi pelajaran. Demikian pula, istilah "ilusi" dapat digunakan ketika mengacu pada rendering akurat dari penampilan visual dalam sebuah komposisi.[3][4]Dalam melukis, naturalisme adalah representasi yang tepat, terperinci, dan akurat dalam seni tentang penampilan adegan dan objek. Ini juga disebut mimesis atau ilusionisme dan menjadi terutama ditandai dalam lukisan Eropa dalam lukisan Belanda Awal Robert Campin, Jan van Eyck dan seniman lain di abad ke-15. Pada abad ke-19, pelukis gerakan seni Realisme seperti Gustave Courbet tidak secara khusus terkenal karena penggambaran penampilan visual yang sepenuhnya tepat dan hati-hati; pada zaman Courbet itu lebih sering menjadi karakteristik lukisan akademis, yang sangat sering digambarkan dengan keterampilan dan kepedulian yang hebat adegan yang dibuat-buat dan dibuat-buat, atau dibayangkan adegan sejarah. Ini adalah pilihan dan perlakuan terhadap materi pelajaran yang mendefinisikan Realisme sebagai gerakan dalam melukis, daripada perhatian yang cermat terhadap penampilan visual.
Realisme atau naturalisme sebagai gaya yang berarti penggambaran subjek yang jujur dan tidak ideal, dapat digunakan dalam menggambarkan jenis subjek apa pun, tanpa komitmen apa pun untuk memperlakukan yang khas atau setiap hari. Terlepas dari idealisme umum seni klasik, ini juga memiliki preseden klasik, yang berguna ketika mempertahankan perawatan seperti itu di Renaissance dan Baroque. Demetrius dari Alopece adalah seorang pematung abad ke-4 SM yang karyanya (semuanya sekarang hilang) dikatakan lebih menyukai realisme daripada keindahan ideal, dan selama Republik Romawi Kuno bahkan politisi lebih menyukai penggambaran yang jujur dalam potret, meskipun kaisar awal lebih menyukai idealisme Yunani. Potret Goya tentang keluarga kerajaan Spanyol mewakili semacam puncak dalam penggambaran orang-orang penting yang jujur dan benar-benar tidak menarik.
Tren yang berulang dalam seni Kristen adalah "realisme" yang menekankan kemanusiaan tokoh agama, di atas semua Kristus dan penderitaan fisiknya dalam Sengsaranya. Mengikuti tren dalam literatur kebaktian, ini berkembang pada Abad Pertengahan Akhir, di mana beberapa patung kayu yang dilukis khususnya menyimpang ke dalam hal aneh dalam menggambarkan Kristus yang tertutup luka dan darah, dengan maksud merangsang penonton untuk merenungkan penderitaan yang telah dialami Kristus atas nama mereka. Ini terutama ditemukan di Jerman dan Eropa Tengah. Setelah mereda di Renaissance, karya-karya serupa muncul kembali di Barok, terutama dalam patung Spanyol.
Ahli teori Renaisans membuka perdebatan, yang berlangsung beberapa abad, mengenai keseimbangan yang benar antara menggambar seni dari pengamatan alam dan dari bentuk yang diidealkan, biasanya yang ditemukan dalam model klasik, atau karya seniman lain secara umum. Semua mengakui pentingnya alam, tetapi banyak yang percaya itu harus diidealkan ke berbagai tingkat untuk hanya memasukkan yang indah. Leonardo da Vinci adalah orang yang memperjuangkan studi murni tentang alam, dan ingin menggambarkan seluruh jajaran bentuk individu dalam sosok manusia dan hal-hal lain.[5]Leon Battista Alberti adalah seorang idealis awal, menekankan tipikal,[6]dengan orang lain seperti Michelangelo mendukung pemilihan yang paling indah – dia menolak untuk membuat potret karena alasan itu.[7]
Pada abad ke-17, perdebatan berlanjut. Di Italia, biasanya berpusat pada kontras antara "idealisme-klasik" relatif dari Carracci dan gaya "naturalis" dari Caravaggisti, atau pengikut Caravaggio, yang melukis adegan agama seolah-olah berlatar di jalan-jalan belakang kota-kota Italia kontemporer dan menggunakan "naturalis" sebagai deskripsi diri. Bellori, menulis beberapa dekade setelah kematian awal Caravaggio, dan tidak ada pendukung gayanya, mengacu pada "Mereka yang bermegah atas nama naturalis" (naturalisti).[8]
Selama abad ke-19, naturalisme berkembang sebagai gerakan yang didefinisikan secara luas dalam seni Eropa, meskipun tidak memiliki dasar politik yang memotivasi seniman realis. Pencetus istilah ini adalah kritikus seni Prancis Jules-Antoine Castagnary, yang pada tahun 1863 mengumumkan bahwa: "Sekolah naturalis menyatakan bahwa seni adalah ekspresi kehidupan di bawah semua fase dan di semua tingkatan, dan bahwa satu-satunya tujuannya adalah untuk mereproduksi alam dengan membawanya ke kekuatan dan intensitas maksimumnya: itu adalah kebenaran yang seimbang dengan sains".[9]Émile Zola mengadopsi istilah dengan penekanan ilmiah yang sama untuk tujuannya dalam novel. Banyak lukisan Naturalis mencakup rentang subjek yang sama dengan Impresionisme, tetapi menggunakan gaya kuas yang lebih ketat dan lebih tradisional, dan dalam lanskap sering dengan cuaca yang lebih suram.[9]
Istilah "terus digunakan tanpa pandang bulu untuk berbagai jenis realisme" selama beberapa dekade, seringkali sebagai istilah catch-all untuk seni yang berada di luar Impresionisme dan gerakan Modernisme kemudian dan juga bukan seni akademis. Periode selanjutnya dari Sekolah Barbizon Prancis dan sekolah lukisan Düsseldorf, dengan murid-muridnya dari banyak negara, dan pada abad ke-20 AmericanRegionalismadalah gerakan yang sering juga digambarkan sebagai "Naturalist", meskipun istilah ini jarang digunakan untuk lukisan Inggris. Beberapa sejarawan seni baru-baru ini telah memperdalam kebingungan dengan mengklaim Courbet atau Impresionis untuk label tersebut.[9]
Madonna Terraya Cimabue Lord Leighton tahun 1853–55 adalah akhir dari tradisi panjang ilusionisme dalam melukis, tetapi tidak Realis dalam arti karya Courbet pada periode yang sama.
Perkembangan representasi yang semakin akurat dari penampilan visual benda-benda memiliki sejarah panjang dalam seni. Ini termasuk elemen seperti penggambaran akurat anatomi manusia dan hewan, perspektif dan efek jarak, dan efek detail cahaya dan warna. Seni Paleolitik Atas di Eropa mencapai penggambaran hewan yang sangat hidup dan seni Mesir Kuno mengembangkan konvensi yang melibatkan stilisasi dan idealisasi yang tetap memungkinkan penggambaran yang sangat efektif untuk diproduksi dengan sangat luas dan konsisten. Seni Yunani kuno umumnya diakui telah membuat kemajuan besar dalam representasi anatomi, dan tetap menjadi model yang berpengaruh sejak saat itu. Tidak ada karya asli pada panel atau dinding oleh pelukis besar Yunani yang bertahan, tetapi dari akun sastra, dan korpus karya turunan yang masih ada (kebanyakan karya Graeco-Roman inmosaic) jelas bahwa ilusionisme sangat dihargai dalam melukis. Kisah terkenal Pliny the Elder tentang burung mematuk anggur yang dilukis oleh Zeuxis pada abad ke-5 SM mungkin merupakan legenda, tetapi menunjukkan aspirasi lukisan Yunani.
Serta akurasi dalam bentuk, cahaya, dan warna, lukisan Romawi menunjukkan pengetahuan yang tidak ilmiah tetapi efektif untuk mewakili objek jauh yang lebih kecil dari yang lebih dekat dan mewakili bentuk geometris biasa seperti atap dan dinding ruangan dengan perspektif. Kemajuan dalam efek ilusionis ini sama sekali tidak berarti penolakan terhadap idealisme; patung-patung dewa dan pahlawan Yunani berusaha untuk mewakili dengan akurasi bentuk-bentuk yang ideal dan indah, meskipun karya-karya lain, seperti kepala Socrates yang terkenal jelek, diizinkan untuk jatuh di bawah standar kecantikan ideal ini. Potret Romawi, ketika tidak terlalu banyak dipengaruhi Yunani, menunjukkan komitmen yang lebih besar terhadap penggambaran yang jujur dari subjeknya, yang disebut verisme.
Seni Zaman Kuno Akhir terkenal menolak ilusionisme untuk kekuatan ekspresif, perubahan yang sudah berjalan dengan baik pada saat Kekristenan mulai mempengaruhi seni elit. Di Barat standar klasik ilusionisme tidak mulai tercapai lagi sampai periode Abad Pertengahan Akhir dan Awal Renaisans, dan dibantu, pertama kali di Belanda pada awal abad ke-15, dan sekitar tahun 1470-an di Italia, dengan pengembangan teknik baru lukisan cat minyak yang memungkinkan efek cahaya yang sangat halus dan tepat untuk dilukis menggunakan kuas yang sangat kecil dan beberapa lapisan cat dan glasir. Metode ilmiah untuk mewakili perspektif dikembangkan di Italia pada awal abad ke-15 dan secara bertahap menyebar ke seluruh Eropa, dan akurasi dalam anatomi ditemukan kembali di bawah pengaruh seni klasik. Seperti di zaman klasik, idealisme tetap menjadi norma.
Penggambaran lanskap yang akurat dalam lukisan juga telah berkembang di awal Belanda/Awal Renaisans Utara dan lukisan Renaisans Italia, dan kemudian dibawa ke tingkat yang sangat tinggi dalam lukisan Zaman Keemasan Belanda abad ke-17, dengan teknik yang sangat halus untuk menggambarkan berbagai kondisi cuaca dan derajat cahaya alami. Setelah menjadi perkembangan lain dari lukisan Belanda Awal, pada tahun 1600 potret Eropa dapat memberikan kemiripan yang sangat baik dalam lukisan dan patung, meskipun subjek sering diidealkan dengan menghaluskan fitur atau memberi mereka pose buatan. Lukisan benda mati, dan elemen benda mati dalam karya lain, memainkan peran yang cukup besar dalam mengembangkan lukisan ilusionis, meskipun dalam tradisi lukisan bunga Belanda mereka lama tidak memiliki "realisme", di mana bunga dari semua musim biasanya digunakan, baik dari kebiasaan merakit komposisi dari gambar individu, atau sebagai konvensi yang disengaja; pajangan besar karangan bunga dalam vas, meskipun dekat dengan pajangan modern bunga potong yang telah mereka pengaruhi, sepenuhnya tidak khas dari kebiasaan abad ke-17, di mana bunga ditampilkan satu per satu. Menariknya, setelah memimpin pengembangan lukisan ilusi, still life harus sama pentingnya dalam pengabaiannya dalam Kubisme.
Penggambaran subjek sehari-hari yang biasa dalam seni juga memiliki sejarah panjang, meskipun sering terjepit ke tepi komposisi, atau ditampilkan dalam skala yang lebih kecil. Ini sebagian karena seni itu mahal, dan biasanya ditugaskan untuk alasan agama, politik, atau pribadi tertentu, yang hanya memungkinkan jumlah ruang atau upaya yang relatif kecil untuk dikhususkan untuk adegan tersebut. Drolleries di pinggiran manuskrip beriluminasi abad pertengahan terkadang mengandung adegan-adegan kecil kehidupan sehari-hari, dan perkembangan perspektif menciptakan area latar belakang yang besar di banyak adegan yang diatur di luar ruangan yang dapat dibuat lebih menarik dengan memasukkan tokoh-tokoh kecil dalam kehidupan sehari-hari mereka. Seni Abad Pertengahan dan Renaisans Awal oleh konvensi biasanya menunjukkan tokoh-tokoh non-suci dalam pakaian kontemporer, jadi tidak ada penyesuaian yang diperlukan untuk ini bahkan dalam adegan keagamaan atau sejarah yang berlatar di zaman kuno.
Lukisan Belanda awal membawa lukisan potret serendah skala sosial sebagai pedagang Flanders yang makmur, dan dalam beberapa di antaranya, terutama Potret Arnolfini oleh Jan van Eyck (1434), dan lebih sering dalam adegan keagamaan seperti Merode Altarpiece, oleh Robert Campin dan bengkelnya (sekitar 1427), termasuk penggambaran yang sangat rinci tentang interior kelas menengah yang penuh dengan objek yang digambarkan dengan penuh kasih. Namun, objek-objek ini setidaknya sebagian besar ada karena mereka membawa lapisan signifikansi dan simbolisme kompleks yang melemahkan komitmen apa pun terhadap realisme demi kepentingannya sendiri. Siklus Buruh Bulan-bulan dalam seni akhir abad pertengahan, di mana banyak contoh bertahan dari buku-buku jam, berkonsentrasi pada petani yang bekerja pada tugas yang berbeda sepanjang musim, seringkali dalam latar belakang lanskap yang kaya, dan signifikan baik dalam mengembangkan seni lanskap maupun penggambaran orang-orang kelas pekerja sehari-hari.
Pada abad ke-16, ada mode untuk penggambaran dalam lukisan besar adegan orang yang bekerja, terutama di pasar makanan dan dapur: di banyak makanan diberikan keunggulan sebanyak pekerja. Artis termasuk Piper Aertsen dan keponakannya Joachim Beuckelaer di Belanda, bekerja dengan gaya Mannerist, dan di Italia Annibale Carracci muda di tahun 1580-an, menggunakan gaya yang sangat bersahaja, dengan Bartolomeo Passerotti di antara keduanya. Pieter Bruegel the Elder merintis adegan panorama besar kehidupan petani. Adegan seperti itu bertindak sebagai awal untuk popularitas adegan pekerjaan dalam genre lukisan pada abad ke-17, yang muncul di seluruh Eropa, dengan lukisan Zaman Keemasan Belanda menumbuhkan beberapa subgenre yang berbeda dari adegan seperti itu, Bamboccianti (meskipun sebagian besar dari Negara-Negara Dataran Rendah) di Italia, dan di Spanyol genre bodegones, dan pengenalan petani yang tidak ideal ke dalam lukisan sejarah oleh Jusepe de Ribera dan Velázquez. Le Nain bersaudara di Prancis dan banyak seniman Flemish termasuk Adriaen Brouwer dan David Teniers the Elder dan Younger melukis petani, tetapi jarang penduduk kota. Pada abad ke-18, lukisan kecil orang-orang yang bekerja tetap populer, sebagian besar menggambar pada tradisi Belanda, dan terutama menampilkan wanita.
Banyak seni yang menggambarkan orang biasa, terutama dalam bentuk cetakan, adalah komik dan moralistik, tetapi kemiskinan belaka dari subjek tampaknya relatif jarang menjadi bagian dari pesan moral. Dari pertengahan abad ke-19 dan seterusnya ini berubah, dan kesulitan hidup bagi orang miskin ditekankan. Terlepas dari tren ini bertepatan dengan migrasi skala besar dari pedesaan ke kota-kota di sebagian besar Eropa, pelukis masih cenderung melukis orang-orang pedesaan yang miskin, sebagian besar meninggalkan ilustrator seperti Gustave Doré untuk menunjukkan kengerian daerah kumuh kota. Adegan jalanan kota yang ramai populer di kalangan Impresionis dan pelukis terkait, terutama yang menunjukkan Paris.
Iluminator manuskrip abad pertengahan sering diminta untuk mengilustrasikan teknologi, tetapi setelah Renaisans gambar-gambar seperti itu berlanjut dalam ilustrasi buku dan cetakan, tetapi dengan pengecualian lukisan laut sebagian besar menghilang dalam seni rupa sampai awal Revolusi Industri, adegan-adegan yang dilukis oleh beberapa pelukis seperti Joseph Wright dari Derby dan Philip James de Loutherbourg. Subjek seperti itu mungkin gagal terjual dengan sangat baik, dan ada ketiadaan industri yang nyata, selain beberapa adegan kereta api, dalam lukisan sampai akhir abad ke-19, ketika karya mulai ditugaskan, biasanya oleh industrialis atau untuk institusi di kota-kota industri, seringkali dalam skala besar, dan kadang-kadang diberikan perlakuan kuasi-heroik.
Realisme Amerika, sebuah gerakan awal abad ke-20, adalah salah satu dari banyak gerakan modern untuk menggunakan realisme dalam pengertian ini.
Gerakan Realis Prancis memiliki ekuivalen di semua negara Barat lainnya, berkembang agak kemudian. Secara khusus kelompok Peredvizhniki atau Wanderers di Rusia yang terbentuk pada 1860-an dan menyelenggarakan pameran dari tahun 1871 termasuk banyak realis seperti Ilya Repin, Vasily Perov, dan Ivan Shishkin, dan memiliki pengaruh besar pada seni Rusia. Di Inggris seniman seperti Hubert von Herkomer dan Luke Fildes sukses besar dengan lukisan realis yang berurusan dengan masalah sosial.
Didefinisikan secara luas sebagai "representasi realitas yang setia",[15]Realisme sebagai gerakan sastra didasarkan pada "realitas objektif." Ini berfokus pada menunjukkan kegiatan dan kehidupan sehari-hari, terutama di antara masyarakat kelas menengah atau bawah, tanpa idealisasi romantis atau dramatisasi.[16]Menurut Kornelije Kvas, "figurasi realistis dan re-figurasi realitas membentuk konstruksi logis yang mirip dengan gagasan kita yang biasa tentang realitas, tanpa melanggar prinsip tiga jenis hukum - yang dari ilmu alam, psikologis dan sosial".[17]Ini dapat dianggap sebagai upaya umum untuk menggambarkan subjek karena mereka dianggap ada dalam realitas objektif orang ketiga, tanpa hiasan atau interpretasi dan "sesuai dengan sekuler, aturan empiris."[18]Dengan demikian, pendekatan tersebut secara inheren menyiratkan keyakinan bahwa realitas semacam itu secara ontologis independen dari skema konseptual, praktik linguistik, dan kepercayaan manusia, dan dengan demikian dapat diketahui (atau diketahui) oleh seniman, yang pada gilirannya dapat mewakili 'realitas' ini dengan setia. Seperti yang dinyatakan Ian Watt, realisme modern "dimulai dari posisi bahwa kebenaran dapat ditemukan oleh individu melalui indera" dan dengan demikian "itu berasal dari Descartes dan Locke, dan menerima formulasi penuh pertamanya oleh Thomas Reid di pertengahan abad kedelapan belas."[19]
Sementara era Romantis sebelumnya juga merupakan reaksi terhadap nilai-nilai Revolusi Industri, realisme pada gilirannya merupakan reaksi terhadap Romantisisme, dan untuk alasan ini juga secara merendahkan disebut sebagai "tradisional" "realisme borjuis".[20]Beberapa penulis sastra Victoria menghasilkan karya realisme.[21]Kekakuan, konvensi, dan keterbatasan lain dari "realisme borjuis" mendorong pada gilirannya pemberontakan yang kemudian dicap sebagai modernisme; mulai sekitar tahun 1900, motif pendorong sastra modernis adalah kritik terhadap tatanan sosial borjuis abad ke-19 dan pandangan dunia, yang dilawan dengan program antirasionalis, antirealis, dan antiborjuis
Impresionisme vs Post-Impresionisme: Perbedaan dan Perbandingan
By Emma Smith / Fakta Diperiksa / Terakhir Diperbarui : 31 Juli 2023
Impresionisme dan Post-Impresionisme adalah dua gerakan artistik. Kedua gerakan tersebut membawa perubahan drastis dan dramatis dalam dunia seni rupa.
Pergerakan terjadi di Prancis pada akhir abad ke-19. Impresionisme dan Post-Impresionisme saling terkait satu sama lain, karena gerakan Post-Impresionisme terjadi sebagai reaksi terhadap Impresionisme.
Juga, ada banyak karakteristik yang dapat dibedakan dari kedua gerakan seni tersebut. Kedua gerakan seni ini dikenal sebagai dua gerakan seni paling terkenal.
Para seniman mengalami adegan kehidupan nyata, pertemuan sosial, atau adegan sehari-hari.
PENGAMBILAN KUNCI
Impresionisme berfokus pada menangkap efek sesaat dari cahaya alami, sedangkan post-impresionisme berfokus pada aspek emosional dan simbolik seni.
Lukisan impresionis dicirikan oleh sapuan kuas yang longgar dan fokus untuk mengabadikan momen sekilas. Sebaliknya, lukisan pasca-impresionis dicirikan oleh komposisi yang lebih terstruktur dan fokus pada visi seniman.
Impresionisme dianggap sebagai pendahulu pasca-impresionisme, karena seniman pasca-impresionis membangun teknik dan gagasan kaum Impresionis.
Impresionisme vs Post Impresionisme
Impresionisme dicirikan oleh penekanannya pada menangkap efek sekilas cahaya dan warna di alam. Seniman impresionis berusaha untuk menyampaikan kesan sensorik suatu saat. Post-Impresionisme muncul pada tahun 1880-an dan berlanjut hingga awal abad ke-20. Seniman pasca-Impresionis dibangun di atas gaya Impresionis tetapi bergerak melampaui aspek sensorik murni dari pendahulu mereka.
Impresionisme adalah gerakan seni yang berlangsung melawan perubahan lingkungan perkotaan. Itu terjadi di Prancis.
Subjek lukisan adalah pemandangan kehidupan nyata, aktivitas sehari-hari, dan pertemuan sosial orang. Lukisan impresionis digambar dengan cara yang sangat realistis.
Impresionisme melahirkan banyak gaya seni lain seperti Neo-Impresionisme, Fauvisme, dan Kubisme.
Post-Impresionisme juga terjadi di Frace pada akhir abad ke-19 sebagai gerakan reaksi dari Impresionisme. Lukisan-lukisan ini sebagian besar diperoleh dari Impresionisme.
Ini umumnya menggambarkan emosi subjek. Post-Impresionisme melahirkan seni modern. Lukisan pasca-Impresionisme umumnya dilukis di dalam ruangan.
Tabel perbandingan
Parameter Perbandingan
Impresionisme
Post Impresionisme
Munculnya
Sebuah gerakan seni yang terjadi sebagai protes terhadap perubahan lingkungan perkotaan
Sebuah gerakan seni yang berlangsung sebagai reaksi dari Impresionisme
Ciri-ciri lukisan
warna cerah, sapuan kuas yang keras, lukisan sudut yang sempurna, suasana yang sempurna, dan pencahayaan, dll.
Penggunaan warna buatan atau tidak alami, sapuan kuas yang indah, dll
Cahaya dan Warna
Impresionis fokus pada cahaya, untuk memanipulasi karya seni.
Post-Impresionis fokus pada warna.
Subjek Lukisan
Lukisan impresionisme didasarkan pada pemandangan yang realistis dan sehari-hari.
Claude Monte, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Édouard Manet, dll.
Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Signac, Georges Seurat, dll
Tempat Seni
Lukisan impresionisme dilukis di luar.
Lukisan pasca-impresionisme dilukis di dalam ruangan atau di studio.
Artworks
1.Wanita dengan Payung oleh Claude Monet 2.Paris Street, Hari hujan oleh Gustave Caillebotte
1. Malam Berbintang oleh Vincent van Gogh 2. La Toilette oleh Henry de Toulouse-Lautree
Apa itu Impresionisme?
Impresionisme mengacu pada gerakan seni yang terjadi di Prancis melawan perubahan lingkungan perkotaan.
Seniman menggunakan warna-warna cerah dan cerah untuk memamerkan lukisan mereka dengan sapuan kuas yang kasar dan tidak rata.
Lukisan-lukisan itu dilukis sedemikian rupa sehingga pencahayaan suasana melengkapinya dalam segala aspek. Itu digambar dengan sudut sedemikian rupa sehingga terlihat bagus dari setiap sudut.
Pelukis Impresionis lebih mementingkan pencahayaan lukisan dan melukis lukisan sedemikian rupa sehingga memanipulasi karya seni.
Seniman Impresionis melukis berbagai adegan kehidupan sehari-hari dengan cara realistis yang hampir terlihat nyata.
Itu menggambarkan setiap detail pemandangan itu, kombinasi warna, pencahayaan, sudut, dan segala sesuatu yang saling melengkapi.
Karena kaum Impresionis secara realistis melukis pemandangan kehidupan nyata, sang seniman biasa keluar dan melukis lukisan-lukisan itu sehingga setiap detail dapat ditangkap.
Iartis mpressionisme termasuk Claude Monte, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Édouard Monet, dll.
Beberapa karya seni Impresionisme yang terkenal antara lain Woman with a Parasol karya Claude Monet, Paris Street, dan Rainy Day karya Gustave Caillebotte.
Apa itu Post-Impresionisme?
Post-Impresionisme mengacu pada gerakan seni yang terjadi sebagai reaksi terhadap Impresionisme.
Impresionisme dan Post-Impresionisme saling terkait satu sama lain, dan lukisan Post-Impresionis berasal dari Impresionisme.
Seniman Post-Impresionis menggunakan warna-warna terang dalam lukisan mereka. Para pelukis Post-Impresionis menggunakan warna-warna buatan yang terang, sapuan kuas yang indah.
Post-Impresionisme juga terjadi di Frace pada akhir abad ke-19 sebagai gerakan reaksi dari Impresionisme.
Biasanya menggambarkan emosi subjek, setiap detail emosi subjek diberi nilai. Post-Impresionisme melahirkan seni modern, dan secara bertahap mengubah gaya seni.
Para pelukis Post-Impresionis melukis di dalam ruangan. Para pelukis lebih mementingkan warna, emosi subjek. Artis menggunakan warna-warna terang.
Artis pasca-Impresionisme termasuk Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Paul Signac, dll.
Karya seni pasca-Impresionisme termasuk The Starry Night oleh Vincent van Gogh, dan La toilet oleh Henry de Toulouse-Lautrec.
Perbedaan Utama Antara Impresionisme dan Post-Impresionisme
Gerakan Impresionisme terjadi melawan gerakan perkotaan yang berubah. Di sisi lain, gerakan Post-Impresionisme terjadi sebagai gerakan reaksi dari Impresionisme.
Pelukis Impresionis menggunakan warna-warna cerah, sapuan kuas yang keras, lukisan sudut yang sempurna, suasana yang sempurna, cahaya, dll. Di sisi lain, pelukis Post-Impresionis menggunakan warna-warna buatan yang ringan, sapuan kuas yang indah.
Seniman impresionis lebih mementingkan cahaya sehingga seniman dapat memanipulasi karya seni. Di sisi lain, seniman Post-Impresionis lebih mementingkan warna.
Subyek lukisan impresionisme meliputi pemandangan realistik dan keseharian. Di sisi lain, subjek lukisan Post-Impresionis mencakup emosi subjek.
Pelukis Impresionis umumnya melukis lukisan di luar. Di sisi lain, pelukis Post-Impresionis melukis di dalam ruangan.
Artis impresionisme termasuk Claude Monte, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Édouard Monet, dll. Di sisi lain, seniman Post-Impresionisme termasuk Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Paul Signac, dll.
Karya seni impresionisme termasuk Woman with a Parasol oleh Claude Monet, Paris Street, dan Rainy Day oleh Gustave Caillebotte. Di sisi lain, karya Post-Impresionisme antara lain The Starry Night karya Vincent van Gogh dan La Toilette karya Henry de Toulouse-Lautrec.
Fauvisme, gaya lukisan yang berkembang di Prancis sekitar pergantian abad ke-20. Seniman Fauve menggunakan warna murni dan cemerlang yang diaplikasikan secara agresif langsung dari tabung cat untuk menciptakan rasa ledakan di kanvas.
Fauves melukis langsung dari alam, seperti yang dilakukan oleh kaum Impresionis sebelumnya, tetapi karya-karya Fauvist diinvestasikan dengan reaksi ekspresif yang kuat terhadap subjek yang digambarkan. Pertama kali dipamerkan secara resmi di Paris pada tahun 1905, lukisan Fauvist mengejutkan pengunjung ke Salon d'Automne tahunan; salah satu pengunjung ini adalah kritikus Louis Vauxcelles, yang, karena kekerasan karya mereka, dijuluki pelukis fauves ("binatang liar").
Pemimpin kelompok adalah Henri Matisse, yang telah tiba di gaya Fauve setelah bereksperimen dengan berbagai pendekatan Post-Impresionis Paul Gauguin, Vincent van Gogh, dan Georges Seurat. Studi Matisse membawanya untuk menolak rendering tradisional dari ruang tiga dimensi dan sebaliknya mencari ruang gambar baru yang ditentukan oleh gerakan warna. Dia memamerkan Woman with the Hat (1905) yang terkenal di pameran 1905. Dalam lukisan ini, goresan warna yang cepat—biru, hijau, dan merah—membentuk pandangan wanita yang energik dan ekspresif. Aplikasi cat kasar, yang membuat area kanvas mentah terbuka, mengerikan bagi pemirsa pada saat itu.
Fauvists utama lainnya adalah André Derain, yang bersekolah dengan Matisse pada tahun 1898–99, dan Maurice de Vlaminck, yang merupakan teman Derain. Mereka berbagi minat Matisse pada fungsi ekspresif warna dalam melukis, dan mereka pertama kali dipamerkan bersama pada tahun 1905. Lukisan Fauvist Derain menerjemahkan setiap nada lanskap menjadi warna murni, yang dia terapkan dengan sapuan kuas yang pendek dan kuat. Pusaran warna intens yang gelisah dalam karya Vlaminck berhutang budi pada kekuatan ekspresif van Gogh.
Château dan Kuda, minyak di atas kanvas oleh Raoul Dufy, 1930; di Koleksi Phillips, Washington, D.C.
Tiga pelukis muda dari Le Havre, Prancis, juga dipengaruhi oleh karya Matisse yang berani dan bersemangat. Othon Friesz menemukan konotasi emosional dari warna Fauve yang cerah melegakan dari Impresionisme biasa-biasa saja yang telah dia praktikkan; Raoul Dufy mengembangkan versi ornamen riang dari gaya berani; dan Georges Braque menciptakan rasa ritme dan struktur yang pasti dari bintik-bintik warna kecil, menandakan perkembangan Kubismenya. Albert Marquet, rekan mahasiswa Matisse di École des Beaux-Arts pada tahun 1890-an, juga berpartisipasi dalam Fauvism, seperti yang dilakukan orang Belanda Kees van Dongen, yang menerapkan gaya itu pada penggambaran masyarakat Paris yang modis. Pelukis lain yang terkait dengan Fauves adalah Georges Rouault, Henri Manguin, Charles Camoin, dan Jean Puy.
Gambar Dekoratif pada Latar Belakang Hias, lukisan cat minyak oleh Henri Matisse, 1925–26; di Museum Nasional Seni Modern, Paris.
Bagi sebagian besar seniman ini, Fauvisme adalah tahap pembelajaran transisi. Pada tahun 1908 minat yang dihidupkan kembali pada visi Paul Cézanne tentang tatanan dan struktur alam telah menyebabkan banyak dari mereka menolak emosionalisme Fauvisme yang bergejolak demi logika Kubisme. Matisse sendiri mengejar kursus yang telah dia rintis, mencapai keseimbangan yang canggih antara emosinya sendiri dan dunia yang dia lukis.
Artikel ini baru-baru ini direvisi dan diperbarui oleh Alicja Zelazko.
Salon d'Automne, (Prancis: Autumn Salon) pameran karya seniman muda yang diadakan setiap musim gugur di Paris sejak 1903.
Salon d'Automne didirikan sebagai alternatif dari Salon resmi konservatif. Itu juga merupakan alternatif dari Salon des Indépendants, yang liberal tetapi memiliki kebijakan tanpa juri yang sering menyebabkan biasa-biasa saja. Pendiri Salon d'Automne adalah sekelompok seniman dan penyair yang termasuk Eugene Carrière, Pierre-Auguste Renoir, Georges Rouault, Édouard Vuillard, Joris-Karl Huysmans, dan Émile Verhaeren, di bawah kepemimpinan arsitek Frantz Jourdain. Mereka memutuskan untuk membentuk organisasi mereka sendiri dengan tujuan menyambut setiap seniman yang ingin bergabung, memilih juri untuk pameran dengan menggambar sedotan dari keanggotaan kelompok baru, dan memberikan seni dekoratif rasa hormat yang sama seperti seni rupa.
Salon d'Automne pertama diadakan pada 31 Oktober 1903, di Petit-Palais. Penyelenggara memilih musim gugur sebagai waktu dalam setahun untuk pertunjukan mereka karena sebagian besar pameran lain di Paris berlangsung di musim semi dan musim panas. Tempat ini merupakan kekuatan yang signifikan dalam pengembangan seni modern di Eropa. Salon awal termasuk pameran retrospektif pelukis Post-Impressionist Paul Gauguin (1903 dan 1906) dan Paul Cézanne (1907); pertunjukan ini membantu membangun reputasi masing-masing dan juga terbukti menjadi peristiwa yang mempengaruhi karir banyak seniman. Pameran paling terkenal adalah tahun 1905, ketika pelukis Henri Matisse dan rekan-rekannya dijuluki Fauves ("Binatang Liar") karena penggunaan warna murni dan nonnaturalistik mereka yang tanpa hambatan.
Artikel ini baru-baru ini direvisi dan diperbarui oleh Amy Tikkanen.
František Kupka, (lahir 23 September 1871, Opočno, Bohemia [sekarang Republik Ceko]—meninggal 24 Juni 1957, Puteaux, Prancis), pelopor lukisan abstrak Prancis kelahiran Ceko dan salah satu seniman pertama yang sama sekali tidak representasional. Karya-karyanya yang matang berkontribusi banyak pada fondasi lukisan abstrak murni di abad ke-20.
Kupka belajar di akademi seni Praha dan Wina dan di École des Beaux-Arts di Paris, di mana ia menetap pada tahun 1895. Pada tahun 1908-11 ia bereksperimen dengan Fauvisme dan dengan pointilisme, sebuah teknik yang ditemukan oleh pelukis Prancis Georges Seurat, yang teori kontras warnanya membuat Kupka mempelajari sifat estetika warna.
Kupka, dalam lukisannya Disks of Newton (1912), dan Robert Delaunay, dalam Disks (1912) yang serupa, adalah eksponen paling awal dari abstraksi murni lengkung. Seni ini dijuluki Orfisme—seni lirik warna "musikal"—oleh penyair dan kritikus seni Guillaume Apollinaire pada tahun 1912. Kupka melukis abstraksi dengan judul-judul seperti Fugue in Red and Blue (1912) yang membuat keyakinannya eksplisit bahwa warna abstrak, seperti musik, mampu membangkitkan perasaan yang mendalam.
Maurice de Vlaminck, (lahir 4 April 1876, Paris, Prancis—meninggal 11 Oktober 1958, Rueil-la-Gadelière), pelukis Prancis yang merupakan salah satu pencipta gaya lukisan yang dikenal sebagai Fauvisme.
Vlaminck terkenal karena temperamennya yang kurang ajar dan minat yang luas; dia pada berbagai waktu adalah seorang musisi, aktor, pengendara sepeda balap, dan novelis. Dia juga seorang seniman otodidak yang dengan bangga menghindari pelatihan akademik, selain pelajaran menggambar. Pada tahun 1900 Vlaminck bertemu pelukis André Derain selama kecelakaan kereta api, dan keduanya berbagi studio dari tahun 1900 hingga 1901.
Pada tahun 1901 Vlaminck melihat pameran lukisan seniman Pasca-Impresionis Vincent van Gogh, dan seperti Derain dan banyak seniman muda lainnya, ia dikejutkan oleh kuas van Gogh yang kuat dan penggunaan warna-warna non-naturalistik yang intens. Pada tahun yang sama, Derain memperkenalkan Vlaminck kepada Henri Matisse. Vlaminck segera bereksperimen dengan warna murni dan intens yang diambil langsung dari tabung dan diaplikasikan dalam warna tebal. Dia dipamerkan bersama Matisse dan Derain pada tahun 1905 di Salon des Indépendants dan di pameran kelompok kontroversial di Salon d'Automne. Di pameran terakhir itulah kritikus Louis Vauxcelles menyebut para seniman ini fauves ("binatang buas"); dia menganggap kanvas mereka dengan warna berani, diterapkan secara spontan dan impulsif, terlalu tidak dimurnikan. Vlaminck biasanya lebih menyukai palet warna primer, seperti yang terlihat di Tugboat on the Seine, Chatou (1906).
Terkesan oleh pameran retrospektif lukisan Paul Cézanne pada tahun 1907, Vlaminck mulai meniru karya seniman Post-Impressionist. Dia mengadopsi palet yang lebih tenang dan beralih ke melukis lanskap dengan komposisi padat. Setelah Perang Dunia I dia meninggalkan Paris dan pindah ke pedesaan, di mana dia melukis adegan pedesaan dengan gaya dramatis namun sopan. Vlaminck juga terus menulis puisi, fiksi, dan memoar, dan dia mengilustrasikan sejumlah buku.
Sir Matthew Smith, (lahir 22 Oktober 1879, Halifax, Yorkshire, Inggris—meninggal 29 September 1959, London), pelukis Inggris dengan benda mati berwarna-warni, bunga, potret dan telanjang, dan lanskap Cornwall, Inggris, dan selatan Prancis. Dia dikenal karena penggunaan warna-warna berani dalam komposisinya, dan untuk itu dia biasanya dikaitkan dengan Fauvisme.
Di masa remajanya Smith dibimbing oleh ayahnya, seorang produsen kawat, untuk mencoba tangannya di pekerjaan industri. Pada tahun 1901, setelah tidak menemukan kepuasan setelah beberapa tahun di pabrik kawat keluarga, Smith mulai belajar desain di sebuah sekolah seni di Manchester, Inggris. Pada tahun 1905 ia pindah ke London dan mendaftar di Slade School of Fine Art. Dia meninggalkan Inggris ke Prancis pada tahun 1908 untuk melukis di sana. Pada tahun 1910 ia belajar sebentar di studio Paris Henri Matisse, dari siapa, diduga, ia memperoleh kecenderungan Fauvist untuk menggunakan warna tebal. Dia menikah dengan seniman Gwen Salmond pada tahun 1912, dan mereka memiliki dua putra (pada tahun 1915 dan 1916). Meskipun awalnya dilewati untuk dinas militer dalam Perang Dunia I karena penglihatannya yang buruk, suatu kondisi yang telah dia hadapi sejak masa mudanya, Smith akhirnya dipanggil untuk bertugas pada akhir 1916. Dia terluka parah dan dirawat di rumah sakit selama perang tetapi pulih dan dipromosikan menjadi letnan pada tahun 1918.
Setelah perang, Smith pindah ke pinggiran Paris. Pada tahun 1919 ia bertemu pelukis Irlandia Roderic O'Conor. Smith membentuk persahabatan penting dengan O'Conor, yang telah berafiliasi erat dengan Paul Gauguin dan bekerja dengan gaya Post-Impressionist. O'Conor adalah salah satu pengaruh artistik terkemuka pada gaya Smith yang berkembang, terutama yang berkaitan dengan lanskap. Smith menghabiskan sebagian tahun 1920 di Cornwall di Inggris, melukis lanskap yang menampilkan warna yang dalam, kaya dan garis yang jelas (misalnya, Cornish Church dan A Winding Road, Cornish Landscape, keduanya 1920). Tahun itu dia juga bergabung dengan London Group (asosiasi seniman progresif) dan mulai berpameran dengan mereka. Smith bertemu dan jatuh cinta dengan seniman Inggris Vera Cunningham pada sekitar tahun 1922 dan meninggalkan (tetapi tidak menceraikan) istrinya untuk bersamanya. Cunningham menjadi model untuk banyak foto telanjangnya di tahun 1920-an dan 30-an.
Smith kembali ke London pada tahun 1940. Di sana, selain benda mati dan lanskap, dia melukis komposisi figur dan beberapa potret seniman, aktor, dan penulis, termasuk empat pelukis Augustus John, aktris Jean Simmons (c. 1948-49), dan penulis Roald Dahl (c. 1944), yang merupakan penggemar (dan pemilik) karya Smith. Dia memiliki karir akhir yang sukses di London. Dia sering dipamerkan, dua kali (1938 dan 1950) di Venice Biennale. Pada tahun 1949 Smith diangkat menjadi Commander of the Most Excellent Order of the British Empire (CBE) dan dianugerahi gelar ksatria lima tahun kemudian.
Raoul Dufy, (lahir 3 Juni 1877, Le Havre, Prancis—meninggal 23 Maret 1953, Forcalquier), pelukis dan desainer Prancis yang terkenal karena pemandangan kemewahan dan kesenangannya yang berwarna cerah dan sangat dekoratif.
Pada tahun 1900 Dufy pergi ke Paris untuk menghadiri École des Beaux-Arts. Dia melukis dengan gaya Impresionis dalam karya awalnya, tetapi pada tahun 1905 dia mulai menggunakan sapuan kuas yang luas dan warna-warna cerah yang khas dari seniman Fauve. Pameran karya Paul Cézanne tahun 1907 meyakinkan Dufy untuk mengadopsi warna dan komposisi terstruktur yang lebih tenang untuk sementara waktu. Dia bekerja dalam gaya yang dipengaruhi kubisme dengan pelukis Georges Braque dan Émile-Othon Friesz selama tahun 1908 dan 1909, tetapi dia segera kembali ke pendekatan Fauvist yang lebih riang.
Dufy juga artis yang sukses di media lain. Pada tahun 1910 ia menghasilkan serangkaian potongan kayu untuk menggambarkan Bestiary penyair Guillaume Apollinaire. Dia mulai membuat desain untuk perusahaan tekstil pada tahun 1912, dan pada 1920-an dia merancang keramik dan permadani.
Pada awal 1920-an Dufy mendedikasikan kembali dirinya untuk melukis dan mulai menghasilkan apa yang sekarang menjadi karya-karyanya yang paling terkenal. Gaya khasnya ditandai dengan warna-warna cerah yang tersebar tipis di atas tanah putih, dengan benda-benda yang digambarkan dengan samar oleh garis-garis bergelombang yang sensual. Dufy mengambil sebagai subjek adegan rekreasi dan tontonan, termasuk pacuan kuda, lomba layar, parade, dan konser. Dia menghabiskan sebagian besar waktunya di French Riviera dan menghasilkan serangkaian lukisan Nice (1927), Bois de Boulogne (1929), dan Deauville (1930). Dia juga bekerja sebagai ilustrator dan pembuat cetakan, membuat etsa dan litograf yang digambar secara aneh di tahun 1920-an dan 30-an. Meskipun sangat populer, lukisannya yang hidup, riang, dan elegan telah dikritik karena kadang-kadang berbatasan dengan yang dangkal.
André Derain, (lahir 10 Juni 1880, Chatou, Prancis—meninggal 8 September 1954, Garches), pelukis, pematung, pembuat cetakan, dan desainer Prancis yang merupakan salah satu Fauvists utama.
Derain belajar melukis di Paris di Académie Carriere dari tahun 1898 hingga 1899. Dia mengembangkan gaya awalnya dalam asosiasi dengan Maurice de Vlaminck, yang dia temui pada tahun 1900, dan dengan Henri Matisse, yang telah menjadi sesama siswa Derain di Académie Carriere. Bersama dengan kedua pelukis ini, Derain adalah salah satu eksponen utama Fauvisme dari tahun 1905 hingga 1908. Seperti seniman lain yang bekerja dengan gaya ini, dia melukis lanskap dan mempelajari figur dalam warna-warna cemerlang, terkadang murni dan menggunakan sapuan kuas yang rusak dan garis impulsif untuk menentukan komposisi spontannya.
Derain memutuskan dengan Fauvisme pada tahun 1908, ketika ia untuk sementara dipengaruhi oleh karya-karya pelukis Post-Impresionis Paul Cézanne. Derain bekerja selama beberapa tahun dalam bentuk Kubisme yang bergaya, tetapi pada tahun 1920-an lukisan telanjang, benda mati, dan potretnya menjadi semakin Neoklasik, dan spontanitas dan impulsif yang membedakan karya sebelumnya secara bertahap menghilang. Seninya hampir tidak mengalami perubahan setelah tahun 1920-an, meskipun gayanya yang lebih konservatif membawanya kesuksesan finansial.
Derain memiliki kemampuan yang cukup besar sebagai dekorator dan menciptakan desain teater, terutama untuk Ballets Russes. Dia juga menghasilkan banyak ilustrasi buku, seringkali dalam potongan kayu, untuk karya-karya penulis seperti François Rabelais, Antonin Artaud, dan André Breton.
Weber berimigrasi ke New York City bersama orang tuanya pada tahun 1891 dan belajar dari tahun 1898 hingga 1900 di Pratt Institute di Brooklyn dengan guru terkenal Arthur Wesley Dow. Dari tahun 1905 hingga 1908 ia tinggal di Paris, di mana ia belajar di Académie Julian dan dengan Henri Matisse. Saat di Paris, Weber menjadi reguler di salon Leo dan Gertrude Stein dan menjalin persahabatan dengan seniman Henri Rousseau dan Pablo Picasso. Setelah kembali ke New York pada tahun 1909, dia menjadi bagian dari lingkaran avant-garde kota dan merupakan salah satu peserta pameran di galeri "291" Alfred Stieglitz. Antara 1909 dan 1917 ia melukis banyak gambarnya yang paling terkenal, termasuk The Geranium (1911) yang terinspirasi Fauvist dan Chinese Restaurant (1915), sebuah karya yang dibuat dengan cara Synthetic Cubist. Selama periode ini dia menyukai mata pelajaran seperti gedung pencakar langit dan interior kota. Dalam studi figurnya ia mengekspresikan dinamisme kota Amerika dengan memecah-belah objek yang bergerak.
Sabat, minyak di atas kanvas oleh Max Weber, 1919; di Museum Yahudi, Kota New York. 31,8 × 25,4 cm.
Karya Weber menjadi semakin representasional setelah 1917, tetapi ia terus terpesona dengan eksplorasi warna dan bentuk. Selama 20 tahun terakhir karirnya banyak lukisannya didasarkan pada materi pelajaran Yahudi, terutama tema Hasidik. Seperti banyak seniman imigran selama tahun 1930-an, Weber menjadi aktif dalam tujuan sosialis dan, pada tahun 1937, menjabat sebagai ketua nasional Kongres Seniman Amerika, sebuah kelompok seniman antifasis. Weber mengajar di Art Students League di New York, mengajar kelas melukis yang dihadiri Mark Rothko muda. Publikasi Weber termasuk Essays on Art (1916) dan Primitives (1926).
Neue Künstlervereinigung (NKV), (Jerman: Asosiasi Seniman Baru) kelompok pameran yang didirikan di Munich, Jerman, pada tahun 1909 oleh Wassily Kandinsky, Alexey von Jawlensky, Gabriel Münter, dan banyak lainnya yang disatukan oleh oposisi terhadap seni resmi Munich daripada oleh kesamaan gaya.
Grup ini mengadakan pameran pertamanya pada Desember 1909, di Moderne Galerie Thannhauser, Munich. Anggotanya termasuk Adolf Erbslöh, Alexander Kanoldt, Alfred Kubin, Marianne von Werefkin, Karl Hofer, dan beberapa seniman lainnya. Karya-karya yang dipamerkan, yang terutama mencerminkan gaya Jugendstil dan Fauvisme yang lebih baru, tidak diterima dengan baik oleh para kritikus atau publik.
Pameran kedua NKV, yang diadakan pada bulan September 1910 di Thannhauser, memiliki cakupan internasional dan termasuk, selain karya-karya anggota, karya-karya Pablo Picasso, Georges Braque, Georges Rouault, Kees van Dongen, André Derain, Maurice de Vlaminck, Henri Le Fauconnier, dan saudara-saudara David dan Vladimir Burlyuk. Pameran ini dikecam oleh para kritikus karena, antara lain, termasuk seniman asing, terutama Rusia, yang dianggap sebagai ancaman bagi budaya Bavaria.
Selama persiapan untuk pameran NKV ketiga, yang diadakan pada bulan Desember 1911 di Thannhauser, perbedaan dalam pandangan estetika menyebabkan perpecahan dalam kelompok. Kehanutan itu sebagian disebabkan oleh penolakan juri terhadap lukisan Kandinsky yang besar dan agak abstrak, Composition V (1911). Franz Marc (pelukis terakhir yang bergabung dengan grup) dan Kandinsky, mendukung kebebasan berekspresi, menjadi selaras dengan sejarawan seni yang lebih konservatif Otto Fischer (yang kemudian menjadi juru bicara NKV), Kanoldt, dan Erbslöh. Kandinsky dan Marc meninggalkan asosiasi (seperti yang dilakukan Münter dan Kubin), dan bersama-sama mereka membentuk kelompok saingan, Der Blaue Reiter ("The Blue Rider"), dan memamerkan karya mereka pada bulan yang sama di Thannhauser, di kamar-kamar yang bersebelahan dengan NKV.
Ekspresionisme, gaya artistik di mana seniman berusaha untuk menggambarkan bukan realitas objektif melainkan emosi dan respons subjektif yang membangkitkan objek dan peristiwa dalam diri seseorang. Seniman mencapai tujuan ini melalui distorsi, berlebihan, primitivisme, dan fantasi dan melalui penerapan elemen formal yang jelas, menggelegar, keras, atau dinamis. Dalam arti yang lebih luas, Ekspresionisme adalah salah satu arus utama seni di akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20, dan kualitasnya yang sangat subjektif, pribadi, ekspresi diri spontan adalah ciri khas dari berbagai seniman modern dan gerakan seni. Ekspresionisme juga dapat dilihat sebagai kecenderungan permanen dalam seni Jerman dan Nordik dari setidaknya Abad Pertengahan Eropa, terutama pada saat perubahan sosial atau krisis spiritual, dan dalam pengertian ini membentuk kebalikan dari kecenderungan rasionalis dan klasik Italia dan kemudian Prancis.
Jeritan Edvard Munch, dijelaskan
Jeritan adalah salah satu gambar paling akrab dalam seni modern.
Lebih khusus lagi, Ekspresionisme sebagai gaya atau gerakan yang berbeda mengacu pada sejumlah seniman Jerman, serta seniman Austria, Prancis, dan Rusia, yang menjadi aktif pada tahun-tahun sebelum Perang Dunia I dan tetap demikian sepanjang sebagian besar periode antar perang.
The Starry Night, minyak di atas kanvas oleh Vincent van Gogh, 1889; di Museum Seni Modern, Kota New York.
Akar dari sekolah Ekspresionis Jerman terletak pada karya-karya Vincent van Gogh, Edvard Munch, dan James Ensor, yang masing-masing pada periode 1885–1900 mengembangkan gaya lukisan yang sangat pribadi. Seniman-seniman ini menggunakan kemungkinan ekspresif warna dan garis untuk mengeksplorasi tema dramatis dan sarat emosi, untuk menyampaikan kualitas ketakutan, horor, dan keanehan, atau hanya untuk merayakan alam dengan intensitas halusinasi. Mereka memisahkan diri dari representasi literal alam untuk mengekspresikan pandangan atau keadaan pikiran yang lebih subjektif.
Dance Around the Golden Calf, lukisan cat minyak oleh Emil Nolde, 1910; di Bayerische Staatsgemaldesammlungen, Munich.
Gelombang Ekspresionisme kedua dan utama dimulai sekitar tahun 1905, ketika sekelompok seniman Jerman yang dipimpin oleh Ernst Ludwig Kirchner membentuk asosiasi longgar yang disebut Die Brücke ("Jembatan"). Grup tersebut termasuk Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, dan Fritz Bleyl. Pelukis-lukis ini memberontak terhadap apa yang mereka lihat sebagai naturalisme dangkal dari akademikImpresionisme. Mereka ingin memasukkan kembali seni Jerman dengan kekuatan spiritual yang mereka rasa tidak ada, dan mereka berusaha melakukan ini melalui ekspresi elemental, sangat pribadi dan spontan. Anggota asli Die Brücke segera bergabung dengan Jerman Emil Nolde, Max Pechstein, dan Otto Müller. Para Ekspresionis dipengaruhi oleh pendahulu mereka tahun 1890-an dan juga tertarik pada ukiran kayu Afrika dan karya-karya seniman abad pertengahan dan Renaisans Eropa Utara seperti Albrecht Dürer, Matthias Grünewald, dan Albrecht Altdorfer. Mereka juga menyadari Neo-Impressionism, Fauvism, dan gerakan terbaru lainnya.
Ekspresionis Jerman segera mengembangkan gaya yang terkenal karena kekerasan, keberanian, dan intensitas visualnya. Mereka menggunakan garis-garis bergerigi dan terdistorsi; kasar, kuas cepat; dan warna-warna menggelegar untuk menggambarkan pemandangan jalanan perkotaan dan subjek kontemporer lainnya dalam komposisi yang ramai dan gelisah yang terkenal karena ketidakstabilan dan suasana emosional mereka. Banyak dari karya mereka mengekspresikan frustrasi, kecemasan, jijik, ketidakpuasan, kekerasan, dan umumnya semacam intensitas perasaan yang hingar bingar dalam menanggapi keburukan, banalitas yang kasar, dan kemungkinan serta kontradiksi yang mereka lihat dalam kehidupan modern. Potongan kayu, dengan lapisan bergerigi tebal dan kontras nada yang keras, adalah salah satu media favorit Ekspresionis Jerman.
Karya-karya seniman Die Brücke merangsang Ekspresionisme di bagian lain Eropa. Oskar Kokoschka dan Egon Schiele dari Austria mengadopsi kuas dan garis sudut mereka yang tersiksa, dan Georges Rouault dan Chaim Soutine di Prancis masing-masing mengembangkan gaya lukisan yang ditandai dengan ekspresi emosional yang intens dan distorsi kekerasan dari materi pelajaran figural. Pelukis Max Beckmann, seniman grafis Käthe Kollwitz, dan pematung Ernst Barlach dan Wilhelm Lehmbruck, semuanya dari Jerman, juga bekerja dalam mode Ekspresionis. Para seniman yang termasuk dalam kelompok yang dikenal sebagai Der Blaue Reiter ("The Blue Rider") kadang-kadang dianggap sebagai Ekspresionis, meskipun seni mereka umumnya liris dan abstrak, kurang emosional secara terang-terangan, lebih harmonis, dan lebih peduli dengan masalah formal dan bergambar daripada seniman Die Brücke.
Ekspresionisme adalah gaya dominan di Jerman pada tahun-tahun segera setelah Perang Dunia I, di mana ia cocok dengan suasana sinisme, keterasingan, dan kekecewaan pascaperang. Beberapa praktisi gerakan selanjutnya, seperti George Grosz dan Otto Dix, mengembangkan perpaduan Ekspresionisme dan realisme yang lebih tajam dan kritis secara sosial yang dikenal sebagai Neue Sachlichkeit ("Ektifitas Baru"). Seperti yang dapat dilihat dari label seperti Ekspresionisme Abstrak dan Neo-Pengekspresian, kualitas Ekspresionisme yang spontan, naluriah, dan sangat emosional telah dibagikan oleh beberapa gerakan seni berikutnya di abad ke-20.
Ekspresionisme dalam sastra muncul sebagai reaksi terhadap materialisme, kemakmuran borjuis yang baik, mekanisasi dan urbanisasi yang cepat, dan dominasi keluarga dalam masyarakat Eropa sebelum Perang Dunia I. Itu adalah gerakan sastra yang dominan di Jerman selama dan segera setelah Perang Dunia I.
Dalam menempa drama protes sosial, penulis Ekspresionis bertujuan untuk menyampaikan ide-ide mereka melalui gaya baru. Perhatian mereka adalah dengan kebenaran umum daripada dengan situasi tertentu; karenanya, mereka mengeksplorasi dalam drama mereka kesulitan jenis simbolis yang representatif daripada karakter individual yang dikembangkan sepenuhnya. Penekanan diletakkan bukan pada dunia luar, yang hanya dibuat sketsa dan hampir tidak didefinisikan di tempat atau waktu, tetapi pada internal, pada kondisi mental individu; karenanya, imitasi kehidupan digantikan dalam drama Ekspresionis dengan kebangkitan keadaan pikiran yang luar biasa. Karakter utama dalam drama Ekspresionis sering mencurahkan kesengsaraannya dalam monolog panjang yang ditulis dalam bahasa yang terkonsentrasi, elips, hampir telegram yang mengeksplorasi malaise spiritual kaum muda, pemberontakannya terhadap generasi yang lebih tua, dan berbagai solusi politik atau revolusioner yang muncul dengan sendirinya. Perkembangan batin karakter utama dieksplorasi melalui serangkaian tableaux yang terkait secara longgar, atau "stasiun", di mana ia memberontak melawan nilai-nilai tradisional dan mencari visi kehidupan spiritual yang lebih tinggi.
Puisi ekspresionis, yang muncul pada saat yang sama dengan rekan dramatisnya, juga tidak merujuk dan mencari lirik yang gembira dan seperti himne yang akan memiliki kekuatan asosiatif yang cukup besar. Puisi yang kental dan dipretret ini, menggunakan rangkaian kata benda dan beberapa kata sifat dan kata kerja infinitif, menghilangkan narasi dan deskripsi untuk mendapatkan esensi perasaan. Penyair Ekspresionis utama adalah Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl, dan Else Lasker-Schüler dari Jerman dan penyair Ceko Franz Werfel. Tema dominan dari ayat Ekspresionis adalah horor atas kehidupan perkotaan dan visi apokaliptik tentang runtuhnya peradaban. Beberapa penyair pesimis dan puas dengan menyindir nilai-nilai borjuis, sementara yang lain lebih peduli dengan reformasi politik dan sosial dan menyatakan harapan untuk revolusi yang akan datang. Di luar Jerman, penulis drama yang menggunakan teknik dramatis Ekspresionis termasuk penulis Amerika Eugene O'Neill dan Elmer Rice.
Masih dari film klasik Ekspresionis Robert Wiene The Cabinet of Dr. Caligari (1919).
Sangat dipengaruhi oleh seni panggung Ekspresionis, film Ekspresionis paling awal berangkat untuk menyampaikan melalui dekorasi keadaan mental subjektif protagonis. Yang paling terkenal dari film-film ini adalah The Cabinet of Dr. Caligari (1920), di mana seorang orang gila menceritakan pemahamannya tentang bagaimana dia bisa berada di rumah sakit jiwa. Jalan-jalan dan bangunan yang cacat dari set adalah proyeksi alam semestanya sendiri, dan karakter lain telah diabstraksikan melalui riasan dan pakaian menjadi simbol visual.Kebangkitan mengerikan film tentang horor, ancaman, dan kecemasan serta pencahayaan yang dramatis, bayangan, dan set aneh menjadi model gaya untuk film Ekspresionis oleh beberapa sutradara besar Jerman. Versi kedua Paul Wegener dari The Golem (1920), F.W. Nosferatu (1922) karya Murnau, dan Metropolis (1927) karya Fritz Lang, di antara film-film lain, menyajikan visi pesimis tentang keruntuhan sosial atau mengeksplorasi dualitas sifat manusia yang tidak menyenangkan dan kapasitasnya untuk kejahatan pribadi yang mengerikan.
Sementara beberapa mengklasifikasikan komposer Arnold Schoenberg sebagai Ekspresionis karena kontribusinya pada almanak Blaue Reiter, Ekspresionisme musik tampaknya telah menemukan jalan keluar yang paling alami dalam opera. Di antara contoh awal dari karya Ekspresionis tersebut adalah pengaturan opera Paul Hindemith dari drama proto-Expressionis Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (1919), dan Sancta Susanna (1922) karya August Stramm. Opera Ekspresionis yang paling menonjol, bagaimanapun, adalah dua oleh Alban Berg: Wozzeck, ditampilkan pada tahun 1925, dan Lulu, yang tidak ditampilkan secara keseluruhan sampai 1979.
Penurunan gerakan
Penurunan Ekspresionisme diperlambat oleh ketidakjelasan kerinduannya untuk dunia yang lebih baik, dengan penggunaan bahasa yang sangat puitis, dan secara umum sifat mode presentasinya yang sangat pribadi dan tidak dapat diakses. Pembentukan kembali sebagian stabilitas di Jerman setelah 1924 dan pertumbuhan gaya realisme sosial yang lebih terang-terangan politik mempercepat penurunan gerakan pada akhir 1920-an. Ekspresionisme secara definitif dibunuh oleh munculnya Nazi untuk berkuasa pada tahun 1933. Mereka mencap karya hampir semua Ekspresionis sebagai merosot dan melarang mereka untuk memamerkan atau menerbitkan dan akhirnya bahkan untuk bekerja. Banyak Ekspresionis pergi ke pengasingan di Amerika Serikat dan negara-negara lain.
Kubisme, gaya seni visual yang sangat berpengaruh pada abad ke-20 yang diciptakan terutama oleh seniman Pablo Picasso dan Georges Braque di Paris antara tahun 1907 dan 1914. Gaya kubisme menekankan permukaan datar dua dimensi dari bidang gambar, menolak teknik perspektif tradisional, mempersingkat, memodelkan, danchiaroscurodan menyangkal teori yang dihormati waktu bahwa seni harus meniru alam. Pelukis kubisme tidak terikat untuk menyalin bentuk, tekstur, warna, dan ruang. Sebaliknya, mereka menyajikan realitas baru dalam lukisan yang menggambarkan objek yang terfragmentasi secara radikal.
Kubisme mendapatkan namanya dari komentar yang dibuat oleh kritikus Louis Vauxcelles, yang dengan mengejek menggambarkan rumah kerja Braque tahun 1908 di L'Estaque sebagai terdiri dari kubus. Dalam lukisan Braque, volume rumah, bentuk silinder pohon, dan skema warna cokelat-dan-hijau mengingatkan pada lanskap Paul Cézanne, yang sangat menginspirasi Kubis dalam tahap pertama pengembangan mereka (hingga 1909). Namun, Les Demoiselles d'Avignon, yang dilukis oleh Picasso pada tahun 1907, yang menandakan gaya baru; dalam karya ini, bentuk lima telanjang wanita menjadi retak, bentuk sudut. Seperti dalam seni Cézanne, perspektif diberikan melalui warna, dengan warna kemerahan-coklat hangat maju dan biru dingin surut.
Perkembangan gerakan dari tahun 1910 hingga 1912 sering disebut sebagai Kubisme Analit. Selama periode ini, karya Picasso dan Braque menjadi sangat mirip sehingga lukisan mereka hampir tidak dapat dibedakan. Lukisan Kubisme Analitik oleh kedua seniman menunjukkan pemecahan, atau analisis, bentuk. Picasso dan Braque menyukai konstruksi sudut kanan dan garis lurus, meskipun kadang-kadang beberapa area lukisan mereka tampak pahatan, seperti dalam Picasso's Girl with a Mandolin (1910). Mereka menyederhanakan skema warna mereka ke skala yang hampir monokromatik (warna cokelat, coklat, abu-abu, krem, hijau, atau biru lebih disukai) agar tidak mengalihkan perhatian penonton dari minat utama artis—struktur bentuk itu sendiri. Skema warna monokromatik cocok untuk presentasi kompleks, beberapa tampilan objek, yang direduksi menjadi bidang buram dan transparan yang tumpang tindih. Pesawat-pesawat ini tampaknya bergerak melampaui permukaan kanvas daripada surut secara mendalam. Bentuk umumnya kompak dan padat di tengah lukisan Kubistik Analitik, tumbuh lebih besar saat menyebar ke tepi kanvas, seperti dalam PotretPicasso dari Ambroise Vollard (1909–10). Dalam karya mereka dari periode ini, Picasso dan Braque sering menggabungkan motif representasional dengan huruf; motif favorit mereka adalah alat musik, botol, kendi, gelas, koran, dan wajah dan sosok manusia.
Minat dalam materi pelajaran ini berlanjut setelah 1912, selama fase yang umumnya diidentifikasi sebagai Kubisme Sintetis. Karya fase ini menekankan kombinasi, atau sintesis, bentuk dalam gambar. Warna mengasumsikan peran yang kuat dalam karya-karya ini; bentuk, sementara tetap terfragmentasi dan datar, lebih besar dan lebih dekoratif. Permukaan yang halus dan kasar dapat dikontraskan satu sama lain, dan seringkali bahan asing, seperti koran atau pembungkus tembakau, ditempelkan di atas kanvas dalam kombinasi dengan area yang dicat. Teknik ini, yang dikenal sebagai kolase, lebih lanjut menekankan perbedaan tekstur dan, pada saat yang sama, menimbulkan pertanyaan tentang apa itu realitas dan apa itu ilusi.
Fernand Léger, (lahir 4 Februari 1881, Argentan, Prancis—meninggal 17 Agustus 1955, Gif-sur-Yvette), pelukis Prancis yang sangat dipengaruhi oleh teknologi industri modern dan Cubisme. Dia mengembangkan "seni mesin," sebuah gaya yang dicirikan oleh bentuk mekanistik monumental yang diberikan dalam warna-warna berani.
Léger lahir dalam keluarga petani di sebuah kota kecil di Normandia. Dia melayani magang dua tahun di kantor arsitek di Caen, dan pada tahun 1900 dia pergi bekerja di Paris, pertama sebagai juru gambar arsitektur dan kemudian sebagai retoucher foto. Pada tahun 1903 ia mendaftar di Sekolah Seni Dekoratif Paris; meskipun ia gagal masuk ke École des Beaux-Arts, ia juga mulai belajar di bawah dua profesornya sebagai murid tidak resmi. Léger sangat dipengaruhi oleh retrospektif karya Paul Cézanne di Paris Salon d'Automne tahun 1907.
Léger telah melukis dengan gaya yang memadukan Impresionisme dengan Fauvisme. Di bawah pengaruh lingkungan barunya, dia meninggalkan gaya-gaya itu untuk pendekatan yang lebih Kubisme. Pada saat itu, gaya Picasso dan Braque's Cubist memerlukan bentuk rekah menjadi beberapa bidang yang berpotongan; Léger mengadaptasi teknik mereka untuk memecah bentuk menjadi bentuk tubular. Pada tahun 1909 ia memproduksi The Seamstress, di mana ia mengurangi warnanya menjadi kombinasi biru-abu-abu dan buff dan membuat tubuh manusia sebagai massa lempengan dan silinder yang menyerupai robot. Gayanya dengan tepat dijuluki "tubisme."
Pada tahun 1913 Léger sedang melukis serangkaian studi abstrak yang dia sebut Contrast of Forms. Dia menciptakan lukisan-lukisan ini untuk mengilustrasikan teorinya bahwa cara untuk mencapai efek bergambar terkuat adalah dengan menyandingkan kontras warna, garis melengkung dan lurus, dan padatan dan bidang datar. Pada tahun 1914 dia memberikan kuliah berjudul "Pencapaian Kontemporer dalam Lukisan," di mana dia membandingkan kontras dalam lukisannya dengan penampilan papan billboard yang menggelegar di lanskap. Dia berpendapat bahwa perkembangan seperti itu harus dianut oleh pelukis sebagai penegasan iman dalam kehidupan modern dan budaya populer.
Selama Perang Dunia I, di mana ia berjuang sebagai sapper (insinyur militer) di garis depan, Léger memperoleh perhatian baru untuk membuat seni dapat diakses oleh kelas pekerja. Dia juga mengembangkan minat baru dalam bentuk silinder, seperti yang ditemukan dalam persenjataan. "Tanpa transisi," dia ingat, "Saya menemukan diri saya di tingkat seluruh orang Prancis. ...Pada saat yang sama saya terpesona oleh sungsang 75 [potongan artileri] di bawah sinar matahari penuh, oleh keajaiban cahaya pada logam telanjang. ...Revolusi total, sebagai manusia dan sebagai pelukis.” Setelah digas pada Pertempuran Verdun, ia dirawat di rumah sakit untuk waktu yang lama dan akhirnya dibebaskan dari tentara pada tahun 1917. Tahun itu dia menyelesaikan The Card Party, yang didasarkan pada sketsa rekan-rekan tentaranya. Dia menganggap karya ini sebagai "gambar pertama di mana saya sengaja mengambil subjek saya dari zaman kita sendiri."
Partai Kartu menandai awal transisi Léger ke dalam apa yang disebut periode mekanisnya, yang ditandai dengan daya tarik dengan motor, roda gigi, bantalan, tungku, perlintasan kereta api, dan interior pabrik. Dia berusaha untuk menggambarkan keindahan kehidupan perkotaan dengan menggambarkan manusia sebagai figur geometris dan mekanis yang terintegrasi dengan lingkungan mereka yang sama-sama geometris dan mekanis. Three Women (1921) dianggap sebagai mahakarya periode mekanik Léger.
Pada pertengahan 1920-an Léger dikaitkan dengan gerakan formalis Prancis yang disebut Purisme, yang telah diluncurkan oleh pelukis Amédée Ozenfant dan pelukis-arsitek Le Corbusier. Purisme adalah upaya untuk menghilangkan Kubisme dari aspek dekoratifnya; Léger akibatnya mengadopsi warna-warna yang lebih datar dan garis-garis hitam yang berani dalam karyanya. Sejak saat itu, seninya pada dasarnya kiasan, dan satu-satunya perubahan signifikan dalam gayanya terjadi di akhir karirnya, selama Perang Dunia II, ketika dia mulai menggambar sosoknya dalam warna abu-abu dan hitam dan menggunakan pita warna sebagai elemen latar belakang abstrak.
Léger juga bereksperimen dengan media lain. Pada tahun 1926 ia menyusun, mengarahkan, dan memproduksi The Mechanical Ballet, sebuah film murni non-naratif dengan fotografi oleh Man Ray dan Dudley Murphy dan musik oleh komposer Amerika George Antheil. Dia juga merancang set untuk balet dan film, dan dia menciptakan mosaik dan jendela kaca patri. Léger tertarik pada hubungan antara warna dan arsitektur, dan dia dapat mewujudkan beberapa idenya di fasad mosaik Notre-Dame de Toute-Grâce di Plateau d'Assy, di Prancis tenggara (1949); dalam mosaik untuk ruang bawah tanah peringatan Amerika di Bastogne (1950); dalam mural untuk gedung Perserikatan Bangsa-Bangsa di Kota New York (1952); dan dalam beberapa proyek untuk jendela kaca patri, seperti untuk Sacré-Coeur, sebuah gereja di Audincourt, Prancis (1951).
Léger bergabung dengan Partai Komunis Prancis pada tahun 1945. Selama tahun-tahun terakhir hidupnya, lukisan utamanya adalah The Constructors (1950) dan The Great Parade (1954). Léger berharap bahwa karya-karya ini, yang menggambarkan kegiatan rekreasi orang-orang kelas pekerja, akan menarik bagi masyarakat umum, tetapi mereka tidak pernah mencapai popularitas yang luas.
Beberapa seniman abad ke-20 menerima Revolusi Industri dengan antusiasme sebanyak yang ditunjukkan Léger selama karirnya yang panjang dan—meskipun secara kualitatif tidak merata—karier yang sangat konsisten. Di Biot, di Prancis selatan, sebuah museum dikhususkan untuk karyanya.
Robert Delaunay, (lahir 12 April 1885, Paris—meninggal Oktober. 25, 1941,Montpellier, Fr.), pelukis Prancis yang pertama kali memperkenalkan warna-warna cerah ke dalam Cubism dan dengan demikian memulai tren dalam lukisan Kubisme yang dikenal sebagai Orphism (q.v.). Dia adalah salah satu pelukis nonrepresentasional paling awal, dan karyanya mempengaruhi perkembangan seni abstrak berdasarkan ketegangan komposisi yang diciptakan oleh bidang warna yang dijandingkan.
Delaunay awalnya adalah seorang desainer teater dan hanya melukis paruh waktu. Tapi dia segera berada di bawah pengaruh penggunaan warna Neo-Impresionis. Pada tahun 1910 dia telah membuat kontribusinya sendiri untuk Kubisme dalam dua seri lukisan, katedral dan "Menara Eiffel," yang menggabungkan bentuk Cubist yang terfragmentasi dengan gerakan dinamis dan warna yang hidup. Penggunaan ritme bergambar dan harmoni warna yang baru dan individual ini memiliki daya tarik langsung pada indera dan, dikombinasikan dengan materi pelajaran puitis, membedakannya dari pelukis Cubist yang lebih ortodoks. Gaya Orphic-nya, diadopsi juga oleh istrinya, pelukis Sonia Terk Delaunay (1885-1979), memiliki pengaruh langsung pada karya Der Blaue Reiter (The Blue Rider), sebuah kelompok pelukis Ekspresionis yang berbasis di Munich.
Dua tahun kemudian dia menemukan jalannya menuju lukisan yang benar-benar tidak objektif ketika dia membuat seri lukisan "Colour Disks" dan "Windows". Bersama dengan istrinya, Delaunay mengerjakan dekorasi abstrakmural yang besar dan mengesankan untuk Pameran Paris tahun 1937. Delaunay terus melukis karya yang menyatakan kembali teori Orphic-nya.
Ivan Albertovich Puni, (lahir 22 Februari [5 Maret, Gaya Baru], 1892, Kuokkala, Fin. [sekarang Repino, Rusia]—meninggal 28 Desember 1956, Paris, Prancis), pelukis dan seniman grafis Rusia yang secara aktif memajukan perkembangan awal (praperang) dari avant-garde Rusia.
Putra seorang pemain cello dan cucu dari komposer terkenal Tsezar Puni (1802-70, awalnya Cesare Pugni dari Italia), Ivan Puni terpapar musik dan seni di rumah, tetapi atas desakan ayahnya ia memasuki akademi militer. Dia menghindari karir militer, bagaimanapun, dan mengambil pelajaran pribadi dalam menggambar dengan Ilya Repin di St. Petersburg, dan pada tahun 1909 Puni sudah bekerja di studionya sendiri. Setelah periode studi singkat di Académie Julian di Paris, ia kembali ke St. Petersburg dan menikah dengan artis Kseniya Boguslavskaya. Sekitar waktu ini dia bertemu dengan seniman avant-garde terkemuka—David Burlyuk, Vladimir Mayakovsky,Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, dan Velimir Khlebnikov—dan apartemennya menjadi pusat seni kontemporer di St. Petersburg. Selama periode ini kemampuan organisasi Puni muncul ke permukaan. Bersama dengan istrinya, dia menerbitkan antologi Futuris Rykayushchy Parnas (1914; "Roaring Parnassus"), dan pada tahun 1915 dia menyelenggarakan pameran Futuris pertama yang terkenal, "Tramway V." Pameran ini adalah panorama Cubo-Futurisme, di garis depan adalah Malevich dan Vladimir Tatlin. Pameran ini diterima dengan permusuhan oleh pers borjuis dan menyebabkan succès de scandale. Terinspirasi oleh tanggapan ini, Puni mengorganisir "0.10," yang dia sebut pameran Futurist terakhir. Itu juga terbukti menjadi tengara dalam sejarah gerakan avant-garde, karena di dalamnya Malevich memamerkan karya-karya Suprematist untuk pertama kalinya. Dalam lukisannya sendiri, Puni juga tertarik pada penciptaan bentuk murni dan eksperimen dalam banyak gaya: ia melukis komposisi Suprematist dan benda kerja Kubisme di mana ia mengintegrasikan huruf, kata-kata, dan bahkan teks pendek. Dia menyusun "lukisan relief" dengan gaya Tatlin dan, mengikuti prinsip-prinsip Dada, mengintegrasikannya dengan yang sudah jadi.
Perang Dunia I dan Revolusi Rusia tahun 1917 mengganggu perkembangan avant-garde di Rusia, tetapi pada awal 1918 Puni mengambil bagian aktif dalam pengembangan budaya Rusia yang baru. Dia mengajar di Petrograd State Free Art Studios dan, untuk waktu yang singkat, atas undangan Marc Chagall, di People's Art School di Vitebsk (sekarang Vitsyebsk, Bela.). Namun, pada akhir 1919 Puni dan istrinya berjalan melintasi Teluk Finlandia yang beku ke wilayah Finlandia, dan kemudian pada tahun 1920 mereka berimigrasi ke Jerman. Pada tahun 1922 di Berlin ia menerbitkan Seni Modern, di mana ia mengkritik Suprematisme Malevich.
Pada tahun 1924 Puni pindah ke Prancis dan menetap di Paris. Di bawah nama Jean Pougny, ia menjadi tokoh kunci di kancah seni internasional kota.
Futurisme merupakan salah satu saliran dari seni rupa yang ingin dan berusaha untuk melupakan masa lalu serta berusaha untuk melihat masa depan atau future dengan sudut pandang yang dinamis serta universal.
Aliran ini juga tidak hanya mengkotak-kotakan salah satu konsep maupun tema pada satu sisi saja, seperti halnya aliran seni klasik. Futurisme menjadi salah satu gerakan seni sekaligus sosial yang berkembang di abad ke 20.
Aliran futurisme bertujuan untuk menangkap bentuk keindahan dari kecepatan serta energi dari teknologi yang hadir pada masyarakat modern serta dinamis. Oleh karena itu, aliran futurisme lebih menekankan pada keindahan visual, gerak, garis dan warna.
Para seniman futurisme juga sangat peduli dan memperhatikan ilmu pengetahuan, teknologi dan modernitas. Seniman futurisme juga menolak masa lalu serta menindas bangsawan yang dianggap menghalangi kemajuan dari industri serta teknologi.
Futuris, sebutan untuk seniman dengan aliran futurisme memiliki tujuan untuk menangkap sisi dinamis dari masyarakat modern yang cepat serta penuh energi dalam suatu karya seni.
Sebagai aliran seni yang menggambarkan kemajuan teknologi dan industri, aliran futurisme ini memiliki manifesto pada aliran yang memiliki nuansa pemikiran yang sama dengan salah satu dari konsep dasar fisika kuantum.
Fisika kuantum pada aliran futurisme ini hadir, terutama pada bagian super position yang artinya posisi tengah yang ada di antara dua keadaan utama yang dapat terbuka serta tertutup.
Istilah futurisme, berasal dari bahasa Perancis atau bahasa Inggris yaitu futur atau future yang artinya adalah masa depan. Futurisme merupakan suatu ilmu yang mempelajari mengenai masa depan, sesuai dengan definisinya.
Aliran futurisme merupakan aliran yang avant garde atau sebelum masanya, yaitu tepatnya pada tahun 1909 serta hadir paling kuat di Italia. Aliran ini didirikan oleh seorang seniman, bernama Filippo Marinetti pada tahun 1908.
Mulanya, aliran futurisme ini diinspirasi dari kehidupan manusia yang terus mengalami perubahan karena hadirnya penemuan mesin yang mampu menghasilkan unsur gerak serta kecepatan yang sangat berpengaruh pada kehidupan manusia di awal abad ke 20.
Tipografi dalam aliran futurisme berkembang menjadi media ekspresi pada desain dan bukan hanya mengenai makna saja, akan tetapi juga bentuk. Divisualisasikan seperti puisi yang menggunakan bentuk tipografi sebagai bentuk ungkapan perasaan yang mendukung suatu karya puisi.
Sejarah Aliran Futurisme
Aliran futurisme pertama kali dikenalkan pada khalayak pada 20 Februari tahun 1909. Aliran ini pertama kali dikenalkan ketika sebuah surat kabar ternama yaitu Paris Le Figaro menerbitkan sebuah manifesto dari seorang penyair sekaligus editor asal Italia bernama Filippo Tommaso Marinetti.
Dalam manifesto yang diterbitkan oleh surat kabar Paris Le Figaro, Tommaso Marinetti menuliskan bahwasanya futurisme hadir sebagai cerminan dari tujuannya untuk membuang seni pada masa lalu sekaligus merayakan perubahan, inovasi serta orisinalitas pada budaya serta masyarakat.
Manifesto tersebut dibuat usai Tommaso Marinetti berusaha untuk mencoba berbalik guna menghindari para pengendara sepeda serta menabrakan mobil miliknya ke selokan. Pengalaman sederhana Tommaso Marinetti kemudian memberikan inspirasi pada Marinetti untuk menulis sebuah manifesto.
Bagi Marinetti, kemajuan serta modern bagaikan sebuah mobil yang mampu mengalahkan sepeda, seperti seni-seni di masa lalu. Berangkat dari pemikiran itulah, beberapa seniman muda di Italia kemudian mulai berabung dengan gerakan yang dibuat oleh Marinetti melalui manifesto yang ia terbitkan. Beberapa seniman muda yang ikut bergabung dengan Marinetti saat itu adalah Umberto Bocciono, Luigi Russolo, Carlo Carra yang bergabung pada tahun 1910, kemudian setelah tiga seniman muda tersebut Gino Severini dan Giacomo Balla pun ikut bergabung dengan Marinetti.
Usai perang dunia pertama dimulai, banyak seniman futurisme mulai mendukung fasisme dan beberapa dari futuris mulai mengikuti aliran kubisme di Paris yang membuat aliran futurisme mulai meredup. Akan tetapi, usai perang dunia berakhir, Marinetti pun berhasil menghidupkan kembali aliran futurisme ini.
Kebangkitan dari gerakan futurisme usai perang dunia pertama berakhir, aliran futurisme kemudian disebut sebagai il secondo Futurisme yang artinya adalah Futurisme yang kedua oleh para penulis di tahun 1960-an.
Para sejarawan termasuk Giovanni Lista kemudian mengklasifikasikan sejarah futurisme menjadi beberapa dekade. Dekade pertama serta dekade awal disebut sebagai dinamisme plastik. Sedangkan dekade kedua dari futurisme disebut sebagai seni mekanik yang dimulai pada tahun 1920 an. Kemudian pada penyebutan aero estetika untuk futurisme pada tahun 1930 an.
Konsep Aliran Futurisme
Konsep dari seni aliran futurisme didasarkan pada pemikiran, bahwa energi alam harus ditampilkan pada karya seni sebagai bagian dari sensasi yang dinamis serta dapat menimbulkan kesatuan realitas. Salah satu cara dalam menampilkan sensasi tersebut, ialah dengan menampilkannya melalui penggunaan cahaya serta gerak.
Selain dengan cara menggunakan cahaya dan gerak, cara lainnya ialah dengan melakukan perubahan pada keterbatasan menjadi sesuatu hal yang dinamis. Dengan cara menerapkan bentuk-bentuk kubis yang terinspirasi dari kubisme serta menyusun teks maupuan kata melalui ilmu tipografi.
Ilmu tipografi dalam hal ini akan menyusun keelokan pada teksnya sendiri, dan bukan hanya menghiasi dengan bentuk-bentuk dekoratif saja. Tema utama pada manifesto aliran futurisme, ialah dinamisme serta universal. Tema tersebut, berusaha mencari sensasi-sensasi optik, gerak hingga sensasi dari kehebatan eksistensi messi, industri maupun pencapaian manusia pada teknologi di jaman itu.
Seluruh teman manifesto futurisme tersebut, merupakan bagian yang selama ini telah lalai diperhatikan oleh para seniman klasik. Contohnya, adalah dalam menggambarkan seorang perempuan yang berada di jendela.
Ketika menggambarkan perempuan tersebut, maka seorang seniman seharusnya memasukan unsur-unsur lain yang berada di sekitar perempuan tersebut. Unsur lain yang dimaksud dapat berupa suara bising dari kendaraan yang melintas, bagaimana ramainya kehidupan yang terlihat melalui jendela, bahkan hingga asosiasi yang dihasilkan pada pemikiran dari perempuan yang duduk di jendela tersebut.
Oleh karena itu, seni dengan aliran futurisme pun berusaha untuk menyampaikan unsur lain guna menggambarkan dinamisme serta universal dalam suatu karya seni.
Ciri-Ciri Aliran Futurisme
Aliran futurisme, merupakan aliran seni modern yang memiliki beberapa ciri-ciri serta kekhasan yang membedakan aliran futurisme dengan aliran seni lainnya. Berikut adalah ciri-ciri dari aliran futurisme.
Karya seninya meninggalkan tradisi dari seni klasik.
Menggunakan berbagai macam gaya serta teknik yang baru dan mengikuti arus dari perkembangan zaman.
Melawan sisa-sisa kehancuran batin, penyebab dari perang dunia pertama.
Menerapkan dinamisme universal yang artinya karya seni futurisme tidak hanya melihat pada suatu konsep dari satu sisi saja, akan tetapi juga melihat dari seluruh aspek termasuk hal-hal yang sering kali diabaikan oleh seniman.
Mengandung beragam elemen dalam keseharian modern yang baru. Contohnya seperti industri, mobil hingga berbagai macam teknologi mekanik lainnya yang tengah berkembang pesat pada tahun 1900 an.
Karya seni dengan aliran futurisme memiliki gambar yang dinamis.
Karya-karyanya memiliki kesan yang cepat serta energik.
Unsur ekspresi pada desain aliran futurisme, menggunakan tipografi.
Karya seni dengan aliran futurisme, mampu memanfaatkan prinsip yang tampak serta multiple viewpoints atau memiliki banyak perspektif.
Ketika melihat contoh dari seni rupa modern dengan menggunakan aliran futurisme, maka penikmat seni pun akan berusaha untuk memberikan apresiasinya pada karya seniman tersebut. Akan tetapi, dalam apresiasi seni rupa, penikmat seni harus melakukan aktivitas yang aktif. Seperti melihat, menghayati, mengamati dan memahami.
Tujuannya adalah untuk dapat mengetahui tujuan, maksud maupun unsur-unsur yang berusaha ditampilkan oleh seniman dalam karyanya. Untuk melakukan apresiasi seni rupa yang baik,
Tokoh-Tokoh Aliran Futurisme
Futurisme adalah gerakan seni serta budaya secara umum yang berkembang dan memiliki banyak pengikut usai Marinetti mengirimkan manifestonya. Berikut dalah beberapa tokoh dari aliran futurisme yang paling berpengaruh.
1. Fortunato Depero
Depereo adalah seorang seniman sekaligus pujangga yang fokus pada aliran futurisme. Selain sebagai seniman seni rupa yaitu melukis, Depereo juga dikenal dengan karya sastranya serta dikenal pula sebagai seorang desainer grafis terkemuka.
Sebagai seorang seniman, Depereo menjadi pengelola bagi periklanan untuk banyak perusahaan di New York. ia juga menjadi salah satu ilustrator legendaris yang pernah membuat cover majalah ternama yaitu Vogue dan The New Yorker dalam berbagai publikasi. Hingga saat ini, majalah The New Yorker bahkan masih menggunakan gaya-gaya ilustrasi seni yang sejenis dengan gaya Depereo.
2. Lucio Venna
Venna lahir di Venice, kemudian pada tahun 1912 ia memutuskan untuk pindah ke Florence. Ketika pindah dari Venice, Venna kemudian bekerja dengan seorang illustrator bernama Emilio Notte dan kemudian bertemu dengan pencetus atau penggagas dari aliran futurisme, yaitu Filippo Marinetti di Florence.
Usai bertemu dengan Marinetti, Venna kemudian mengikuti aliran futurisme. Karya-karya yang diciptakan oleh Lucio Venna meliputi cover-cover seperti Grand Sport pada tahun 1930 hingga 1932, kemudian karyanya dalam periklanan untuk Debenham dan Freebody, sempat berkolaborasi pula sebagai seorang direktur artistik di Scena Illustrata dan London.
Pada tahun 1917, Lucio Venna bersama Emilio Notte kemudian menulis sebuah buku berjudul The Basic Linear Geometrics. Lalu pada tahun 1922, Lucio Venna lebih banyak berkarya dengan seni lukis. Beberapa dari karya Lucio Venna cukup terkenal, seperti Alberi, Luna Park dan tentunya poster-poster gambar yang ia buat.
3. Nocolay Diuldherof
Nocolay Diuldheroff adalah seorang tipografer, ia lahir di Bulgaria dan sempat menempuh studi di Vienna School or Arts and Craft pada tahun 1920 hingga 1921, lalu melanjutkan masa studi di The New School of Art di Dresdenn pada tahun 1922 dan sempat mengambil masa studi yang singkat selama beberapa bulan di Johannes Itten di Jerman, Bauhaus.
Memiliki latar belakang pendidikan dalam seni yang luar biasa, Diuldheroff menjadi sosok desainer ternama dan merancang berbagai macam produk mulai dari keramik, lampu hingga kaca. Seperti seniman aliran futurisme lainnya, Diuldheroff juga bekerja pada firma periklanan untuk Campari, Cinzano serta Unica.
Nocolay Diuldheroff turut memiliki andil dalam satu satu event terbesar untuk aliran futurisme, event tersebut adalah Turin International Exhibition yang digelar pada tahun 19129. Kemudian, pada tahun yang sama pula, penguasaan aliran seni futurisme yang dimiliki oleh Nocolay Diuldherof akhirnya dipamerkan pada Turin untuk jangka waktu yang cukup lama.
4. Filippo Tommaso Marinetti
Marinetti adalah pencetus dari aliran futurisme yang pertama kali memperkenalkan dan menyebarkan gagasannya mengenai seni dari sebuah peristiwa kecil ketika ia berkendara.
Selain sebagai pencetus aliran futurisme, Marinetti adalah seorang penyair yang lahir di Mesir pada tahun 1876. Ketika mencetuskan aliran futurisme ini, ada satu pernyataannya yang cukup terkenal pada manifesto yang ia terbitkan di surat kabar.
“Menyerang masa lalu serta menjunjung tinggi kehidupan di masa kini yang telah diubah dengan nyata oleh ilmu pengetahuan serta teknologi modern.” Dengan pernyataan tersebut, Marinetti berhasil menggandeng sejumlah seniman yang turut menggunakan aliran futurisme yang dicetuskan pada masa tersebut.
5. Carlo Carra
Tokoh berpengaruh lainnya dalam kelahiran dan penyebaran aliran futurisme adalah Carlo Carra. Carra adalah salah satu seniman yang langsung bergabung dengan aliran futurisme, usai Marinetti menyebarkan futurisme melalui manifesto pada surat kabar.
Meskipun turut andil dan memiliki peran besar dalam penyebaran aliran futurisme, sebelumnya Carlo Carra sempat menjadi pendukung dari tradisi seni di Italia dan pernah melukis pada Giotto.
Selaian pernah melukis pada Giotto, Carlo Carra juga sempat menyaksikan karya dari post-impressionist seperti Turner, Cezanne, Gauguin serta Constable. Meskipun sempat mendukung aliran seni tradisional, Carra akhirnya menjadi seniman yang ikut dalam aliran futurisme sejak awal aliran ini muncul.
6. Gino Severini
Memiliki perhatian yang cukup besar pada cahaya serta kubisme, Severini termasuk dalam salah satu seniman yang berperan dalam penyebaran aliran futurisme. Sama halnya dengan Carlo Carra, Severini pun sempat belajar langsung dari para seniman impresionis.
Gino Severini termasuk salah satu seniman yang bergabung dengan aliran futurisme pada masa-masa awal futurisme disebarkan dan dicetuskan oleh Marinetti.
Sebelum bergabung dengan aliran futurisme bersama dengan para seniman lainnya, Severini sempat mempelajari mengenai teori warna yang mengubah persepsi dari para pelukis impresionis.
Teori warna yang ia pelajari membahas mengenai kebebasan warna, sebagai salah satu unsur mandiri yang tidak hanya sekadar menjadi label belaka utuk benda-benda lain. Akan tetapi, warna juga berfungsi sebagai unsur seni.
Suprematisme, gerakan pertama abstraksi geometris murni dalam lukisan, berasal oleh Kazimir Malevich di Rusia pada sekitar tahun 1913. Dalam karya Suprematist pertamanya, gambar pensil dari kotak hitam di bidang putih, semua elemen representasi objektif yang telah mencirikan gaya Cubo-Futurist sebelumnya—gerakan cabang Rusia yang jelas yang memadukan Kubisme dan Futurisme—telah dihilangkan. Malevich menjelaskan bahwa "cara representasi yang tepat selalu merupakan salah satu yang memberikan ekspresi semaksimal mungkin untuk perasaan seperti itu dan yang mengabaikan penampilan objek yang akrab." Mengacu pada karya Suprematist pertamanya (Black Square, 1915), dia mengidentifikasi kotak hitam dengan perasaan dan latar belakang putih dengan mengekspresikan "kekosongan di luar perasaan ini."
Meskipun komposisi Suprematist awalnya kemungkinan besar berasal dari tahun 1913, mereka tidak dipamerkan sampai tahun 1915, tahun dia mengedit manifesto Suprematist (Ot kubizma i futurizma k suprematizmu: Novy zhivopisny realizm, diterbitkan 1916; dalam bahasa Inggris "From Cubism and Futurism to Suprematism to New Painterly Realism") dengan bantuan beberapa penulis, terutama penyair Vladimir Mayakovsky. Dalam karya Suprematist pertama itu—terdiri dari bentuk geometris sederhana seperti kotak, lingkaran, dan salib—Malevich membatasi paletnya menjadi hitam, putih, merah, hijau, dan biru. Pada 1916-17 dia menyajikan bentuk yang lebih kompleks (fragmen lingkaran, segitiga kecil); memperluas rentang warnanya untuk memasukkan coklat, merah muda, dan lembayung muda; meningkatkan kompleksitas hubungan spasial; dan memperkenalkan ilusi tiga dimensi ke dalam lukisannya. Eksperimennya memuncak dalam lukisan White on White tahun 1917-18, di mana warna dihilangkan, dan kotak yang digariskan dengan samar hampir tidak muncul dari latar belakangnya. Pada pameran satu orang dari karyanya pada tahun 1919 ("Pameran Negara Ke-10: Penciptaan Non-objektif dan Suprematisme"), Malevich mengumumkan berakhirnya gerakan Suprematist.
Suprematisme memiliki beberapa penganut di antara seniman yang kurang dikenal, seperti Ivan Klyun, Ivan Puni, dan Olga Rozanova. Meskipun tidak berafiliasi dengan gerakan tersebut, pelukis Rusia Wassily Kandinsky menunjukkan pengaruh Suprematisme dalam geometrizasi bentuknya setelah 1920. Gaya geometris ini, bersama dengan tren abstrak lainnya dalam seni Rusia, ditransmisikan melalui Kandinsky dan seniman Rusia El Lissitzky ke Jerman, khususnya ke Bauhaus, pada awal 1920-an.
Kazimir Malevich, (lahir 23 Februari [11 Februari], Gaya Lama], 1878, dekat Kyiv, Kekaisaran Rusia [sekarang di Ukraina]—meninggal 15 Mei 1935, Leningrad, Rusia, AS [sekarang St. Petersburg, Rusia]), pelukisavant-garde yang merupakan pendiri sekolah lukisan abstrak Suprematist.
Malevich, yang lahir dari orang tua asal Polandia, belajar menggambar di Kyiv dan kemudian bersekolah di Sekolah Stroganov di Moskow dan Sekolah Lukisan, Patung, dan Arsitektur Moskow. Dalam karya awalnya ia mengikuti Impresionisme serta Simbolisme dan Fauvisme, dan, setelah perjalanan ke Paris pada tahun 1912, ia dipengaruhi oleh Pablo Picasso dan Kubisme. Sebagai anggota grup Jack of Diamonds, dia memimpin gerakan Kubisme Rusia.
Pada tahun 1913 Malevich mulai menciptakan pola geometris abstrak dengan cara yang dia sebut Suprematisme, sebuah istilah yang mengungkapkan gagasan bahwa warna, garis, dan bentuk harus memerintah tertinggi atas materi pelajaran atau narasi dalam seni. Selama periode ini, ia melukis beberapa karyanya yang paling berpengaruh, termasuk Black Square (1915) dan Suprematist Composition: White on White (1918). Dari 1919 hingga 1921 ia mengajar melukis di Moskow dan Petrograd (berganti nama menjadi Leningrad pada tahun 1924), di mana ia menjalani sisa hidupnya. Pada kunjungan 1927 ke Bauhaus di Dessau, Jerman, ia bertemu Wassily Kandinsky dan menerbitkan sebuah buku tentang teorinya dengan judul Die gegenstandslose Welt (Dunia Non-objective). Kemudian, ketika politisi Soviet memutuskan menentang seni modern, Malevich dan seninya tidak disukai. Selama tahun-tahun terakhirnya, karya-karyanya menunjukkan kembalinya figurasi. Malevich meninggal karena kanker dalam kemiskinan dan terlupakan.
Malevich adalah orang pertama yang memamerkan lukisan yang terdiri dari elemen geometris abstrak. Dia terus-menerus berusaha untuk menghasilkan komposisi otak murni, menolak semua sensualitas dan representasi dalam seni. White on White membawa teori Suprematist-nya ke kesimpulan logis mereka.
Nadezhda Andreyevna Udaltsova, (lahir 29 Desember [10 Januari, Gaya Baru], 1886, Oryol, Rusia barat—meninggal 25 Januari 1961, Moskow, Rusia, USSR), salah satu tokoh terkemuka avant-garde Rusia pra-Revolusi. Dari rekan-rekan Rusianya, dia adalah yang paling dipengaruhi oleh Kubisme Prancis. Tetapi kemalangan pribadi dan kondisi sosial era Stalinis membawanya untuk menarik diri ke studionya, mengubahnya menjadi sosok marjinal dalam seni Soviet.
Udaltsova lahir dari keluarga perwira militer. Momen yang menentukan ketika dia beralih ke seni baru adalah pengenalannya pada lukisan Prancis kontemporer pada tahun 1908 di rumah kolektor seni terkenal Sergey Shchukin. Udaltsova secara khusus tertarik pada Post-Impressionism. Dia membaca surat-surat Vincent van Gogh dan mempelajari biografi Paul Cézanne dan, agak kemudian, seni Henri Matisse. Selama periode ini, Udaltsova mulai bergerak di lingkaran avant-garde Moskow, dan pada tahun 1912 dia melakukan perjalanan ke Paris bersama temannya pelukis Lyubov Popova. Saat di Paris dia belajar di Académie de la Palette bersama Henri Le Fauconnier dan Jean Metzinger. Kedua seniman Prancis ini, yang telah menulis buku terkenal tentang Kubisme, menghitung Udaltsova sebagai siswa Rusia terkemuka mereka. Dia secara efektif mengadaptasi pelajaran Kubisme klasik (seperti dalam karya Georges Braque dan Pablo Picasso), menggunakannya sebagai titik keberangkatan untuk gaya aslinya sendiri, melembutkan skema rasional Kubisme dengan kekayaan warna dan nuansa warna yang tidak biasa dan rasionalitas tertentu yang lebih khas dari seni Rusia. Kembali ke Moskow pada tahun 1913, dia menjadi tokoh terkemuka di avant-garde Rusia. Baik dia dan Popova membuat debut mereka di pameran Jack of Diamonds keempat pada tahun 1914, dan pada tahun 1915 Udaltsova memamerkan delapan karya Cubist di pameran "Tram V." Karya-karya terbaiknya pada periode itu (dan mungkin karya terbaiknya dalam periode apa pun) adalah New (1914–15), At the Piano (1915), Restaurant (1915), dan Kitchen (1915). Pada 1916-17, setelah bergabung dengan kelompok Kazimir Malevich, Supremus, dia melukis beberapa komposisi geometris murni.
Pada 1917–19 Udaltsova aktif dalam politik budaya Rusia Revolusioner, mengorganisir Federasi Kiri Seniman Moskow. Seperti rekan-rekannya, dia mengajar seni di sekolah seni terkemuka, tetapi tidak seperti kawan-kawan avant-garde-nya, Udaltsova tidak meninggalkan lukisan untuk desain dan secara aktif menentang tren ini dengan mengundurkan diri pada tahun 1921 dari Institut Budaya Artistik. Pada akhir 1920-an dan awal 1930-an, Udaltsova mengalami lonjakan kreatif baru, di mana dia melukis serangkaian lanskap wilayah Gunung Altai, yang dia kunjungi bersama suaminya, pelukis Aleksandr Drevin, pada tahun 1929-32. Lanskap ini, yang dia lukis dengan gaya Ekspresionis yang jelas dipengaruhi oleh Drevin, adalah kesuksesan besar terakhir Udaltsova. Pada Januari 1938 Drevin ditangkap atas tuduhan politik dan dieksekusi tak lama setelah itu. (Ayahnya, seorang pensiunan jenderal, telah dieksekusi oleh Bolshevik pada tahun 1918.) Hanya setelah rehabilitasi resmi Drevin pada tahun 1956—18 tahun setelah kematiannya—Udaltsova menemukan kebenaran tentang akhir suaminya. Selama Perang Dunia II, Udaltsova melukis serangkaian potret pilot pesawat tempur. Pameran pribadi terakhirnya diadakan pada tahun 1945 di Moskow. Dikecam sebagai seorang formalis, Udaltsova terpaksa melepaskan jabatan mengajarnya. Sisa kehidupan artistiknya dihabiskan di dalam batas-batas studionya. Dia melukis terutama benda mati dan lanskap, di mana upayanya untuk bergerak menuju realisme mengungkapkan melemahnya kualitas lukisannya.
Ivan Vasilyevich Klyun, (lahir 20 Agustus, [1 September, Gaya Baru], 1873, desa Bolshiye Gorki, provinsi Vladimir, Rusia—meninggal 13 Desember 1943, Moskow, Rusia, USSR), seniman dan ahli teori seni Rusia yang terkenal karena hubungannya dengan Suprematist Rusia Kazimimir Malevich dan untuk perumusan teori warna dalam lukisannya.
Klyun lahir dari keluarga petani. Sebagai seorang pemuda dia belajar menggambar atas kemauannya sendiri sementara dia mencari nafkah sebagai pemegang buku. Dari tahun 1902 hingga 1907 ia menghadiri studio Fyodor Rerberg di Moskow, di mana ia berteman dengan Malevich. Selama tahun-tahun ini ia juga menghadiri studio seniman dan mengambil kelas di sekolah seni Anatoly Bolshakov. Dari 1908 hingga 1911 karya Klyun dipengaruhi oleh pelukis Simbolis Lithuania Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, dan dia tertarik pada Art Nouveau. Pada tahun 1913 ia beralih ke Kubisme, dan beberapa karya kubisme terbaiknya berasal dari tahun 1914-15:Gramophone dan Ozonator (keduanya tahun 1914) dan relief Landscape Rushing By (1915). Antara 1913 dan 1917, ia berpartisipasi dalam sebagian besar pameran avant-garde yang penting. Landmark utama untuk Klyun adalah pameran "0,10" di Petrograd (sekarang St. Petersburg) selama musim dingin 1915-16, di mana ia memamerkan patung kubisme dan nonobjektif (termasuk kubisme di Meja Riasnya, 1915, diduga hancur). Dipengaruhi oleh Malevich, Klyun pada tahun 1916 menciptakan komposisi Suprematist pertamanya, dan pada tahun 1917 ia menciptakan serangkaian karya Suprematist satu-, dua-, dan tiga-warna. Dia menjadi anggota Grup Supremus Malevich (1916-17). Setelah Revolusi Rusia tahun 1917, Klyun bekerja di IZO Narkompros (Departemen Seni Visual Komisariat Pendidikan Rakyat). Dari 1918 hingga 1921 ia mengajar teknik warna di Higher State Art-Technical Studios (VKhUTEMAS). Selama periode ini ia juga bekerja pada penelitian teoritis dan praktis dengan warna di Institut Budaya Artistik (1918-21) dan di Museum Budaya Artistik di Moskow (1921-25).
Pada awal 1920-an, setelah bekerja hampir secara eksklusif dalam gaya Suprematist, Klyun mulai membuat apa yang dia sebut komposisi "nonobjektif bulat". Pada paruh kedua tahun 1920-an, dia tertarik pada karya Amédée Ozenfant dan Le Corbusier, dan dia menjadi pengikut Purisme, meskipun karyanya dengan gaya ini tidak mencapai tingkat pekerjaan sebelumnya.
Ivan Albertovich Puni, (lahir 22 Februari [5 Maret, Gaya Baru], 1892, Kuokkala, Fin. [sekarang Repino, Rusia]—meninggal 28 Desember 1956, Paris, Prancis), pelukis dan seniman grafis Rusia yang secara aktif memajukan perkembangan awal (praperang) dari avant-garde Rusia.
Putra seorang pemain cello dan cucu dari komposer terkenal Tsezar Puni (1802-70, awalnya Cesare Pugni dari Italia), Ivan Puni terpapar musik dan seni di rumah, tetapi atas desakan ayahnya ia memasuki akademi militer. Dia menghindari karir militer, bagaimanapun, dan mengambil pelajaran pribadi dalam menggambar dengan Ilya Repin di St. Petersburg, dan pada tahun 1909 Puni sudah bekerja di studionya sendiri. Setelah periode studi singkat di Académie Julian di Paris, ia kembali ke St. Petersburg dan menikah dengan artis Kseniya Boguslavskaya. Sekitar waktu ini dia bertemu dengan seniman avant-garde terkemuka—David Burlyuk, Vladimir Mayakovsky,Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, dan Velimir Khlebnikov—dan apartemennya menjadi pusat seni kontemporer di St. Petersburg. Selama periode ini kemampuan organisasi Puni muncul ke permukaan. Bersama dengan istrinya, dia menerbitkan antologi Futuris Rykayushchy Parnas (1914; "Roaring Parnassus"), dan pada tahun 1915 dia menyelenggarakan pameran Futuris pertama yang terkenal, "Tramway V." Pameran ini adalah panorama Cubo-Futurisme, di garis depan adalah Malevich dan Vladimir Tatlin. Pameran ini diterima dengan permusuhan oleh pers borjuis dan menyebabkan succès de scandale. Terinspirasi oleh tanggapan ini, Puni mengorganisir "0.10," yang dia sebut pameran Futurist terakhir. Itu juga terbukti menjadi tengara dalam sejarah gerakan avant-garde, karena di dalamnya Malevich memamerkan karya-karya Suprematist untuk pertama kalinya. Dalam lukisannya sendiri, Puni juga tertarik pada penciptaan bentuk murni dan eksperimen dalam banyak gaya: ia melukis komposisi Suprematist dan benda kerja Kubisme di mana ia mengintegrasikan huruf, kata-kata, dan bahkan teks pendek. Dia menyusun "lukisan relief" dengan gaya Tatlin dan, mengikuti prinsip-prinsip Dada, mengintegrasikannya dengan yang sudah jadi.
Perang Dunia I dan Revolusi Rusia tahun 1917 mengganggu perkembangan avant-garde di Rusia, tetapi pada awal 1918 Puni mengambil bagian aktif dalam pengembangan budaya Rusia yang baru. Dia mengajar di Petrograd State Free Art Studios dan, untuk waktu yang singkat, atas undangan Marc Chagall, di People's Art School di Vitebsk (sekarang Vitsyebsk, Bela.). Namun, pada akhir 1919 Puni dan istrinya berjalan melintasi Teluk Finlandia yang beku ke wilayah Finlandia, dan kemudian pada tahun 1920 mereka berimigrasi ke Jerman. Pada tahun 1922 di Berlin ia menerbitkan Seni Modern, di mana ia mengkritik Suprematisme Malevich.
Pada tahun 1924 Puni pindah ke Prancis dan menetap di Paris. Di bawah nama Jean Pougny, ia menjadi tokoh kunci di kancah seni internasional kota.
Olga Vladimirovna Rozanova, (lahir 22 Juni [4 Juli, Gaya Baru], 1886, Melenki, Vladimir oblast, Rusia—meninggal 8 November 1918, Moskow), seniman Rusia yang merupakan salah satu inovator utama avant-garde Rusia. Pada saat kematiannya pada tahun 1918, dia telah memeluk dalam lukisannyapenggunaan warna murni, sebuah kekhawatiran yang melibatkan seniman abstrak Amerika, seperti Barnett Newman dan Mark Rothko, beberapa dekade kemudian, pada 1950-an.
Rozanova lahir dalam keluarga bangsawan provinsi. Tertarik pada semua yang baru dalam seni, dia pindah ke Moskow, di mana dia mencoba mendaftar di Institut Seni Industri Pusat Stroganov dan mengaudit kelas di sekolah seni lainnya. Meskipun dia tidak menerima pendidikan seni formal, pada tahun 1910 dia sudah membuat nama untuk dirinya sendiri di lingkaran seni avant-garde di Moskow dan St. Petersburg. Pada tahun 1911 ia bergabung dengan kelompok Union of Youth di St. Petersburg dan berpartisipasi dalam semua pamerannya (eksklusif hingga 1913). Dia juga berpartisipasi dalam debat yang diselenggarakan oleh kelompok dan menerbitkan dalam jurnalnya (edisi ketiga) artikel terprogram "The Bases of the New Creation and the Reasons Why It Is Misunderstood."
Selama tahun 1913 dan 1914, Rozanova, seperti seniman avant-garde Rusia lainnya, menjunjung tinggi cita-cita Cubo-Futurist, tetapi lukisannya mengungkapkan studi yang ketat tentang sumber-sumber Italia. Dari semua seniman Rusia pada masa itu, Rozanova adalah yang paling tertarik dan paling diidentifikasi dengan Futurisme Italia, seperti yang dapat dilihat di Fire in the City dan The City (keduanya 1913-14). Tidak mengherankan bahwa Felipe Tommaso Marinetti, pendiri ideologis gerakan Futuris Italia, sangat terkesan dengan karyanya selama kunjungannya tahun 1914 ke Rusia.
Penyair Aleksey Kruchonykh (Kruchenykh) akan memiliki pengaruh besar pada kehidupan Rozanova. Mereka bertemu pada tahun 1912 dan segera memulai hubungan yang kreatif dan romantis. Kruchonykh memperkenalkan Rozanova pada "rasa trans," atau puisi zaum, nama jenis eksperimen suara linguistik yang kemudian populer di kalangan Futuris, dan dia mulai menulis puisi yang berhasil dengan gaya itu, serta mengilustrasikan buku-buku oleh Kruchonykh dan Velimir Khlebnikov (Vzorval, "Explodity"; Vozropshchem, "Let's Grumble"; dan Bukh lesiny, "A Forestly Rapid" pada tahun 1913 dan Igra v adu "A Game in Hell" dan Chort i rechetvortsy, "The Devil and the Word Makers" pada tahun 1914). Dari kepenulisannya bersama Kruchonykh lahir genre khas buku Futuris: samopismo, sebuah buku litografi di mana ilustrasi dan teks tulisan tangan diintegrasikan pada halaman.
Rozanova menciptakan variasi khas puisi transrasial dalam lukisannya (tidak diragukan lagi di bawah pengaruh Kazimir Malevich) dan menghasilkan serangkaian komposisi yang energik dan orisinal, termasuk Pub (1914) dan Workbox (1915).
Puncak periode figuratif Rozanova adalah seri Kartu Bermainnya yang terkenal, yang menggabungkan galeri potret orang-orang sezamannya dengan koleksi simbol dan tanda kartu remi.
Pada tahun 1916 Rozanova bergabung dengan Suprematists (lihat Suprematism; kelompok berumur pendek yang didirikan oleh Malevich), meskipun dia mempertahankan gaya khasnya sendiri, yang lebih dinamis dan dekoratif daripada Malevich, dan minatnya pada Suprematisme singkat. Pada tahun 1917, tak lama sebelum kematiannya yang tiba-tiba dari difteri, dia menciptakan serangkaian komposisi yang dia sebut "lukisan warna", arah baru dalam seni abstrak, yang akan dikembangkan lebih dari 30 tahun kemudian oleh sekelompok seniman yang dikenal sebagai Ekspresionis Abstrak.
Konstruktivisme, gerakan artistik dan arsitektur Rusia yang pertama kali dipengaruhi oleh Kubisme dan Futurisme dan umumnya dianggap telah dimulai pada tahun 1913 dengan "lukisan relief"—konstruksi geometris abstrak—dari Vladimir Tatlin. Pematung Rusia ekspatriat Antoine Pevsner dan Naum Gabo bergabung dengan Tatlin dan para pengikutnya di Moskow, dan setelah publikasi Manifesto Realis mereka yang ditulis bersama pada tahun 1920, mereka menjadi juru bicara gerakan tersebut. Dari manifesto itulah nama Constructivism diturunkan; salah satu arahan yang dikandungnya adalah "untuk membangun" seni. Karena kekaguman mereka terhadap mesin dan teknologi, fungsionalisme, dan bahan industri modern seperti plastik, baja, dan kaca, anggota gerakan juga disebut seniman-insinyur.
Model skala 1920 Monument to the Third International karya Vladimir Tatlin oleh Jeremy Dixon, tinggi 32,8 kaki (10 meter), 2011; ditampilkan di halaman Royal Academy London.
Tokoh penting lainnya yang terkait dengan Konstruktivisme adalah Alexander Rodchenko dan El Lissitzky. Oposisi Soviet terhadap radikalisme estetika konstruktivis menghasilkan dispersi kelompok. Tatlin dan Rodchenko tetap berada di Uni Soviet, tetapi Gabo dan Pevsner pergi pertama ke Jerman dan kemudian ke Paris, di mana mereka mempengaruhi kelompok Abstraksi-Creaation dengan teori Konstruktivis, dan kemudian pada 1930-an Gabo menyebarkan Konstruktivisme ke Inggris dan pada 1940-an ke Amerika Serikat. Kombinasi Lissitzky dari Constructivism dan Suprematism mempengaruhi seniman dan arsitek Stijl yang dia temui di Berlin, serta László Moholy-Nagy dari Hungaria, yang merupakan seorang profesor di Bauhaus. Di Dessau dan Chicago, di mana (karena campur tangan Nazi) Bauhaus Baru didirikan pada tahun 1937, Moholy-Nagy menyebarkan prinsip-prinsip Konstruktivis.
Vladimir Tatlin, (lahir 16 Desember [28 Desember Gaya Baru], 1885, Kharkov, Kekaisaran Rusia [sekarang di Ukraina]—meninggal 31 Mei 1953, Moskow, Rusia, USSR), pelukis, pematung, dan arsitek Ukraina yang dikenang karena visionernya"Monumen untuk Internasional Ketiga" di Moskow, 1920.
Tatlin dididik di Akademi Seni Rupa Moskow, lulus pada tahun 1910. Akhir tahun 1913 ia pergi ke Paris, di mana ia mengunjungi Pablo Picasso, yang reliefnya di lembaran besi, kayu, dan kardus membuat kesan yang mendalam padanya. Kembali ke Moskow, Tatlin menciptakan konstruksi yang dia sebut "lukisan relief," yang dia pamerkan di pameran Futuris yang diadakan di Petrograd (sekarang St. Petersburg) pada bulan Februari 1915. Dia menjadi pemimpin sekelompok seniman Moskow yang mencoba menerapkan teknik teknik untuk konstruksi patung. Ini berkembang menjadi gerakan yang dikenal sebagai Konstruktivisme.
Jenis seni avant-garde ini berlanjut untuk periode singkat setelah Revolusi Rusia tahun 1917, selama waktu itu Tatlin menciptakan karyanya yang paling terkenal—"Monumen untuk Internasional Ketiga," yang merupakan salah satu bangunan pertama yang disusun sepenuhnya dalam istilah abstrak. Itu ditugaskan pada tahun 1919 oleh departemen seni rupa dan dipamerkan dalam bentuk model setinggi 22 kaki (6,7 meter) di pameran Kongres VIII Soviet pada bulan Desember 1920. Desain yang mencolok, itu terdiri dari kerangka besi spiral miring yang mendukung silinder kaca, kerucut kaca, dan kubus kaca, yang masing-masing dapat diputar dengan kecepatan yang berbeda. Interior monumen akan berisi aula untuk kuliah, konferensi, dan kegiatan lainnya. Monumen itu akan menjadi struktur tertinggi di dunia—tinggi lebih dari 1.300 kaki (396 meter)—tetapi tidak pernah dibangun karena ketidaksetujuan pemerintah Soviet terhadap seni nonfiguratif.
Sekitar tahun 1927 Tatlin mulai bereksperimen dengan glider yang menyerupai serangga raksasa. Glider, yang dia sebut Letatlin, tidak pernah terbang, tetapi itu menarik minatnya sepanjang hidupnya di kemudian hari. Setelah 1933 ia bekerja sebagian besar sebagai desainer panggung.
Antoine Pevsner, (lahir 18 Januari 1886, Oryol, Rusia—meninggal 12 April 1962, Paris, Prancis), pematung dan pelukis Prancis kelahiran Rusia yang—seperti saudaranya, Naum Gabo—memajukan gaya Konstruktivis.
Pevsner belajar seni di Rusia di Kiev dan St. Petersburg. Pada tahun 1911 dan 1913 ia mengunjungi Paris, di mana ia dipengaruhi oleh Kubisme; ia kemudian memperkenalkan teknik kubisme penyederhanaan geometris ke dalam lukisannya sendiri. Untuk menghindari melayani di tentara kekaisaran Rusia, pada tahun 1915 ia bergabung dengan saudaranya Naum Gabo di Oslo, Norwegia. Di sana mereka bereksperimen dengan seni yang "mampu memanfaatkan kekosongan dan membebaskan kita dari massa yang kompak." Gabo menciptakan konstruksi abstrak pertamanya, sementara Pevsner terus bekerja dengan pendekatan kubisme untuk lukisan representasional.
Saudara-saudara kembali ke Rusia setelah Revolusi Rusia tahun 1917, dan Pevsner menjadi profesor di sekolah seni rupa Moskow. Selama periode ini, lukisannya menjadi lebih geometris dan abstrak. Pada tahun 1920 saudara-saudara mengeluarkan "Manifesto Realistis" (ditulis oleh Gabo, dan ditandatangani bersama oleh Pevsner), di mana mereka menolak Kubisme dan Futurisme dan berpendapat bahwa seniman harus merangkul elemen ruang dan waktu dengan menggunakan massa yang dibangun (berlawanan dengan pahatan) dan ritme kinetik. Gabo menguraikan gaya yang mirip dengan KonstruktivismeRusia Vladimir Tatlin, tetapi tanpa desakan gerakan itu bahwa seni menjadi fungsional. Saudara-saudara memposting manifesta di sekitar Moskow, dan itu berfungsi sebagai undangan untuk pameran bersama karya mereka. Terlepas dari pernyataan mereka bahwa seni harus dibangun dan abstrak, Pevsner terus mempertahankan elemen representasi dalam lukisannya.
Pada tahun 1923 Pevsner meninggalkan Rusia dan menetap di Paris, di mana ia mulai menghasilkan patung abstrak dalam mode Konstruktivis yang telah diuraikan Gabo dalam manifestonya tahun 1920. Dalam patung awalnya, seperti Gabo, dia menggunakan seng, kuningan, tembaga, seluloid, dan kayu, tetapi pada tahun 1930-an Pevsner mengembangkan pendekatan unik yang mengandalkan susunan paralel kawat perunggu yang disolder bersama untuk membentuk pelat. Dia kemudian bergabung dengan piring-piri ini untuk membuat bentuk yang rumit dan berbelit-belit menggunakan garis lurus dan melengkung. Pevsner menjadi warga negara Prancis pada tahun 1930, dan dia adalah salah satu pendiri Réalités Nouvelles pada tahun 1946, sebuah kelompok seniman pameran yang berbasis di Paris- yang menyukai abstraksi geometris.
Pevsner berhasil menanamkan gaya Konstruktivisme yang agak impersonal dengan perasaannya sendiri akan bentuk. Pada tahun 1956-57 ia dihormati dengan pameran retrospektif di Museum Nasional Seni Modern di Paris, dan pada tahun 1961 ia dianugerahi Legiun Kehormatan.
Naum Gabo, (lahir 5 Agustus 1890, Bryanansk, Rusia—meninggal 23 Agustus 1977, Waterbury, Connecticut, AS), merintis pematung konstruktivis yang menggunakan bahan-bahan seperti kaca, plastik, dan logam dan menciptakan rasa gerakan spasial dalam karyanya.
Gabo belajar kedokteran dan ilmu alam, kemudian filsafat dan sejarah seni, di Universitas Munich di Jerman; dia juga mengambil kelas teknik di Universitas Teknik di Munich. Pada tahun 1913 ia berjalan dari Munich ke Florence dan Venesia, melihat banyak karya seni dan arsitektur di sepanjang jalan. Di awal hidupnya ia mengubah namanya menjadi Gabo untuk membedakan dirinya dari saudaranya Antoine Pevsner, seorang pelukis.
Saat mengunjungi Pevsner di Paris pada tahun 1913-14, Gabo bertemu dengan seniman Alexander Archipenko dan yang lainnya yang terlibat dengan avant-garde. Selama Perang Dunia I dia tinggal bersama Pevsner di Oslo, Norwegia. Di sana, Gabo menghasilkan patung figuratif pertamanya yang dipengaruhi Cubist, dicontohkan oleh Constructed Head No. 2 (1916), yang ia eksekusi dalam seluloid dan logam. Saudara-saudara juga mulai bereksperimen di sepanjang garis Konstruktivis yang ditetapkan oleh sesama Rusia Vladimir Tatlin. Patung konstruktivis seperti yang dipraktikkan oleh Tatlin memiliki implikasi politik yang pasti, tetapi Gabo lebih tertarik pada penggunaan teknologi modern dan bahan industri.
Kembali ke Rusia setelah Revolusi, Gabo dan Pevsner melihat kekuatan politik mengalihkan seni Rusia dari eksplorasi ke propaganda. Pada tahun 1920 kedua bersaudara mengeluarkan "Manifesto Realistis" Konstruktivisme, yang mereka posting dan distribusikan di jalan-jalan Moskow. Di dalamnya mereka menegaskan bahwa seni memiliki nilai dan fungsi independen dari negara, dan bahwa prinsip-prinsip geometris harus menjadi dasar untuk patung. Mereka menganjurkan penggunaan bahan transparan untuk menentukan volume ruang kosong alih-alih massa padat. Pada tahun 1920 Gabo memproduksi Kinetic Composition, sebuah patung yang digerakkan oleh motor yang menunjukkan prinsip-prinsipnya dengan menggabungkan unsur-unsur ruang dan waktu.
Gabo meninggalkan Rusia pada tahun 1922 dan tinggal selama 10 tahun di Berlin, di mana ia bekerja dengan László Moholy-Nagy dan seniman Bauhaus lainnya. Selama tahun 1920-an Gabo terus membuat konstruksi monumental dari kaca, logam, dan plastik. Pada tahun 1932 ia pergi ke Paris, di mana ia bergabung dengan kelompok Abstraksi-Création, sebuah asosiasi seniman yang menganjurkan abstraksi murni. Dia tinggal di Inggris dari tahun 1936 hingga 1946, mempromosikan Konstruktivisme di sana dengan mengedit Lingkaran manifesto kolektif pada tahun 1937 dengan pelukis abstrak Ben Nicholson. Kurva menggantikan sudut dalam konstruksi spasial baru Gabo yang terbuat dari kawat kencang dan benang plastik. Dia pindah ke Amerika Serikat pada tahun 1946, dan pada tahun 1953-54 dia mengajar di Harvard Graduate School of Architecture. Selama tahun 1950-an Gabo menerima beberapa komisi untuk patung publik, hanya beberapa yang dia selesaikan, seperti monumen peringatan besar untuk toko Bijenkorfdepartment(1954, diresmikan pada tahun 1957) di Rotterdam, Belanda.
Aleksandr Mikhailovich Rodchenko, (lahir 23 November [5 Desember, Gaya Baru], 1891, St. Petersburg, Rusia—meninggal 3 Desember 1956, Moskow, Rusia), pelukis, pematung, desainer, dan fotografer Rusia yang merupakan pemimpin gerakan Konstruktivisyang berdedikasi.
Rodchenko belajar seni di Sekolah Seni Kazan di Odessa dari tahun 1910 hingga 1914 dan kemudian pergi ke Moskow untuk melanjutkan di Sekolah Seni Industri Imperial Central Stroganov (sekarang Universitas Seni dan Industri Negeri Stroganov Moskow). Pada tahun 1916 ia mulai tinggal bersama senimanVarvaraStepanova, yang telah ia temui di sekolah Kazan dan yang akan menjadi temannya baik dalam seni maupun dalam kehidupan. Pada tahun yang sama Rodchenko bertemu Vladimir Tatlin, yang mengundangnya untuk berpartisipasi dalam pameran seni Futuris "The Store." Rodchenko memasuki lingkaran artistik avant-garde Moskow radikal dan mulai mengambil bagian dalam kehidupan kreatif mereka yang intens.
Dari tahun 1918 hingga 1922 Rodchenko semakin bekerja dalam gaya Konstruktivis: gaya yang benar-benar abstrak, sangat geometris yang ia lukis dengan menggunakan penggaris dan kompas. Pada tahun 1918 Rodchenko mempersembahkan pertunjukan solo di Moskow. Tahun itu ia juga melukis serangkaian lukisan geometris black-on-black sebagai tanggapan atas lukisan White on White yang terkenal dari saingannya, Kazimir Malevich. Semangat persaingan dengan generasi pelukis avant-garde yang lebih tua terbukti menjadi stimulus kreatif yang penting bagi Rodchenko. Sebagai kepala kelompok konstruktivis muda, dia terlibat dalam pertempuran sengit untuk "seni industri" atas lukisan kuda-kuda. Pertempuran dimenangkan oleh "seniman industri," di bidang teori (Rodchenko menggantikan Wassily Kandinsky sebagai direktur Institut Budaya Artistik) serta dalam pengajaran dan praktik seni. Pada tahun 1919 Rodchenko mulai membuat konstruksi tiga dimensi dari kayu, logam, dan bahan lainnya, sekali lagi dengan menggunakan bentuk geometris dalam komposisi dinamis; beberapa patung gantung itu, pada dasarnya, adalah ponsel.
Pada tahun 1920-an ia mengambil bentuk seni lainnya, di antaranya fotografi; desain furnitur; desain panggung dan gambar bergerak; dan desain poster, buku, dan tipografi. Dia berkolaborasi dengan penyair Vladimir Mayakovsky pada sejumlah proyek, termasuk buku Mayakovsky Pro eto (1923; "About This"; Eng. trans. That's What), di mana Rodchenko mendesain buku dan membuat montase foto yang menyertainya. Selama tahun 1927 dan 1928 Rodchenko merancang semua 24 sampul untuk seni avant-garde dan publikasi politik kiri Novy LEF ("LEF Baru").
Terpinggirkan sejauh menyangkut seni resmi Soviet—Realisme Sosialis—, Rodchenko memusatkan semua inovasi dan kreativitasnya pada fotografi dan membentuk dengan gayanya yang berbeda catatan fotografi industrialisasi Soviet dan propaganda fotografi. Dia menciptakan gambar berbeda yang menampilkan sudut yang tidak biasa—seringkali miring—dan menunjukkan pengaruh geometris dari latar belakang Konstruktivisnya. Foto-foto seninya dipamerkan, dan karya jurnalis fotonya diterbitkan secara luas selama akhir 1920-an dan awal 30-an. Dia juga mengajar seni dan desain mulai tahun 1920.
Dia kembali melukis pada akhir 1930-an dan menciptakan karya Ekspresionis Abstrak pada 1940-an. Dimulai dengan pengangkatannya pada tahun 1920 dan sepanjang dekade berikutnya, ia juga menjabat sebagai direktur Biro Museum dan Dana Pembelian pemerintah Bolshevik, di mana ia membantu mendirikan museum seni publik di seluruh provinsi Rusia dengan koleksi karya modern dan kontemporer.
El Lissitzky, (lahir 11 November [November 23, Gaya Baru], 1890, Pochinok, dekat Smolensk, Rusia—meninggal 30 Desember 1941, Moskow), pelukis, tipografer, dan desainer Rusia, pelopor seni nonrepresentasional di awal abad ke-20. Inovasinya dalam tipografi, periklanan, dan desain pameran sangat berpengaruh.
Lissitzky menerima pelatihan seni awalnya di Vitebsk (sekarang Vitsyebsk, Belarus), sebuah kota yang akan memainkan peran utama dalam pengembangan avant-garde Rusia. Pada tahun 1903 ia belajar di sekolah seni Yehuda (Yury) Pen, tetapi ia segera berangkat ke Jerman, tidak puas dengan suasana provinsi Vitebsk. Begitu berada di Jerman, ia mendaftar di departemen arsitektur di Technische Hochschule di Darmstadt, di mana ia belajar dari tahun 1909 hingga 1914. Selama periode ini ia juga melakukan perjalanan ke Prancis, Italia, dan Belgia. Ketika Perang Dunia I pecah, dia kembali ke Rusia, menetap di Moskow, dan belajar dari tahun 1915 hingga 1916 di Institut Politeknik Riga (Latvia) (sekarang Universitas Teknik Riga), yang telah dievakuasi ke Moskow. Lissitzky mengambil gelar di bidang teknik dan arsitektur dan mulai bekerja sebagai juru gambar di kantor arsitek.
Minat artistik Lissitzky pada saat itu secara eksklusif berpusat pada tema dan budaya Yahudi. Dia mengambil bagian dalam ekspedisi etnografi Semyon Ansky yang menyelidiki monumen budaya Yahudi di Pale of Settlement, buku-buku Yiddish bergambar (seperti Moyshe Broderzon's Sikhes Khulin [1917; "Profane, or Idle, Chatter"] dan Khad gadye [1919; "One Kid"], lagu seder Paskah yang populer). Ilustrasi untuk buku-buku ini menunjukkan pengaruh Cubo-Futurism, cabang Rusia dari Futurisme Eropa, dan lubki (murah, cetakan populer berwarna tangan).
Pada tahun 1919 Marc Chagall, yang pada saat itu adalah direktur Sekolah Seni Rakyat revolusioner di Vitebsk, mengundang Lissitzky untuk mengajar arsitektur dan grafis di sana. Ketika Kazimir Malevich—seorang pelukis dan pendiri gerakan yang dia sebut Suprematisme, yang menganjurkan supremasi bentuk geometris murni atas representasi—juga mulai mengajar di sana, Chagall dan dia jatuh, dan Chagall pergi, sementara Malevich mengambil alih jabatan direktur. Lissitzky tetap di Vitebsk dan menjadi salah satu siswa dan pengikut utama Malevich.
Sampul katalog oleh El Lissitzky, dengan gaya asimetris Bauhaus.
Ini memicu periode baru yang radikal dalam seni Lissitzky. Dia mulai bekerja dengan nama El Lissitzky dan meninggalkan seni figuratif untuk Suprematisme. Dia membuat desain Suprematist untuk perayaan ulang tahun dua tahun Komite Vitebsk untuk Memerangi Pengangguran, dan dia juga merancang serangkaian poster propaganda, yang paling terkenal adalah Beat the Whites with the Red Wedge (1919–20). Selama periode ini Lissitzky mulai mengerjakan serangkaian lukisan geometris abstrak, yang masing-masing disebut proun, akronimnya untuk proyekt utverzhdeniya novogo ("proyek untuk penegasan yang baru"). Karya-karya proun pertama kali ditampilkan di pameran SuprematistcollectiveUnovis (Utverditeli Novogo Iskusstva, "Affirmers of New Art"). Mereka menggabungkan minat Lissitzky dalam seni grafis, bentuk arsitektur, fotografi, lukisan, dan jenis formal lainnya menjadi seni yang unik dan dinamis. Mereka juga mengisyaratkan pelukan Lissitzky terhadap Konstruktivisme, yang berusaha menggunakan seni abstrak untuk mengekspresikan nilai-nilai sosial yang progresif dan untuk mendorong transformasi masyarakat. Pada musim gugur 1921 Lissitzky menjadi profesor di sekolah seni negeri di Moskow, tetapi ia berangkat ke Berlin pada bulan Desember untuk menjalin kontak budaya dengan seniman Jerman.
Periode Lissitzky di luar negeri (1921-25) sangat kreatif. Dia berpartisipasi dalam produksi serangkaian majalah seni, menerbitkan sejumlah buku, termasuk Suprematichesky skaz pro dva kvadrata v 6-ti postroykakh (1922;Tentang Dua Kotak: Dalam 6 Konstruksi: Kisah Suprematist) dan (dengan Jean Arp) tiga bahasa Die Kunstismen—Les Ismes de l'art—The Isms of Art (1925), dan menjadi anggota kelompok Belanda terkenal De Stijl. Dia juga bertemu dengan seniman-desainer László Moholy-Nagy, yang membantu mengirimkan ide-ide Lissitzky tentang seni ke Eropa barat dan Amerika Serikat melalui pengajarannya di Bauhaus. Sejak saat itu, fotografi bergabung dengan seni grafis sebagai salah satu alat utama Lissitzky. Dengan seringnya perjalanan dan kontak dengan seniman lain, Lissitzky menjadi tokoh transformasional, mencampurkan seni inovatif Eropa dan Rusia dan memajukan pertukaran bentuk dan ide eksperimental.
Pada tahun 1925 Lissitzky kembali ke Moskow. Antara 1925 dan 1928 ia ikut mendirikan sejumlah majalah yang menyebarkan kecenderungan artistik paling progresif di tahun 1920-an. Dia terus menjadi kekuatan inovatif dalam desain buku dan pameran. Dia menciptakan paviliun Soviet untuk sejumlah eksposisi internasional, dan dia berkolaborasi dengan Aleksandr Rodchenko dan seniman avant-garde lainnya di majalah propaganda luar biasa SSSR na stroyke (1930–41; Uni Soviet dalam Konstruksi). Terlepas dari kesehatannya yang buruk dan penolakan yang semakin keras terhadap estetika Modernis oleh pendirian Stalinis, Lissitzky bertahan dalam upaya artistiknya. Dia meninggal karena tuberkulosis sekitar enam bulan setelah invasi Hitler ke Rusia.
De Stijl, (Belanda: "Gaya") kelompok seniman Belanda di Amsterdam pada tahun 1917, termasuk pelukis Piet Mondrian, Theo van Doesburg, dan Vilmos Huszár, arsitek Jacobus Johannes Pieter Oud, dan penyair A. Kok; rekan awal De Stijl lainnya adalah Bart van der Leck, Georges Vantongerloo, Jan Wils, dan Robert van't Hoff. Anggotanya, bekerja dengan gaya abstrak, mencari hukum keseimbangan dan harmoni yang berlaku baik untuk seni maupun kehidupan.
Pelukis De Stijl yang paling menonjol adalah Mondrian, yang seninya berakar pada ide-ide mistis Teosofi. Meskipun dipengaruhi oleh kontaknya dengan Kubisme Analis di Paris sebelum 1914, Mondrian berpikir bahwa itu telah gagal mencapai tujuannya dengan tidak berkembang menuju abstraksi murni, atau, seperti yang dia katakan, "ekspresi plastik murni" (yang kemudian dia sebut Neoplastikisme). Dalam pencariannya untuk seni kejelasan dan ketertiban yang juga akan mengekspresikan keyakinan agama dan filosofisnya, Mondrian menghilangkan semua komponen representasional, mengurangi lukisan menjadi elemen-elemennya: garis lurus, permukaan bidang, persegi panjang, dan warna primer (merah, kuning, dan biru) dikombinasikan dengan netral (hitam, abu-abu, dan putih). Van Doesburg, yang berbagi prinsip-prinsip keras Mondrian, meluncurkan majalah grup, De Stijl (1917–32), yang menetapkan teori anggotanya.
Sebagai sebuah gerakan, De Stijl mempengaruhi lukisan, seni dekoratif (termasuk desain furnitur), tipografi, dan arsitektur, tetapi pada prinsipnya arsitekturlah yang mewujudkan tujuan gaya De Stijl dan tujuan kolaborasi erat di antara seni. Perkebunan Perumahan Pekerja di Hoek van Holland (1924–27), dirancang oleh Oud, mengekspresikan kejelasan, penghematan, dan ketertiban yang sama yang ditemukan dalam lukisan Mondrian. Gerrit Rietveld, arsitek lain yang terkait dengan De Stijl, juga menerapkan prinsip gayanya dalam karyanya; Rumah Schröder di Utrecht (1924), misalnya, menyerupai lukisan Mondrian dalam kemurnian fasadnya yang parah dan dalam denah interiornya. Di luar Belanda, estetika De Stijl menemukan ekspresi di Bauhaus di Jerman selama tahun 1920-an dan dalam Gaya Internasional.
Theo van Doesburg, (lahir 30 Agustus 1883, Utrecht, Belanda—meninggal 7 Maret 1931, Davos, Swiss), pelukis, dekorator, penyair, dan ahli teori seni Belanda yang merupakan pemimpin gerakan De Stijl.
Komposisi IX, Opus 18: Versi Abstrak Pemain Kartu, minyak di atas kanvas oleh Theo van Doesburg, 1917; di Museum Gemeente, Den Haag.
Awalnya van Doesburg bermaksud untuk mengejar karir di teater, tetapi ia beralih ke melukis sekitar tahun 1900. Dia bekerja dalam gaya Post-Impressionist dan Fauvist sampai tahun 1915, ketika dia menemukan karya Piet Mondrian, yang membujuk van Doesburg untuk melukis abstraksi geometris dari subjek dari alam. Lukisan-lukisannya, dengan penggunaan ketat bentuk vertikal dan horizontal dan warna primer, sangat mirip dengan Mondrian sampai sekitar tahun 1920. Pada tahun 1917 van Doesburg berperan penting dalam membentuk kelompok seniman De Stijl, dan ia juga mendirikan ulasan seni avant-garde De Stijl (sebuah publikasi yang dilanjutkan hingga 1931). Di antara seniman yang terlibat dengan De Stijl adalah arsitek Belanda J.J.P. Oud, untuk siapa van Doesburg pertama kali merancang jendela kaca patri pada tahun 1916. Kolaborasinya dengan arsitek berlanjut sepanjang karirnya, saat ia melanjutkan untuk merancang lebih banyak kaca patri, serta ubin lantai dan skema warna keseluruhan.
Van Doesburg mengalihkan perhatiannya dari melukis sekitar tahun 1920, alih-alih berfokus pada promosi De Stijl di Jerman dan Prancis. Dia mengajar di Weimar Bauhaus dari tahun 1921 hingga 1923, dan teori De Stijl-nya kemudian mempengaruhi arsitek Modernis Le Corbusier, Walter Gropius, dan Ludwig Mies van der Rohe. Selama di Jerman, van Doesburg mengembangkan minat pada seni Dada setelah bertemu dengan seniman Kurt Schwitters; menggunakan alias I.K. Bonset, van Doesburg dipamerkan sebagai Dadaist di Belanda pada tahun 1923 dan menerbitkan ulasan seni Dada Mechano.
Van Doesburg kembali melukis sekitar tahun 1924, pada saat itu ia memutuskan untuk memperkenalkan diagonal ke dalam komposisinya untuk meningkatkan efek dinamisnya. Dia menamai pendekatan barunya "elementalisme," dan pada tahun 1926 dia menerbitkan manifesto yang menjelaskannya di De Stijl. Mondrian sangat tidak menyetujui konsep tersebut sehingga dia menolak gerakan De Stijl. Pada tahun 1931 van Doesburg terlibat dalam pembentukan asosiasi Abstraksi-Création, sekelompok seniman yang menganjurkan abstraksi murni.
Jacobus Johannes Pieter Oud, (lahir Februari. 9, 1890, Purmerend, dekat Amsterdam—meninggal 5 April 1963, Wassenaar, dekat Den Haag), arsitek Belanda terkenal karena peran perintisnya dalam pengembangan arsitektur modern.
Oud dididik di Amsterdam dan di Universitas Teknik Delft, setelah itu ia bekerja dengan sejumlah arsitek di Leiden dan Munich. Pada tahun 1916 ia dengan Theo van Doesburg, dan bersama-sama kedua pria itu mendirikan pada tahun 1917 ulasan berpengaruh De Stijl, yang menetapkan teori-teori kelompok seniman avant-garde de Stijl. Oud segera menjadi pendukung utama idiom de Stijl dalam arsitektur modern. Di antara proyek arsitekturnya yang paling awal dalam gaya yang keras dan sangat geometris ini adalah proyek teoretis untuk rumah di Scheveningen (1917) dan untuk pabrik di Purmerend (1919). Dia merancang sebuah hotel di Noordwijkerhout (1917) dan vila Allegonda di Katwijk (1917). Bangunan-bangunan ini dan lainnya menampilkan oposisi halus dari garis horizontal dan vertikal; dinding panjang dan lurus yang membungkus sudut-sudut bulat yang halus; unit bangunan yang membungkus ruang terbuka; dan bentuk bujursangkar dan melingkar yang disederhanakan yang mencapai keseimbangan yang tenang secara halus meskipun pengaturannya asimetris.
Pada tahun 1918 Oud ditunjuk sebagai arsitek perumahan ke kota Rotterdam, di mana pos ia diminta untuk memasok perumahan massal yang sangat dibutuhkan untuk pekerja. Blok perumahan yang kemudian ia rancang dan bangun di Spangen (1918), Tusschendijken (1920), dan Hoek van Holland (1924-27) memiliki penghematan yang bijaksana dan fungsional yang sangat kontras dengan elaborasi detail yang indah khas sekolah Amsterdam yang dipimpin oleh Michel de Klerk. Café de Unie (1924–27, dihancurkan pada 1940) dan perkebunan Kiefhoek (1925–27), keduanya di Rotterdam, juga menekankan prinsip de Stijl, meskipun pada saat itu dia cenderung berpisah dari gerakan. Buku OudHöllandische Architektur (1926) memberinya reputasi internasional.
Di antara karya-karya terakhirnya adalah Shell Building (1938) yang monumental dan agak berornamen di Den Haag, yang mengecewakan beberapa orang karena ditinggalkannya Oud yang jelas di dalamnya dari prinsip-prinsip de Stijl. Rumah Konvalesen Bio-Children (1952–60) di dekat Arnhem, bagaimanapun, secara meyakinkan menunjukkan penguasaan Oud yang berkelanjutan atas komposisi geometris elegan yang khas dari apa yang dikenal sebagai Gaya Internasional.
Gerrit Thomas Rietveld, (lahir 24 Juni 1888, Utrecht, Neth.—meninggal 25 Juni 1964, Utrecht), arsitek dan desainer furnitur Belanda yang terkenal karena penerapan prinsip-prinsip gerakan de Stijl. Dia adalah seorang magang di bisnis pembuatan kabinet ayahnya dari tahun 1899 hingga 1906 dan kemudian belajar arsitektur di Utrecht.
Rietveld memulai hubungannya dengan gerakan yang dikenal sebagai de Stijl pada tahun 1918. Pada waktu yang hampir bersamaan ia menciptakan kursi merah-dan-birunya yang terkenal, yang, dalam penekanannya pada geometri dan dalam penggunaan warna primer, adalah realisasi dari prinsip de Stijl (lihat foto). Pada tahun 1921 ia merancang toko perhiasan Amsterdam kecil, salah satu contoh pertama penerapan prinsip-prinsip ini pada arsitektur. Mahakaryanya adalah Rumah Schroeder di Utrecht (1924), luar biasa karena interaksi bentuk sudut kanan, bidang, dan garis, dan untuk penggunaan warna primer. Rumah-rumahnya yang diproduksi secara massal di Utrecht (1931-34) terkait erat dalam gaya. Dia tetap berhubungan dengan de Stijl sampai dibubarkanpada tahun 1931.
Dari tahun 1936 hingga setelah Perang Dunia II, Rietveld mengabdikan dirinya pada desain furnitur. Setelah perang ia menerima sejumlah komisi arsitektur penting, termasuk De Ploeg Textile Works (1956), Bergeyk; pengembangan perumahan (1954–56), Hoograven; dan akademi seni (1962), Arnhem.
Beberapa penjelasan telah diberikan oleh berbagai anggota gerakan tentang bagaimana ia menerima namanya. Menurut akun yang paling diterima secara luas, nama itu diadopsi di Cabaret Hugo Ball Voltaire di Zürich, selama salah satu pertemuan yang diadakan pada tahun 1916 oleh sekelompok seniman muda dan penentang perang yang mencakup Jean Arp, Richard Hülsenbeck, Tristan Tzara, Marcel Janco, dan Emmy Hennings. Ketika pisau kertas yang dimasukkan ke dalam kamus Prancis-Jerman menunjuk ke kata Prancis dada ("kuda-hobi"), itu dimanfaatkan oleh kelompok yang sesuai untuk kreasi anti-estetika dan kegiatan protes mereka, yang ditimbulkan oleh jijik terhadap nilai-nilai borjuis dan keputusasaan atas Perang Dunia I. Dada tidak merupakan gaya artistik yang sebenarnya, tetapi para pendukungnya menyukai kolaborasi kelompok, spontanitas, dan kesempatan. Dalam keinginan untuk menolak mode tradisional kreasi artistik, banyak Dadais bekerja dalam kolase, montase foto, dan konstruksi objek yang ditemukan, daripada dalam lukisan dan patung.
Gerakan di Amerika Serikat berpusat di galeri New York Alfred Stieglitz "291," dan di studio Walter Arensberg dan istrinya, Louise, keduanya adalah pelanggan seni yang kaya. Di lokasi-lokasi ini, kegiatan seperti Dada, yang muncul secara independen tetapi sejajar dengan yang ada di Zürich, dilibatkan oleh seniman seperti Marcel Duchamp, Man Ray, Morton Schamberg, dan Francis Picabia. Kelompok Zürich prihatin dengan masalah seputar perang, tetapi New York Dadaists sebagian besar berfokus pada mengejek pendirian seni. Misalnya, siap pakai Duchamp—yang paling terkenal adalah Fountain (1917), urinoar porselen—memput perdebatan sengit tentang definisi seni. Grup New York juga berkolaborasi dalam publikasi seperti The Blind Man,rongwrong, dan New York Dada. Bepergian antara Amerika Serikat dan Eropa, Picabia menjadi penghubung antara kelompok Dada di New York, Zürich, dan Paris; majalah Dada-nya, 291, diterbitkan di New York, Zürich, Paris, dan Barcelona dari tahun 1917 hingga 1924.
Pada tahun 1917 Hülsenbeck, salah satu pendiri kelompok Zürich, mengirimkan gerakan Dada ke Berlin, di mana ia mengambil karakter yang lebih politis. Di antara seniman Jerman yang terlibat adalah Raoul Hausmann, Hannah Höch, George Grosz, Johannes Baader, Hülsenbeck, Otto Schmalhausen, dan Wieland Herzfelde dan saudaranya John Heartfield (sebelumnya Helmut Herzfelde, tetapi di-Inggriskan sebagai protes terhadap patriotisme Jerman). Salah satu sarana ekspresi utama yang digunakan oleh para seniman ini adalah montase foto, yang terdiri dari fragmen foto yang ditempelkan yang dikombinasikan dengan pesan cetak; teknik ini paling efektif digunakan oleh Heartfield, terutama dalam karya anti-Nazi-nya yang kemudian hari (misalnya, Kaiser Adolph, 1939). Seperti kelompok-kelompok di New York dan Zürich, para seniman Berlin mengadakan pertemuan publik, mengejutkan dan membuat marah penonton dengan kejenakaan mereka. Mereka, juga, mengeluarkan publikasi Dada: "Manifesto Dada Jerman Pertama," Club Dada, Der Dada, Jedermann sein eigner Fussball ("Everyman His Own Football"), dan Dada Almanach. Pameran Dada Internasional Pertama diadakan di Berlin pada Juni 1920.
Kegiatan Dada juga dilakukan di kota-kota Jerman lainnya. Di Cologne pada tahun 1919 dan 1920, peserta utama adalah Max Ernst dan Johannes Baargeld. Juga berafiliasi dengan Dada adalah Kurt Schwitters dari Hannover, yang memberi nama omong kosong Merz untuk kolase, konstruksi, dan produksi sastranya. Meskipun Schwitters menggunakan bahan Dadaistik—sedikit sampah—untuk membuat karya-karyanya, ia mencapai formalisme halus yang tidak seperti anti-seni Dada.
Di Paris, Dada mengambil penekanan sastra di bawah salah satu pendirinya, penyair Tristan Tzara. Yang paling menonjol di antara banyak pamflet dan ulasan Dada adalah Littérature (diterbitkan 1919-24), yang berisi tulisan-tulisan oleh André Breton, Louis Aragon, Philippe Soupault, Paul Éluard, dan Georges Ribemont-Dessaignes. Namun, setelah tahun 1922, Dada mulai kehilangan kekuatannya.
Dada memiliki efek yang luas pada seni abad ke-20. Kritik nihilistik, antirasionalistik terhadap masyarakat dan serangannya yang tidak terkendali pada semua konvensi artistik formal tidak menemukan pewaris langsung, tetapi keasyikan dengan yang aneh, irasional, dan fantastis membuahkan hasil dalam gerakan Surealis. Ketergantungan seniman Dada pada kecelakaan dan kebetulan kemudian dipekerjakan oleh Surealis dan Ekspresionis Abstrak. Seni konseptual juga berakar pada Dada, karena Duchamp-lah yang pertama kali menegaskan bahwa aktivitas mental ("ekspresi intelektual") seniman lebih penting daripada objek yang dibuat. Kritikus bahkan telah mengutip pengaruh Dadaist pada gerakan rock punk tahun 1970-an.
Seni yang fantastis adalah genre seni yang luas dan didefinisikan secara longgar.[1]Itu tidak terbatas pada sekolah seniman tertentu, lokasi geografis atau periode sejarah. Ini dapat dicirikan oleh materi pelajaran - yang menggambarkan subjek atau peristiwa yang tidak realistis, mistis, mitos atau folklor - dan gaya, yang representasional dan naturalistik, daripada abstrak - atau dalam kasus ilustrasi majalah dan sejenisnya, dalam gaya seni novel grafis seperti asmanga.
Fantasi telah menjadi bagian integral dari seni sejak awal,[2]tetapi telah sangat penting dalam tingkah laku, lukisan realis ajaib, seni romantis, simbolisme, surealisme, dan lowbrow. Dalam bahasa Prancis, genre ini disebut lefantastique, dalam bahasa Inggris kadang-kadang disebut sebagai seni visioner, seni aneh atau seni tingkah laku. Itu memiliki interaksi yang dalam dan melingkar dengan sastra fantasi.
Subjek seni fantastis mungkin menyerupai produk halusinasi, dan seniman Fantastic Richard Dadd menghabiskan sebagian besar hidupnya di institusi mental. Salvador Dalí terkenal mengatakan: "satu-satunya perbedaan antara saya dan orang gila adalah saya tidak gila".[3]Beberapa seni fantastis baru-baru ini mengacu pada pengalaman seniman, atau pengalaman yang diakui, tentang obat-obatan halusinogen.
Istilah seni fantasi terkait erat, dan diterapkan terutama untuk seni baru-baru ini (biasanya abad ke-20 di bangsal) yang terinspirasi oleh, atau mengilustrasikan sastra fantasi.
Seni yang fantastis secara tradisional sebagian besar terbatas pada lukisan dan ilustrasi, tetapi sejak tahun 1970-an semakin banyak ditemukan juga dalam fotografi. Seni yang fantastis mengeksplorasi fantasi, imajinasi, keadaan mimpi, yang aneh, visi dan yang luar biasa,[2]serta apa yang disebut seni "Goth" dan "Dark".
Genre terkait
Genre yang juga dapat dianggap sebagai seni yang fantastis termasuk Weltlandschaften atau lanskap dunia Renaisans Utara, Simbolisme era Victoria, Pra-Raphaelites, Zaman Keemasan Ilustrasi,[4]dan surealisme. Karya-karya berdasarkan mitologi klasik, yang telah menjadi pokok seni Eropa dari periode Renaisans, juga bisa dibilang memenuhi definisi seni fantastis, seperti seni berdasarkan mitologi modern seperti J.R.R.Mitos Middle Earth Tolkien tidak diragukan lagi melakukannya. Seni religius juga menggambarkan subjek supranatural atau ajaib dengan cara naturalistik, tetapi umumnya tidak dianggap sebagai seni yang fantastis
Seniman bersejarah dan seniman terbaik
Banyak seniman telah menghasilkan karya yang sesuai dengan definisi seni fantastis. Beberapa, seperti Nicholas Roerich, bekerja hampir secara eksklusif dalam genre, yang lain seperti Hieronymus Bosch, yang telah digambarkan sebagai seniman "fantastis" pertama dalam tradisi Barat,[2]menghasilkan karya baik dengan dan tanpa elemen fantastis, dan untuk seniman seperti Francisco de Goya, karya fantastis hanya sebagian kecil dari hasil mereka. Yang lain lagi seperti René Magritte biasanya digolongkan sebagai Surealis tetapi menggunakan elemen fantastis dalam pekerjaan mereka.[1][5]
Abad ke-20
Ilustrasi untuk Bocah dan troll oleh John Bauer, 1915
Munculnya majalah fantasi dan fiksi ilmiah "pulp" menuntut karya seni untuk mengilustrasikan cerita dan (melalui seni sampul) untuk mempromosikan penjualan. Hal ini menyebabkan gerakan seniman fiksi ilmiah dan fantasi sebelum dan selama Depresi Hebat, seperti yang diantologis oleh Vincent Di Fate, dirinya sendiri seorang SF dan seniman luar angkasa yang produktif.[6]
Di Amerika Serikat pada 1930-an, sekelompok seniman Wisconsin yang terinspirasi oleh gerakan Surealis Eropa menciptakan merek seni fantastis mereka sendiri. Mereka termasuk Madison, seniman yang berbasis di Wisconsin- Marshall Glasier, Dudley Huppler dan John Wilde; Karl Priebe dari Milwaukee dan Gertrude Abercrombie dari Chicago. Seni mereka menggabungkan humor mengerikan, misteri dan ironi[7]yang secara langsung dan tajam bertentangan dengan Regionalisme Amerika yang kemudian menjadi mode.[kutipan diperlukan]
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
_(2).jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
_(14741970056).jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
![Liontin Malia, permata Minoan yang ikonik; 1700-1600 SM; emas; lebar: 4,6 cm; dari kompleks Chrysolakkos (lubang emas) di Malia; Museum Arkeologi Heraklion[12]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Bee_pendant,_gold_ornament,_Chrysolakos_necropolis_near_Malia,_1800-1700_BC,_AMH,_144879.jpg)
_-_Heraklion_AM_-_01.jpg)
_-_Heraklion_AM_-_01.jpg)
![Piala Vaphio; 1675-1410 SM; emas; tinggi: 7,8 cm, diameter: 10,7 cm; dari Vaphio (Laconia, Yunani); Museum Arkeologi Nasional (Athena)[13]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Gold_in_NAMA_32.JPG)
![Dewi ular; 1460-1410 SM (dari Periode Neo-palatial Minoa); faience; tinggi: 29,5 cm; dari Repositori Kuil di Knossos; Museum Arkeologi Heraklion[14]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:%CE%98%CE%B5%CE%AC_%CF%84%CF%89%CE%BD_%CE%8C%CF%86%CE%B5%CF%89%CE%BD_6393_(cropped).JPG)
![Sarkofagus Hagia Triada; 1370-1315 SM; batu kapur; panjang: 1,4 m, tinggi: 0,9 m; dari Kamar Makam 4 di Hagia Triada, dekat Phaistos (Crete); Museum Arkeologi Heraklion[15]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Sarcophagus_archmus_Heraklion.jpg)
![Belati hias; 1550-1500 SM; perunggu, perak, emas dan niello; panjang: 16 cm; Museum Arkeologi Nasional (Athena)[16]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:02_2020_Grecia_photo_Paolo_Villa_FO190049_(Museo_archeologico_di_Atene_)_Pugnale_da_Micene,_con_agemina_in_argento_e_oro._Papiri,_pantera,_uccelli,_pesci_in_un_fiume._Bronzo_miceneo_del_XVIsec_a.C._circa_NAMA_765,_senza_gimp_(cropped).jpg)
![Dua wanita dan seorang anak; 1400-1300 SM; gading; tinggi: 7,8 cm; Museum Arkeologi Nasional (Athena)[16]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Ivory_tvo_women_and_child_Myenaean,_NAMA_7711_080853_(cropped).jpg)
![Kepala seorang pejuang; 1300-1200 SM; gading; tinggi: 8 cm; Museum Arkeologi Nasional (Athena)[16]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Boar%27s_tisk_helmet_(cropped).jpg)
.jpg)
![Parthenon di Akropolis Athena, kuil Yunani Doric paling ikonik yang dibangun dari marmer dan batu kapur di antara c. 460-406 SM, didedikasikan untuk dewi Athena[17]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Parthenon_(30276156187).jpg)
![Hermes dan Bayi Dionysus; oleh Praxiteles; 330-320 SM; marmer; tinggi: 2,15 m; Museum Arkeologi Olympia (Olympia, Yunani)[18]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Hermes_and_the_infant_Dionysus_by_Praxiteles.jpg)
![Sarkofagus Alexander; 320–310 SM; marmer; panjang: 3,18 m; Museum Arkeologi Istanbul (Turki)[19]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Alexander_Sarcophagus,_Istanbul_Archaeological_Museums_2020.jpg)
![Kelompok Aphrodite, Pan dan Eros; sekitar 100 SM; marmer; tinggi (tanpa alas): 1,32 m; Museum Arkeologi Nasional (Athena)[20]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Aphrodite_Pan_Eros_NAMA_3335_Athens_Greece.jpg)
_--_Getty_Villa_-_Collection.jpg)
_MET_DP21045.jpg)
.jpg)
_from_the_Villa_of_P._Fannius_Synistor_at_Boscoreale_MET_DP170950.jpg)
_MET_DP23101_(cropped).jpg)
.jpg)
),_Parshvanatha,_Neminatha,_and_Mahavira)_LACMA_M.85.55_(1_of_4).jpg)
.jpg)
.jpg)
_MET_DT10516.jpg)
.jpg)
_1352_150cm,_treviso,_ex_convento_di_san_niccol%C3%B2,_sala_del_capitolo.jpg)
![St. Basilika Peter, Roma, oleh Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno dan lainnya, selesai pada tahun 1615[29]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Basilica_di_San_Pietro_in_Vaticano_September_2015-1a.jpg)
![Santa Maria della Salute, Venesia, oleh Baldassare Longhena, 1631–1687[30]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Santa_Maria_della_Salute_from_Hotel_Monaco.jpg)
![Fontana dei Quattro Fiumi, Roma, oleh Gian Lorenzo Bernini, 1648–1651[31]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Obelisco_Fontana_dei_Fiumi_Piazza_Navona_Roma.jpg)
![St. Lapangan Peter, Roma, oleh Gian Lorenzo Bernini, 1656–1667[29]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:St_Peter%27s_Square,_Vatican_City_-_April_2007.jpg)
![Santa Maria della Pace, Roma, oleh Pietro da Cortona, 1656–1667[32]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:%C3%89glise_Santa_Maria_Pace_-_Rome_(IT62)_-_2021-08-28_-_3.jpg)
![Vestry dari Granada Charterhouse, Granada, Spanyol, oleh Narciso Tomé, 1727–1764[38]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Granada,_Monasterio_de_La_Cartuja,_sacristia_(2).jpg)
![Istana Kerajaan Madrid, Madrid, Spanyol, oleh Jean Bautista Sachetti, 1735–1764[39]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Palacio_Real_de_Madrid_-_13.jpg)
![Fasad Katedral Santiago de Compostela, Spanyol, oleh Fernando de Casas Novoa, 1738[40]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Catedral_de_Santiago_de_Compostela_agosto_2018_(cropped).jpg)
![Istana Wilanów, Warsawa, Polandia, arsitek tidak dikenal, 1677–1679[44]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:281012_Detail_of_the_Wilan%C3%B3w_Palace_-_19.jpg)
![Kolom Wabah, Wina, Austria, oleh Matthias Rauchmiller dan Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1682 dan 1694[45]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Wien_Graben_Pests%C3%A4ule_Ostseite.jpg)
![Gereja Santo Nikolas, Praha, Republik Ceko, oleh Christoph Dientzenhofer, 1703–1711[46]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:St._Nikolaus_auf_der_Kleinseite_Innenraum_1.jpg)
![Eksterior Karlskirche, Wina, oleh Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715–1737[47]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Karlskirche_Wien_September_2016.jpg)
![Interior Karlskirche, oleh Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715–1737[47]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Iglesia_de_San_Carlos_Borromeo,_Viena,_Austria,_2020-01-31,_DD_49-51_HDR.jpg)
![Upper Belvedere, Wina, oleh Johann Lukas von Hildebrandt, 1717–1723[48]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Palacio_Belvedere,_Viena,_Austria,_2020-02-01,_DD_87-89_HDR.jpg)
![Istana Rogalin, Rogalin, Polandia, arsitek tidak dikenal, 1768–1774[49]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Pa%C5%82ac_w_Rogalinie_od_strony_ogrodu_02.jpg)
![Château de Maisons, Prancis, oleh François Mansart, 1630–1651[56]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Ch%C3%A2teau_de_Maisons-Laffitte_001.jpg)
![Galerie d'Apollon, Istana Louvre, Paris, oleh Louis Le Vau dan Charles Le Brun, setelah 1661[57]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Galerie_d%27Apollon_du_Louvre_d%C3%A9serte_1.jpg)
![Bagian depan timur Istana Louvre, Paris, oleh Claude Perrault dan Louis Le Vau, 1665–1680[58]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Louvre-facade-est.jpg)
![Kapel Istana Versailles, Versailles, Prancis, 1696–1710[59]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Versailles_Chapel_-_July_2006_edit.jpg)
![Porte Saint-Denis, Paris, oleh François Blondel, 1672[60]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Porte_Saint-Denis_01.jpg)
![Dôme des Invalides, Paris, oleh Jules Hardouin-Mansart, 1677–1706[61]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Cath%C3%A9drale_Saint-Louis-des-Invalides,_140309_2.jpg)
![Aula Cermin dari Istana Versailles, 1678–1684[62]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Chateau_Versailles_Galerie_des_Glaces.jpg)
![Fasad taman Istana Versailles, oleh Jules Hardouin-Mansart, 1678–1688[63]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Palace_of_Versailles_June_2010.jpg)
![Pengadilan Marmer Istana Versailles, 1680[64]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Cour_de_Marbre_du_Ch%C3%A2teau_de_Versailles_October_5,_2011.jpg)
![Place Vendôme, Paris, oleh Jules Hardouin-Mansart, 1699–1706[65]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Place_Vendome,_Paris_20_April_2011.jpg)
![Hôtel de Rothelin-Charolais, Paris, oleh Pierre Cailleteau, 1700–1704[66]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:H%C3%B4tel_de_Rothelin_-_fa%C3%A7ade_cour.jpg)
![Perpustakaan Universitas, Universitas Coimbra, Coimbra, Portugal, oleh Gaspar Ferreira, 1716–1728[71]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Biblioteca_Joanina_Universidade_de_Coimbra_IMG_0664.JPG)
![Istana Mafra, Mafra, Portugal, oleh João Frederico Ludovice, 1717–1755[72]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Mafra_(27595630149)_(cropped).jpg)
![Azulejo di biara Biara São Vicente de Fora, Lisboa, Portugal, dengan adegan berdasarkan cetakan oleh Jean Le Pautre, arsitek atau pengrajin yang tidak dikenal, 1730–1735[73]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Patriarcato_di_Lisbona_(3093346552).jpg)
![Tangga Besar Gereja Ziarah Bom Jesus do Monte, Braga, Portugal, oleh Carlos Luís Ferreira Amarante dan lainnya, c.1784[74]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Bom_Jesus_2017_(10).jpg)
![Peterhof Gardens, Saint Petersburg, Rusia, arsitek tidak dikenal, 1746–1758[85]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:2019-08-02-3847-Saint_Petersburg.jpg)
![Biara Smolny, Saint Petersburg, oleh Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1748[86]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Smolny_Cathedral_SPB_02.jpg)
![Tsarskoe Selo, Pushkin, Rusia, oleh Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1749–1756[87]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Catherine_Palace_in_Tsarskoe_Selo.jpg)
![Basilika San Francisco de Asís, Havana, Kuba, arsitek tidak dikenal, 1548–1738[89]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Basilica_Menor_de_San_Francisco_de_Asis_in_Havana_2016.jpg)
![Gereja San Lorenzo de Carangas, Potosí, Bolivia, arsitek tidak dikenal, pertengahan abad ke-16–c.1744[90][91]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:20170807_Bolivia_1373_crop_Potos%C3%AD_sRGB_(37270469644).jpg)
![Gereja Santo Domingo, Santiago, Chili, arsitek tidak dikenal, 1747–1808[92]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Iglesia_de_Santo_Domingo,_Santiago,_2017-09-24.jpg)
![Gereja Santa Prisca de Taxco, Taxco, Meksiko, oleh Diego Durán dan Cayetano Sigüenza, 1751–1758[93]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Fachada_de_santa_prisca.JPG)
_por_Rodrigo_Tetsuo_Argenton.jpg)
![São Paulo, Makau, Tiongkok, arsitek tidak dikenal, 1601[102]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Restos_de_la_Catedral_de_San_Pablo,_Macao,_2013-08-08,_DD_05.jpg)
![São Paulo, Diu, India, arsitek tidak dikenal, 1601[103]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Eglise_St_Paul.jpg)
![Gereja San Agustín, Manila, Filipina, arsitek tidak dikenal, 1586–1606[104]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:San_Agustin_Church_(Intramuros,_Manila;_07-22-2020).jpg)
![Pulpit, Basilika Bom Jesus, Goa, India, arsitek atau pengrajin yang tidak dikenal, abad ke-18[105]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Goa_vecchia,_basilica_di_bom_jesus,_interno,_pulpito_01.jpg)
.jpg)
![Biara Horezu, Horezu, Rumania, dengan kolom Solomonic, arsitek tidak dikenal, abad ke-17-18[106]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Hurezi_(14572944446).jpg)
![Memutar kolom dan pagar Istana Mogoșoaia, Mogoșoaia, arsitek tidak dikenal, awal abad ke-18[107]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Mogosoaia_Museum_(128813769).jpeg)
![Kebangkitan Kristus; oleh Annibale Carracci; 1593; minyak di atas kanvas; 217 x 160 cm; Louvre[109]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Annibale_Carracci,_Resurrezione,_Louvre.jpg)
![Kemenangan Bacchus dan Adriane (bagian dari The Loves of the Gods); oleh Annibale Carracci; c.1597–1600; fresco; panjang (galeri): 20.2 m; Palazzo Farnese, Roma[110]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:The_Triumph_of_Bacchus_and_Ariadne_-_Annibale_Carracci_-_1597_-_Farnese_Gallery,_Rome.jpg)
![Panggilan St Matius; oleh Caravaggio; c.1602–1604; minyak di atas kanvas; 3 x 2 m; San Luigi dei Francesi, Roma[111]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg)
![Judith Slaying Holofernes; oleh Artemisia Gentileschi; 1611–1612; minyak di atas kanvas; 163 x 126 cm; Uffizi, Florence, Italia[112]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Artemisia_Gentileschi_-_Giuditta_decapita_Oloferne_-_Google_Art_Project-Adjust.jpg)
![Pemerkosaan Wanita Sabine; oleh Nicolas Poussin; 1634–1635; minyak di atas kanvas; 1,55 × 2,1 m; Museum Seni Metropolitan, Kota New York[113]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Nicolas_Poussin_-_L%27Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg)
![The Night Watch; oleh Rembrandt; 1642; minyak di atas kanvas; 3.63 × 4.37 m; Rijksmuseum, Amsterdam, Belanda[114]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:La_ronda_de_noche,_por_Rembrandt_van_Rijn.jpg)
![Las Meninas; oleh Diego Velázquez; 1656; minyak di atas kanvas; 3,18 cm × 2,76 m; Museo del Prado, Madrid, Spanyol[115]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg)
![Kemenangan Bacchus; oleh Michaelina Wautier; sebelum 1659; minyak di atas kanvas; 270 x 354 cm; Museum Kunsthistorisches[116]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Michaelina_wautier-triunfo_de_baco.JPG)
![Vanitas Still Life; oleh Maria van Oosterwijck; 1668; minyak di atas kanvas; 73 x 88,5 cm; Museum Kunsthistorisches[117]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Maria_van_Oosterwijck,_Kunsthistorisches_Museum_Wien,_Gem%C3%A4ldegalerie_-_Vanitas-Stilleben_-_GG_5714.jpg)
![Ekstasi Santa Teresa; oleh Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; marmer; tinggi: 3,5 m; Santa Maria della Vittoria, Roma[124]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Ecstasy_of_St._Teresa_HDR.jpg)
![Ketenaran Raja Mengendarai Pegasus; oleh Antoine Coysevox; 1698–1702; marmer Carrara; tinggi: 3.15 m; Louvre[125]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Fame_riding_Pegasus_Coysevox_Louvre_MR1824.jpg)
.jpg)
![Tempat tidur bertiang empat dari Château d'Effiat; c.1650; kenari alami, beludru sutra Genoa yang dipahat dan sutra bersulam; 295 cm; Louvre[128]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_32_D201903_(cropped).jpg)
![Baroque caryatids dari sebuah kabinet; c.1675; ebony, kingwood, marquetry dari batu keras, perunggu emas, timah, kaca, cermin berwarna dan tanduk; dimensi yang tidak diketahui; Museum Seni Dekoratif, Strasbourg, Prancis[129]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Antichambre_du_prince-%C3%A9v%C3%AAque_(Palais_Rohan,_Strasbourg)_cabinet.JPG)
![Meja dermaga; 1685–1690; diukir, gessoed, dan kayu berlapis emas, dengan bagian atas marmer; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Institut Seni Chicago, AS[130]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Francia,_tavolo_da_parete,_1685-90_ca.jpg)
![Lemari; oleh André Charles Boulle; c.1700; veneer kayu hitam dan bayam, kayu polikrom, kuningan, timah, cangkang, dan marquetry tanduk pada bingkai kayu ek, perunggu gilt; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[131]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Armoire_aux_perroquets_du_Louvre.jpg)
![Commode; oleh André Charles Boulle; c.1710–1732; veneer kenari dengan kayu hitam dan marquetry dari kuningan berukir dan kulit kura-kura, dudukan perunggu emas, bagian atas marmer antik; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museum Seni Metropolitan (Kota New York)[132]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Commode_MET_DP108742.jpg)
![Meja depan miring Jerman; oleh Heinrich Ludwig Rohde atau Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetry dengan maple, bayam, mahoni, dan kenari pada pohon cemara dan ek; 90 × 84 × 44,5 cm; Institut Seni Chicago[133]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Heinrich_ludwig_rohde_o_ferdinand_plitzner_(attr.),_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg)
![Kebun di Vaux-le-Vicomte, Prancis, oleh André Le Nôtre, 1657–1661[158]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Kasteel_van_Vaux-le-Vicomte_-_Maincy_06.jpg)
![Taman Versailles, oleh André Le Nôtre, dimulai pada tahun 1661[159]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Vue_a%C3%A9rienne_du_domaine_de_Versailles_le_20_ao%C3%BBt_2014_par_ToucanWings_-_Creative_Commons_By_Sa_3.0_-_22.jpg)
![Taman Istana Het Loo, Belanda, arsitek tidak dikenal, 1689[160]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Het_Loo_Hauptachse.JPG)
![Taman Istana Tessin, Stockholm, Swedia, oleh Nikodemus Tessin Muda, 1692–1700[161]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:1_Tessinska_palatset_tr%C3%A4dg%C3%A5rd_2.jpg)
.jpg)
_-_WGA4672.jpg)
![Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Wanita Membersihkan Lobak, c. 1738, Alte Pinakothek.[ 10]](https://en.wikipedia.org/wiki/File:Jean-Baptiste_Sim%C3%A9on_Chardin_017.jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg)
